El blog de Kioscopedia

Premio Nacional (Javo Rodríguez)

2011-11-14T03:09:00.000-08:00

Santiago Valenzuela ha ganado el Premio Nacional del Cómic de España en su edición de 2011. No he leído Plaza Elíptica, el título por el que ha sido premiado Valenzuela, tan sólo lo conozco por referencias, así que poco tengo que decir sobre él. Lo que si parece claro es que Plaza Elíptica se ajusta a la línea editorial que el premio ha mantenido desde su primera edición. Hechos, dichos, ocurrencias y andanzas de Bardín el Superrealista de Max en 2007, Arrugas de Paco Roca en 2008, Las serpientes ciegas de Felipe Hernández Cava y Bartolomé Seguí en 2009 y El Arte de Volar de Antonio Altarriba y Kim el pasado año. Nada que objetar a la lista de premiados. Son títulos y autores muy diferentes. Personalmente aprecio alguno de ellos y forman parte de mi biblioteca pero no deja de preocuparme el hecho de que se ajusten a una línea editorial, a una política editorial, algo que no me parece lo más apropiado para un premio nacional.

Hace años que no soy capaz de pasar de la tercera página de los álbumes de Mortadelo y Filemón. Pero Ibáñez es mucho Ibáñez y, en el hipotético caso de que publicase un álbum estupendo, ¿tendría cabida en los premios nacionales? Creo que no, no se ajusta a su política.
Las tiras de Silvio José, el buen parásito de Paco Alcázar ¿tendrían oportunidad de ser premiadas? Creo que no, tampoco se ajustan.
Cualquier álbum de Blacksad de Juan Díaz canales y Juanjo Guarnido ¿gozarían de alguna oportunidad' Está claro que no.
Son sólo tres ejemplos que ilustran una situación que me preocupa y que me hace mirar hacía el Premio Nacional del Cómic de España con cierta indiferencia.

P.D. quedó en el tintero (que raro suena esto escribiendo en computadora) la última entrega de las jornadas de Mapfre, tan interesante como las cuatro anteriores, pero un viaje a Buenos Aires y otras obligaciones fueron retrasando su publicación. Ha pasado ya mucho tiempo para un blog, así que dormirá en el limbo.

Astonishing X-Men (Iván Rodríguez)

2011-11-11T04:50:00.000-08:00

En 2001 Grant Morrison se hizo cargo de los guiones de X-Men, dando a la serie un nuevo título pero manteniendo la numeración. New X-Men no significó tan solo un cambio en el título de portada, fue un lavado de cara para los mutantes, que estaban hundidos en un pozo de podredumbre desde los oscuros noventa. Los contundentes cambios estéticos, potenciados por el magnífico dibujo de Frank Quitely y la influencia de la versión cinematográfica, y la recuperación del concepto de escuela de mutantes dieron un empujón a las colecciones X que permitió a los aficionados el volver a soñar con un resurgir de sus personajes favoritos.

Tras 41 números y un annual, Morrison deja la serie en manos de Chuck Austen, que mantiene la estética y el New X-Men de portada durante dos entregas, para recuperar la lycra de colores y las historias vacías.

Todo hacía pensar que los x-men volvían a caer en la mediocridad de los noventa y que la etapa de Morrison no había sido más que un espejismo, pero la llegada de Joss Whedon y la creación de una nueva cabecera mutante evitaron este desastre.

Astonishing X-Men tenía una frescura y sencillez de planteamiento capaz de atraer nuevos lectores, ya que, además, estaba desligada de los “grandes eventos” Marvel pese a sufrir el peso de la continuidad (de eso no se libra nadie).

Whedon contaba lo que le daba la real gana (en el buen sentido), a su ritmo, trasteando magistralmente con viejas historias de los mutantes e incluyendo nuevos e interesantes personajes (Ord, Abigail Brand y S.W.O.R.D., Danger), resucitando (vale, esto no es demasiado original) a Coloso, etc.

El planteamiento consistía en arcos de seis entregas que dejaban pequeños cabos sueltos para enlazar con la siguiente historia. Fácil, sencillo y muy entretenido.

El principal problema de la serie consistía en la lentitud de los creadores. Whedon por sus variados compromisos televisivos y cinematográficos, y John Cassaday es tan genial como lento. Pero daba igual esperar dos o tres meses por el siguiente número, lo importante era mantener un gran equipo creativo que funcionaba a la perfección, y mientras que las cabezas pensantes de Marvel pudiesen encajar las historias en la continuidad la regularidad de la serie (mensualmente hablando) carecía de importancia.

Whedon y Cassaday realizaron cuatro arcos de seis entregas y un Giant-Size como cierre del último, un numero magistral de despedida que tanto permitía continuar la cabecera, como darle carpetazo y dejarla como 25 de los mejores comics de mutantes jamás leídos.

La opción de cerrar la serie no era válida para Marvel, daba pasta, pero el equipo creativo que sustituyese a Whedon y Cassaday debía estar formado por autores de primera línea. Y así fue, Warren Ellis se hizo cargo de los guiones, mientras que Simone Bianchi (menos conocido que el escritor, pero ya contratado por Marvel para dibujar Wolverine) reemplazaba a Cassaday.

Las diferencias eran notables, mientras Cassaday es limpio, realista y muy ordenado, Bianchi recarga las viñetas hasta agotar la vista y su continua obsesión de sacar a los personajes de los marcos cansa bastante, haciendo que un dibujo magistral, a veces, incomode la lectura.

Ellis es uno de mis guionistas favoritos, pero sus trabajos con Marvel (quizá por falta de independencia, aunque tampoco se ha lucido en la línea Ultimate, donde cuenta con mayor libertad creativa) no se encuentran entre los mejores. Con todo, respeta completamente la idea original de la serie, aunque en mitad del primer arco (de cinco entregas) encaja una miniserie (Astonishing X-Men: Ghost Boxes) para mostrar unos curiosos universos alternativos relacionados con la historia principal.

El segundo arco escrito por Ellis vino acompañado de cambio de dibujante (ya empezamos), Phil Jiménez no es Cassaday pero cumple a la perfección y agota menos que Bianchi. La historia recupera de una forma un tanto virtual infinidad de viejos enemigos de los x-men para deleite de los viejos aficionados y se lee con ganas pero sin llegar al enganche que producían los guiones de Whedon.

Excentricidad de Ellis o maniobra comercial de Marvel, realmente poco importa, pero el que debería haber sido el #36 de la serie se convirtió en Astonishing X-Men: Xenogenesis #1, un arco en el que Ellis tiraba de viejos personajes de las historias de la desaparecida Marvel UK. Pero fue un nuevo cambio de dibujante lo que realmente marcó esta miniserie, el estilo semicaricaturesco / humorístico de Kaare Andrews tuvo una acogida desigual entre los lectores. Particularmente me pareció un dibujo fantástico y que acompañaba muy bien a la historia, pese a los graciosos desfases como comenzar un cómic con cuatro splash-pages seguidas (dos de ellas dobles).

Y se acabó, pues no. Daniel Way y Cristos N. Cage se hacen cargo de los guiones en un arco compartido de forma curiosa, dividiendo el grupo de personajes principales y contando (sin compartir la grapa, en comics diferentes) la historia de forma simultanea.

Hablo un poco a ciegas, ya que el primer número de Cristos N. Cage no se ha publicado todavía en nuestro país, pero estos dos guionistas solo realizan un arco, en el perteneciente a Way hay cambio de dibujante, y pese a la calidad de los escritores no son ni la sombra de sus predecesores. Así que el futuro de la serie está por ver, pero el continuo baile de dibujantes y guionistas no le hace ningún bien al planteamiento inicial de una colección que arrancó como una maravilla y que, pese a que las historias gustasen más o menos, mantenía una independencia de las eternas y demasiado extensas movidas del Universo Marvel.

Del tebeo a la novela gráfica IV (Javo Rodríguez)

2011-09-27T17:06:00.000-07:00

La sesión comenzó con un mala noticia, Marcello Serra, historiador del cómic y moderador de la sesión, nos informaba de la muerte de Sergio Bonelli, editor y guionista, figura clave del tebeo italiano, y creador de Zagor, así como continuador de la labor de su padre, Gian Luigi Bonelli, padre de Tex. Adiós amigo... pero la vida sigue.

Hoy en Del tebeo a la novela gráfica tocaba hablar sobre Héroes del cómic internacional. Los invitados, algo habitual en las jornadas, eran de autentico lujo. El público, muy numeroso, asimismo contó con ilustres como Carlos Pacheco o Carlos Giménez a los que tuve el honor de estrechar la mano por mediación de Emilio Gonzalo, director de Expocómic.

Juan Manuel Bonet, nacido en París, es uno de los más importantes conocedores de la pintura y ha sido director de museos tan prestigiosos como IVAM Valencia o del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Además de tan notorios cargos, Bonet es un experimentado tintinólogo lo que justifica su inclusión dentro de las jornadas. Su última aportación sobre el personaje de Hergé es uno de los prólogos de la exposición "Cubiertas Tintinescas" que se inaugura el próximo día 29 en la galería José Ramón Ortega.
Bonet une a su sabiduría sobre Tintin un profundo amor al personaje que se transmite en todas sus palabras. El ¿periodista? belga es para Bonet "un héroe de su tiempo, que tiene el don de la ubicuidad, que está siempre en el momento oportuno, en el sitio oportuno. Me identifico con él, recorto periódicos como me enseño el malo, malisimo de Muller. Este héroe nos ayuda a entender todo lo que ha pasado en el siglo XX". Bonet, a pesar de su cariño a Hergé no tiene duda alguna al afirmar que Hergé se "rozó demasiado con el totalitarismo fascista" o la importante labor de Jacobs en la obra del autor. Poco hay que decir sobre Tintin que Bonet no resalte, pero si quiero decir, como curiosidad, que ha sido el personaje más nombrado, no sólo en esta jornada, sino a lo largo de los cinco días, creo que no ha habido una sola sesión en la que no haya aparecido el chico de los bombachos. Me encanto su falta de prejuicios al afirmar que "no hay que ponerse muy fundamentalista con la versión de Spielberg hasta verla. A Graham Green no le gustaba nada la versión cinematográfica de El tercer hombre y a mi me gusta más que su novela". Chapeau.

El salmantino Ángel de la Calle es una autentico polifacético del tebeo. Colaborador en Star, Rambla, Comix Internacional, Zona 84, El Víbora o la estadounidense Heavy metal. Autor de storyboards. Creador de la tira Mar y Mari en los periódicos asturianos. Autor de Modotti, una mujer del siglo XX. Elemento clave del cómic en la Semana Negra de Gijón y fundador de las Jornadas Internacionales del Cómic Villa de Avilés. Experto en Hugo Pratt (Hugo Pratt, la mano de Dios) y autor de la estupenda monografía sobre El Hombre Enmascarado (En el sendero) que me hubiese encantado me firmase, pero, ¡malditas prisas! no pude correrla de mi biblioteca.
De la Calle comenzó su charla hablando sobre los cambios del héroe en los años 60, centrándose inicialmente en la figura de Blueberry en una época en que "la novela abandona la épica" y sus influencias de la "decostrucción que el spaghetti western hace del western. El ciclo de México está claramente influenciado por las películas de Sergio Leone y se dirige al realismo, en el sentido de que se vuelven más humanos, tienen más defectos, se parecen más a la gente". En cuanto a Corto Maltes resalto la pasión que ha provocado en escritores como Humberto Eco o Pérez Reverte. "Es importante porque, al igual de la novelística del siglo XX, es interior, reflexiva, no es épica o es de la épica del día a día". Un interesante punto de vista pero que a mi me provoca aburrimiento, no la opinión del salamantino, sino esa descontrucción de la épica del héroe. Blueberry o Corto Maltés, tanto en sus ediciones españolas seriadas como de seguido en sus álbumes, me hacen bostezar, lo cual, sin duda, no es más que una de mis muchas incapacidades.

El granadino Juanjo Guarnido es un genio del dibujo en la historieta, del dibujo, a secas. A la derecha de mi ordenador está siempre presente un cuadrito con una postal de Blacksad a la que se une una bonita foto de Bel, junto a una reproducción escultórica del gato, con un ojo morado, de algún salón de Barcelona. Igualmente me hubiese encantado añadir su firma. ¡Malditas prisas!. Su biografía profesional tiene dos absurdos desaciertos. Cagada (perdón por la expresión, pero es la mejor que se me ocurre) de la Marvel (británica y estadounidense) que impidió su paso desde sus inicios en Forum. Cagada de las editoras españolas que le llevaron a publicar, junto a Juan Díaz Canales, con Dargaud (Francia) su primer Blacksad (Quelque part entre les ombres, 2000). La excelencia de su dibujo ha quedado reflejada también en la animación con sobresalientes trabajos para Disney, entre otros la animación de Hades en Hércules (1997) o Sabor en Tarzán (1999). Su trabajo ha sido permanentemente premiado, el último galardón, este año, el eminente Eisner Award 'Best Painter/Multimedia Artist' (Mejor artista completo) por Blacksad 4: El infierno, el silencio.
Guarnido es dibujante y, como tal, radical defensor de su (mucho) arte. De nuevo Tintin saltó a la palestra, "es una cabecita de huevo, con un tufillo, con dos expresivos ojos, más expresivos que la mitad de los actores. La adaptación marca la interpretación que el lector hace del personaje".

De nuevo llegan las prisas, tengo que acudir a la última sesión. No quiero cerrar este post -y todos los que escribo sobre Del tebeo a la novela gráfica- sin aclarar que no es más que un pálido reflejo de urgencia, subjetivo y, en muchas ocasiones, sin poder escuchar las grabaciones de las charlas hasta su final. Reitero que, si de verdad queréis saber lo sucedió y sucederá, lo mejor es entrar en la web de la Fundación Mapfre.

Sesión I Origen y evolución de cómic
Sesión II Héroes del cómic español
Sesión III El cómic y el cine

Del tebeo a la novela gráfica III (Javo Rodríguez)

2011-09-26T05:25:00.001-07:00

Un público, bastante más numeroso que en sesiones anteriores, abarrotó la sala, pero, como diría el Chapulín Colorado: "¡No contaban con mi astucia!" y, maliciándome que el cine atrae más personal que el cómic, me presente con tiempo para poder escoger sitio en la sala... y el ganador de un Oscar no apareció. Afortunadamente. No porque tenga nada contra Garci sino porque en la mesa había una silla ocupada menos. Me explico. Cuando, en un evento, como Del tebeo a la novela gráfica, veo más de tres sillas sólo me tranquilizo si el tiempo programado supera las dos horas. Tratar de encajar una presentación, las opiniones de tres invitados y la intervención del público en 90 minutos me parece una tarea imposible que siempre deja un sabor a coitus interruptus. Supongo que para Martín Casariego, moderador de la sesión, la deserción de Garci fue un marrón, obligándole a cubrir el hueco con premuras, pero Casariego, guionista (Amo tu cama rica), novelista y ensayista, solventó la papeleta. En resumen, la tercera jornada, El cómic y el cine, se desarrolló con dos invitados que pudieron expresarse sin prisas y con una mayor y más interesante intervención del público. En esta ocasión Casariego propuso la sesión como una larga entrevista.

El salmantino Antonio Hernández se dio a conocer en 1979 con F.E.N. y, en fechas más cercanas, con La ciudad sin límites (2001) y Los Borgia (2006, serie de tv y película). Su presencia estaba más que justificada, Hernández es el director de la esperada El Capitán Trueno y el Santo Grial que será estrenada el próximo 7 de octubre. Sergio Peris-Mencheta (Resident evil: Ultratumba ) será Trueno, Manuel Martínez (campeón de España de lanzamiento de peso) se vestirá de Goliath, Adrián Lamana (Cuéntame cómo pasó) encarnará a Crispín y Natasha Yarovenko (Habitación en Roma ) se meterá en la piel de la guapa Sigrid.
Hernández relacionó cómic y storyboard, "siempre he dibujado mis propios storys, haciendo un cómic antes cada película" y planteó una cuestión que merecería un debate: "Básicamente el público de los cines es adolescente y las historias para adultos se ha refugiado en la televisión". Obviamente habló su versión de Trueno, "he hecho El Capitán Trueno desde el punto de vista de que soy un niño, un lector de El Capitán Trueno, desde ese punto de vista y desde lo más profundo de mi corazón, sabiendo que es arriesgado coger a Trueno, Crispín o Goliath y darles un cuerpo, una cara, una sonrisa, un carácter, pero no he necesitado releer los cómics porque los llevo dentro, impregnados. He rodado el Capitán Trueno que yo llevo dentro, porque saber el que lleva dentro otro me parece muy complicado".

El canario Juan Carlos Fresnadillo, apasionado de las películas de terror y el fantástico desde joven, dio el golpe con Esposados (1996), un divertido mediometraje de casi 30 m., rodado con una inusual maestría para un debutante. Con Esposados obtuvo un mogollón de premios y fue candidato al Oscar. Tras rodar la fallida Intacto (2001) y un emocionante y cortisimo, 3 m., homenaje al loco -dicho sea con todos los respetos- Alejandro Jodorowsky ("me encantaría adaptar El Incal"), debutó en el cine estadounidense con los zombis de la entretenida 28 semanas después (2007), secuela de 28 días después (2002) lo que ya justificaría su presencia en la mesa, pero además, a la espera el próximo mes del estreno de Intruders, Fresnadillo está en pleno comienzo de la preparación de una nueva versión fílmica de El Cuervo de James W. O'Barr.
"El concepto de superhéroe esta profundamente arraigado en la cultura popular [...] mi primer acercamiento al cómic fue con las primeras ediciones de la Marvel [...] a partir de Superman (1978) se inicia en el cine una etapa que, en los últimos diez años, ha tenido títulos con superhéroes en el top ten de la taquilla. Desgraciadamente los dos cómics que más me han atraído ya han sido llevados al cine, Tintin y Watchmen, que yo considero una película extraordinaria". Sin complejo alguno afirmó: "Detecto algo en los cómics que me interesa mucho, cierta experimentación, cierto lirismo, que no encuentro en el cine. Tengo la impresión que en la primera adaptación de El Cuervo se quedaron fuera muchos elementos que plasmaban ese lirismo que el cómic de O'Barr desarrollaba de forma visual muy poderosa".

Un tema, citado por ambos directores, fue (es) para mi el más interesante. Si amo los tebeos es, evidentemente, por muchos de sus guionistas y dibujantes, pero, por encima de todo es por sus espacios en blanco, ese mundo maravilloso que son las calles entre viñeta y viñeta. Ese espacio mágico que es propiedad del lector, ese espacio personal que es distinto para cada uno.
"El gran riesgo de adaptar el cómic al cine es que estas sustituyendo la imaginación de cada lector por la tuya y eso da un poquito de miedo", dijo acertadamente Antonio Hernández. No me extraña su miedo.
Sobre este tema Fresnadillo añadió: "en el cómic, a pesar de estar visualizando una historia, la imaginación del lector esta aportando elementos a la historia, cosa que en el cine no sucede, es la máxima concreción, mientras en el cómic todavía hay capacidad de interpretación". Es un tema que me apasiona y me hubiese gustado ahondar en él, pero supongo, estoy seguro, que otros asistentes hubiesen incidido sobre otras cosas de igual o más interés.
En el coloquio final se abordaron temas jugosos como la adaptación de films ya existentes, Watchmen o Sin City, amén de hipotéticas versiones de títulos como Maus; los trabajos vocacionales o por encargo; los efectos especiales de truca o digitales, versión original o doblaje... todo a lo largo de más de media hora, sin prisas... y todo gracias a la ausencia de Garci, hay que agradecérselo.

Sesión I Origen y evolución de cómic
Sesión II Héroes del cómic español
Sesión IV Héroes del cómic internacional

Del tebeo a la novela gráfica II (Javo Rodríguez)

2011-09-22T06:11:00.000-07:00

Nada más entrar en la sala de conferencias una grata sorpresa, tras las sillas de los ponentes podía verse una pantalla en la que previsiblemente iban a proyectarnos, ¡por fin! imágenes... desafortunadamente fue por el remedio que la enfermedad. Luego explicare el porque. Antes quiero aclarar algo que me parece esencial, tengo tendencia a resaltar las macas de lo que me agrada. Un jugoso melocotón, sabroso y bonito pero con un pequeño golpe amoratado, me llevaría a hablar de esa maca que evita que el melocotón sea perfecto. Con esto quiero decir que yo también tengo mis macas y no quisiera dar una falsa impresión de las jornadas Del tebeo a la novela gráfica. Presupongo (erróneamente tal vez) que lo bueno se defiende por si mismo. Las jornadas dirigidas por Martín Casariego y Jesús Moreno son una cita que cualquier aficionado no debería perderse, su organización, su local y sus invitados siempre aportan algo interesante. Que quede esto claro. Si no fuese así dejaría de asistir y comentarlas.
Pero soy insaciable. En el post anterior comente la necesidad de imágenes para ilustrar las charlas. Como he dicho, en esta ocasión las hubo. Una acertada selección de la historieta española, de todo género y épocas, me malicio que obra de Antoni Guiral. Pero esta exhibición tuvo dos problemas. El primero es que las imágenes saltaban a piñón fijo e forma de bucle. De tal forma que, por poner un ejemplo, se podía hablar de Pumby, mientras se proyectaba una página de El Jabato. Entiendo que este formato de proyección no era el apropiado y el propio Guiral llamó la atención sobre ello a un público tal vez demasiado distraído por la proyección. El segundo es de carácter técnico y quizás menor pero soy un poco pejiguero, que le vamos a hacer. La altura de las imágenes fue siempre la misma lo que provocó que los tebeos apaisados se proyectasen acertadamente, no sucedió lo mismo con las revistas de formato vertical que se proyectaron gordos y achatados. ¿Nimiedades? tal vez, pero fácilmente solucionables.

La segunda jornada se desarrolló bajo el epígrafe Héroes del cómic español. Antoni Guiral, Fernando Marías y Paco Roca fueron los invitados, bajo la moderación de Jesús Moreno, quien comentó un pésima noticia: no habrá más entregas de Sinpalabras, una colección única donde conocer a fondo autores, personajes o incluso editoras como Novaro. Una pena.

El barcelonés Antoni Guiral es otro de esos autores con lo que comparto cotidianidad. Ya he escrito varias veces en este blog que Del Tebeo al manga es una obra magna, imprescindible para conocer la historia del cómic y, no menos importante, muy entretenida para leer. Imprescindibles y entretenidos son también sus trabajos sobre Bruguera, sobre todo en el terreno del humor. Cuando los cómics se llamaban tebeos o Los tebeos de nuestra infancia son de obligada consulta. Guiral es un polifacético del cómic, fanzinero, coordinador de Cimoc en Norma, creador de la línea Laberinto, director de Salón de Barcelona en 1994, prologuista y guionista cuya última obra (creo) es 11-M La novela gráfica, donde junto a Pepe Galvez rompe las fronteras de los géneros en el tebeo. Desconozco de donde saca el tiempo pero me produce una malsana envidia.
Guiral comenzó haciendo "trampa", no sólo iba a hablar sobre los héroes en el concepto clásico, sino también sobre los anti-héroes sobre los autores porque "para ser autor en España hay que ser un poquito héroe". En resumen que iba a hablar de lo que le diese gana, como todo buen conferenciante (Guiral lo es) debe hacer. Identificando héroe con personaje señaló acertadamente la llegada de los héroes del cuadernillo de aventuras como hijos del folletín. Referencias a Roberto Alcázar y Pedrín o El Guerrero del Antifaz se unieron a una reivindicación de Cuto, "un héroe básico de nuestra historieta", obra del grandísimo Jesús Blasco y "un símbolo de libertad en un país donde no existía la libertad".

El bilbaíno afincado en Madrid Fernando Marías es novelista, guionista ocasional de cine y editor. Como aficionado al tebeo planteó una apasionada y sentimental crónica que tuvo como protagonista a Víctor Mora, mejor a sus personajes El Capitán Trueno, El Jabato y El Corsario de Hierro. Abogó por el héroe con palabra de honor, "un concepto que tengo aprendido por el Capitán Trueno" y por las mujeres de Mora, Sigrid y una larga y completa lista de las mujeres de El Corsario de Hierro principalmente. Yo eche de menos una referencia a Shankara, la más bella de la mujeres de Mora y novia de El Cosaco Verde, dibujada por Fernando Costa y la que más me ponía, pero esto, evidentemente, es muy personal.

El valenciano Paco Roca pudo quedarse en divertido creador de historietas porno o en colorista para Salvador Larroca en Marvel. Ninguna de las dos cosas estaba mal pero este historietista, ya cuarentón aunque aparenta ser un chaval, quería más, quería contar sus propias historias largas y lo consiguió. Desafortunadamente tuvo que acudir a la vecina Francia para publicar Rides, o lo que es lo mismo Arrugas, un título que le catapultó hasta el éxito y con el que obtuvo el Premio Nacional del Cómic en 2008. Con su estupenda obra El Invierno del dibujante ha confirmado su lugar como uno de los grandes historietistas del siglo XXI.
Roca defendió el concepto de Novela Gráfica y aportó algunas convincentes razones. He escrito más de una vez que la Novela Gráfica es un tebeo gordo (nada original, Jesús Cuadrado dio la misma definición ayer). Pero evidentemente no es igual plantearse un trabajo a corto plazo que una obra más larga. El Capitán Trueno o muchos otros pueden publicarse de seguido, en uno o varios tomos, pero bajo el punto de vista del creador la cosa no es igual. En El invierno del dibujante Paco Roca plantea una conversación entre Víctor Mora y Armonía Rodríguez en la que el primero explica que no sabe como va a solucionar el comienzo del próximo cuadernillo pero que algo se le ocurrirá tras la cena. Obviamente es una forma de creación distinta a la que se produce cuando se ha pensado en una obra cerrada. Por otro lado, Roca explicó las dificultades para "colar" una obra cuyos protagonistas no van a tener continuidad, con todos los ingredientes comerciales que esto supone, y, en este sentido creo que el termino Novela Gráfica sigue abierto al análisis. Roca señaló también la cotidianidad y el Yo del autor como factores validos en la historieta y que han dado obras como Los Profesionales o Paracuellos de Carlos Giménez.

Aclaro que todo lo anterior se corresponde a las primeras intervenciones de los ponentes. No puedo escribir más, entre otras cosas porque tengo que llegar a la tercera jornada y es imposible conseguir más tiempo, pido disculpas por los errores, producto de la inmediatez del blog. Sólo puedo añadir que Guiral aportó acertados datos sobre héroes cómicos como Pumby, "una extraordinaria historieta infantil" y sus queridos anti-héroes de Bruguera "que forman parte del reflejo distorsionado de la post guerra de España", Tribulete, Don Pío, Zipi y Zape o, ya de diferente editora, La familia Ulises y, ya dentro de lo que denominó anti-héroes destroyer, Makoki, Anarcoma, Peter Punk, Torpedo y diversos personajes de El Jueves. Fernando Marías introdujo alguna interesante reflexión tema de la épica en el mundo de los héroes que dio pie a las intervenciones de publico, más dinámicas que el día anterior, y con abundantes preguntas femeninas.
¡Ah!, también ejercí de friky, un tanto talludidito pero friky, y conseguí la firma del cercano y amable Guiral en el último tomo de mi valorada Del tebeo al cómic. También Roca, me firmó El invierno del dibujante, bastante cortado contemple como me dedicaba un preciso dibujo, cortado porque siempre me ha parecido un abuso esto de los dibujos, con la dedicatoria me conformo, pero Roca, igualmente amable y cercano, me dio el regalo. Gracias a ambos.

Sesión I Origen y evolución de cómic
Sesión III El cómic y el cine
Sesión IV Héroes del cómic internacional

Del tebeo a la novela gráfica I (Javo Rodríguez)

2011-09-21T04:47:00.000-07:00

Jesús Cuadrado es un constante referente para mi, muy raro es el día en que no consulto su obra, el Atlas español de la Cultura Popular. De la historieta y su uso 1873-2000 a la cabeza, no sólo en busca de ese dato que no es posible encontrar en otro lado, también recreándome en su particular y rico lenguaje. Es un estudioso que admiro y respeto.

Luis Alberto de Cuenca es un fiky, pero no un friky al uso. Su amor a la cultura popular se adorna con un cierto aire de poeta dandy y con un magnifico y seductor verbo que, junto a una estupenda memoria, le hace apetecible en cualquier tertulia. Su completo bagaje cultural le ha permitido, entre otras cosas, ser Secretario de Estado de Cultura, cargo donde trató borrar las ridículas fronteras entre culturas, otorgando la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes a los historietistas Miguel Quesada (2000), Ibáñez (2001) y Carlos Giménez (2003). Para él también mi admiración y respeto.

Jesús Moreno es editor. Responsable de ese oasis de buen gusto que es el Espacio sins entido. Cabeza visible de la editora homónima donde tienen cabida tanto la historieta como su estudio teórico. La colección Sinpalbras es una fuente imprescindible para el estudioso del cómic. Como los anteriores merece mi respeto y admiración.

¿A que vienen estas pequeñas hagiografías? ¿Cuando llega el palo? No son hagiografías ni procuro dar palo alguno, aunque si escribir un crítica que pretendo constructiva.
Los tres personajes fueron los invitados de la primera jornada del ciclo Del tebeo a la novela gráfica. El cómic y sus relaciones con la literatura o el cine que organiza la Fundación Mapfre y que dirigen Martín Casariego y el citado Jesús Moreno. La primera sesión se desarrolló con el título Origen y evolución de cómic.

Este tipo de eventos presenta un problema para todo ponente: no se sabe a quien van dirigidos. Habitualmente el público, más numeroso de lo habitual en este caso, esta compuesto por un grupo de iniciados (frikys y otros estudiosos); otro grupo integrado por gente que quiere conocer más (bibliotecarios, profesores, libreros...) y, finalmente, otro grupo que no tiene otra cosa mejor que hacer. En mi modesta opinión se puede interesar y apasionar a todos... pero hay que currárselo más. No basta con la indudable sabiduría, la (en ocasiones frágil) memoria y el buen decir de los ponentes.
El salón de la Fundación Mapfre posee todos los elementos técnicos deseables. Las sesiones pueden seguirse a través de su web -www.fundacionmapfre.com- y, según me comunicaros, serán colgadas en la red para quien desee revisarlas.
Traigo esto a colación porque estamos hablando de historieta, de imágenes en secuencia con o sin palabras, y no tiene sentido alguno que con estos medios Yellow Kid o Little Nemo, dos personajes citados, sean sólo palabras. Una imagen de ellos hubiese sido enormemente ilustrativa, yo diría más, imprescindible. Cualquiera de los cientos de ejemplos, fácilmente encontrables en Internet, hubiese bastado.

Ya he dicho que la memoria es en ocasiones frágil, lamento tener que corregir a mi admirado Jesús Cuadrado. Cuando afirma que las dos primera historietas españolas de 1973, según otro maestro, Antonio Martín, se refiere sin duda a Por un coracero de Pellicer y A buen pagador de Cubas. Una imagen de cualquiera de las dos historietas le hubiese recordado que no es acertado afirmar que "ya el bocadillo empieza a integrase dentro de la narración", ninguna de las dos tiene el menor asomo de bocadillo.
Comparto con Cuadrado que en una historia tan poco divulgada como la del tebeo español, son importantes precisiones que suenan nimias, su apasionada defensa del nombre de Editora Valenciana en lugar del popular Editorial Valenciana va en ese camino, pero sea o no cierto que su nombre oficial fuese el primero, lo cierto es que muchos de sus cuadernillos se publicaron bajo el nombre de Editorial Valenciana. Son lapsus que, en mi opinión, tienen que ver con el exceso de confianza en la memoria.
Aunque sea un poco plasta insito que los ponentes son sabios en sus respectivos campos, lo afirmo sin el menor atisbo de ironía, pero también son criticables cuando su rigor no alcanza las cotas necesarias para los que acudimos a disfrutar de su saber.

No quiero acabar el resumen de esta primera jornada sin referirme a las palabras de Jesús Moreno. Acostumbrado al eterno lagrimeo de los editores (no sin razones), su charla y, sobre todo sus datos económicos, fueron un baño de optimismo para todos los amantes del tebeo. Gracias.

Sesión II Héroes del cómic español
Sesión III El cómic y el cine
Sesión IV Héroes del cómic internacional

Gracias Sanchís (Antonio Salvador)

2011-08-25T01:23:00.000-07:00

Ayer por la noche Javo me telefoneó y me comentó que Sanchís había fallecido. Acababa de verlo en las noticias sobre cómics que estaba repasando después de su ausencia, física y mental, por vacaciones. Qué quieren que les diga, la noticia me produjo una mezcla de tristeza y de cabreo, ambas juntas; sensación de mezcolanza a la que creo que tendré que irme acostumbrando si quiero seguir por un tiempo en este mundo, aunque la experiencia de algunos me asegura que dicha sensación, con los años, se transforma en tristeza y resignación. No se que es peor.

Esta misma mañana he buscado noticias de este maravilloso autor. Ha sido la primera vez en mi vida que me he topado con una foto de su rostro -una en su madurez, otra ya anciano- descubriendo que su cara amable portaba gafas y gastaba bigote. Me pregunto por qué nunca me pico la curiosidad de buscar una foto de quien tantos momentos felices me produjo en mi infancia, cuando ahora disponemos de estas maravillosas tecnologías. Quizá trataba de mantener incólume, atemporal, eterno si quieren, la imagen del gato Pumby y su panda, Blanquita y el Profesor Chivete,, dejándolos volar en su globo por encima de mundos de papel, de personajes de roca o de lapiceros mágicos, de personajes arquetípicos buenos y malos, de mundos escondidos detrás de una partitura, de notas musicales saltarinas, de herramientas de carpintería viviendo en un mundo de cajones y virutas…Y todo ello le sucedía a nuestro gatito en una ciudad de nombre amable, Villarrabitos. Un mundo de fantasía que en un reducto de mi cabeza debía mantenerse a toda prueba de la realidad exterior. Finalmente no pudo ser, la realidad es así de tozuda y con el fallecimiento de Sanchís noto que una parte muy querida de mi infancia se me escapa finalmente, como muchas otras antes ya lo hicieron y otras esperan, inexorablemente, su turno.

Sin embargo, espero que un destilado de ese mundo de fantasía permanezca en mí, porque la fantasía va de la mano de la creación y los retos futuros, si no son lo mismo, y su consecución, cuando es amable y respetuosa con los otros, es motivo de felicidad.

Por eso creo que Pumby fue de verdad un gato feliz. Es de verdad un gato feliz. No pude ser de otra manera. Y que Sanchís también lo era cuando ideaba las historias de entornos fantásticos y personajes de ensueño. Se que el disfrutaba con ello, y eso los niños de los sesenta lo notábamos. Gracias Sanchís.

Descansa en paz
Un adulto-niño de los sesenta

Green Lantern, the Hollywood version (Cristian Rodríguez)

2011-08-12T07:25:00.000-07:00

La pelicula de Green Lantern en imagen real ha supuesto una decepción para una gran cantidad de gente en la que yo no me incluyo. No es para nada una gran pelicula, pero me parece bastante mejor que peliculas como la de Los 4 fantasticos, Ghost Rider,....

Realmente mi fanatismo actual por el personaje hace que cualquier cosa que aparezca en pantalla me guste, incluso los momentos lentos de dialogo entre la chica y el chico que para muchos pueden resultar aburridos o lentos yo he disfrutado con ellos (aunque la belleza hipnotizante de la chica, Blake Lively, ayuda mucho claro).

El argumento de la pelicula era mas o menos como me imaginaba, el respeto por el comic es bastante grande, pero hay cosas que cambian. Es normal en una pelicula de superheroes, ya que meter toda la continuidad de los comics en menos de 2 horas puede quedar muy complejo a veces, así que no me parece algo muy criticable.

El nacimiento del villano de la pelicula, Parallax, y también su aspecto es bastante diferente al comic (como se puede ver en la imágenes), cosa que he visto un poco innecesaria, pero que tampoco queda mal.

Yo como en los creditos he visto a Geoff Johns de Supervisor estoy conforme. Eso si, hay que esperarse a que acaben los creditos, ya que viene al final una escena muy interesante y que enlazará con la segunda película, que ya es seguro que se producirá, narrando casi seguro el ascenso de los Siniestro Corps, podria llamarse perfectamente Green Lantern II: Rise of the Siniestro Corps.

En general, a la pelicula le falta un poco de acción, el final también me parece un poco precipitado (la derrota del villano), y el actor Ryan Reynolds como Hal Jordan me ha parecido muy acertado. En un principio no me convencia mucho este actor para la pelicula, pero una vez vista me ha parecido que quedaba muy bien, asi como el actor de Siniestro que borda al personaje. El estudio ya se ha pronunciado sobre el fracaso que ha tenido en taquilla (mas que nada por el gran presupuesto que disponia), y ha dicho que la secuela tendrá mas acción. Y el ver la pelicula en 3D merece mas o menos la pena (está grabada directamente en 3D, no como peliculas como Furia de Titanes que lo pusieron despues y que era una chapuza), aunque tampoco creo que sea mucho mas impactante verla en 3 dimensiones.

Como fan de Green Lantern me he quedado mas o menos satisfecho, pero se que la segunda parte será mejor. Las primeras partes de las peliculas de superheroes, en las que profundizan tanto en los origenes, la gente busca un poco mas de acción, y en mi opinión esto es lo que le ha pasado un poco a esta. Hace falta un poco zambullirse directamente en la acción.

DC Comics reinicia la maquinaria (Cristian Rodríguez)

2011-06-19T01:53:00.000-07:00

Despues de la saga que en unos 6 meses comenzará en España, Flashpoint, guionizada por Geoff Johns y con el principal protagonismo de Flash, DC Comics va a hacer un reboot o reinicio de todos los comics de la casa empezando desde el numero 1 de nuevo. Esto en casos como el de Action Comics es digno de mención, ya que iban por el numero 900 y pico y ahora empieza una nueva etapa. Este relanzamiento de la series no pretende echar por tierra toda la continuidad que se ha ido siguiendo a lo largo de estos 25 años (desde Crisis en tierras infinitas), pero si que dará algún lavado de cara a algunos personajes.

Se ha aprovechado el momento de empezar de nuevo para cerrar una serie de comics que habian dejado de dar dinero como: Doom Patrol, Secert Six, Booster Gold e increiblemente la JSA. La Justice Society of America ha pasado de tener 2 cabeceras a no tener nada.

Las series que comienzan este reboot tienen casi todas nuevos equipos creativos: la JLA de Robinson se acaba, y comienza la JLA de Geoff Johns y Jim Lee, y nada menos que con el equipo original de toda la vida. Esta serie es la que mas entusiasmado me tiene, ya que aparte del guionista y dibujante, está el equipo de JLA que más me gusta (sólo han sustituido al Detective Marciano con Cyborg de los Nuevos Titanes). Comieza Justice League International, el equipo de llos finales de los 80 con Booster Gold a la cabeza y con guiones de Dan Jurgens.

Geoff Johns deja Flash tras 12 numeros (en teoria por desaveniencias con Dan Didio, cosa que dejaré para otro dia) y la nueva serie la guioniza y dibuja Francis Manapul junto con el colorista Brian Buccellato. El final de la etapa de Geoff Johns de Flash para mi ha sido un desastre, ya que ha dejado el personaje despues de haber sembrado todas las semillas para hacer un gran comic. Geoff Johns guioniza ahora Aquaman con los dibujos de Ivan Reis, que ya estuvieron de equipo en Green Lantern y La noche mas oscura.

Firestorm de nuevo consigue su cabecera por cuarta vez en su historia, tras la etapa en La noche mas brillante en una serie guionizada por Ethan Van Sciver y Gail Simone.

Green Lantern continua con Geoff Johns a la cabeza de la serie principal, pero ahora con apoyo de 3 series más de Green Lantern. Se renueva Green Lantern Corps con Peter J. Tomasi a los guiones, Green Lantern: Emerald Warriors pasa a llamarse Green Lantern: New Guardians con guiones de Tony Bedard y la nueva serie estrella es Red Lanterns, escrita por Peter Milligan. En esta la nueva rama violenta de Lanterns hace de las suyas por el universo.

Batman comienza desde el numero 1 con Scott Snyder a la cabeza y Detective Comics con Tony Daniel. Batman es desde luego el personaje de DC con más cabeceras y series relacionadas con el. Se añade Batwing, un nuevo heroe, sigue Batman: The Dark Knight por David Fich y Batman & Robin por Peter J. Tomasi. Batgirl sigue con Gail Simone a la cabeza y Batwoman por J.H. Williams III y W. Haden Blackman.

Tras su periplo como Batman, Dick Grayson, el primer Robin vuelve a enfundarse de nuevo su traje como Nightwing, del que se habia despedido tras ser Batman tras la supuesta muerte de este. Otras series relacionadas con Batman son: Catwoman de Judd Winnick, Birds of Prey de Duane Swiercynski y Red Hood and the Outlaws de Scott Lobdell con el protagonismo de Capucha Roja, es decir, Jason Todd el segundo Robin.

Los Jovenes Titanes comienzan esta nueva etapa con guiones de Scott Lobdell y dibujos de Brett Booth, en los que se puede ver un cambio radical en los uniformes de los personajes.

Algunos miembros de los Jovenes Titanes que consiguen serie propia son: Static Shock por Scott McDaniel y John Rozum, Halcon y Paloma escrita por Sterling Gates (Supergirl) y con dibujos de Rob Liefeld (The Savage Dragon) y Blue Beetle de Tony Bedard.

La legion de Superheroes continua con Paul Levitz a la cabeza, pero con el añadido de la serie Legion Lost con Fabian Niceza a los guiones y Pete Woods a los lápices.

El Universo Top Cow, una rama de DC Comics como puede ser Vertigo acabó para ahora fusionarse en el UDC. Comienzan series como StromWatch de Paul Cornell con heroes como Jack Hawksmoor, Midnighter, Apollo y nada menos que el Detective Marciano.

El heroe de Top Cow, Grifter consigue su propia serie con Nathan Edmonson al guión.

Action Comics se relanza con Grant Morrison a la cabeza y arte de Rags Morales (Crisis de identidad), el que nos dio una serie como All-Star Superman de la que se ha hecho hasta pelicula de animación. Y Superman escrita por George Perez, dejando paso a los lapices de Jesus Merino.

En relación con Superman siguen Superboy de Scott Lobdell y Supergirl de Michael Green y Mike Johnson.

Otros lanzamientos son: Wonder Woman de Brian Azzarello, Capitan Atom de J.T.Krul, Green Arrow también de J.T.Krul, The savage Hawkman de Tony Daniel y Philip Tan a los lápices, Mister Terrific de Eric Wallace (unico miembro de la JSA junto con Hawkman que tienen serie en el nuevo Universo DC), Justice League Dark, la nueva rama de la liga de la justicia donde tiene cabida los heroes relacionados con la magia como: Deadman, Zatanna, Johns Constantine,...

Swamp Thing o la Cosa del Pantano comienza con Scott Snyder de guionista, Animal Man por Jeff Lemire, Deathstroke por Kyle Higgins, Suicide Squad por Adam Glass, O.M.A.C. por Dan Didio y Keith Giffen y DC Comics Presents una serie que como ha pasado recientemente con The Brave and the Bold, es una colección donde tienen cabida historias de personajes del UDC como Deadman, Metal Men, Lobo,...

Esta nueva etapa en DC Comics aún está por empezar, y de momento me ha gustado lo que he visto, aunque algunas series no han salido bien paradas despues del cambio como Flash (que supuestamente iba a tener una serie mas: Speedforce, pero parece que la marcha de Geoff Johns ha dejado otra vez al personaje huerfano), JSA, y además han alterado los uniformes originales de casi todos los personajes, cambiandoles las botas, quitando las faldas a todas las chicas (¿porque?) y en algunos casos como los Teen Titans cambiando radicalmente el aspecto original de los personajes.

...y más de lo mismo (Javo Rodríguez)

2011-06-09T20:05:00.000-07:00

Este post en respuesta a Más de niños.

¡Coño! hacía años que no oía o leía hablar del fallecido Neil Postman y su The disappearance of childhood; y mira que sus teorías sobre la cosa y la imagen me gustaban.
Debía ser en los tiempos finales de la movida madrileña cuando la U.N.E.D. me hizo el honor de publicarme mi primer artículo -Situación del niño ante el teatro- basado en la desaparición de la infancia y en otros compañeros mártires como Bruno Bettelheim (Psicoanálisis de los cuentos de hadas)... pero no es que The Times They are A-Changin', es que ya han mutado.
La imagen no ha ganado la guerra a la palabra, pero hay que admitir que va ganando una batalla tras otra.
Y hablando de palabras (el concepto) ¡vaya palabras (conceptos) he utilizado como símiles en la frase anterior! Pero no hay tal guerra, ni tales batallas. La imagen (la cosa) no es enemiga de la palabra (el concepto), todo lo contrario.
La imagen es amiga de la palabra, como diría Hernández (o Fernández): yo aun diría más, son incestuosos amantes. La palabra es hija de la imagen, pues fue cosa (imagen) antes que concepto (signo), y se ha trasmutado en afectuosa amante gracias al cine y al cómic, meciéndose en magnificas relaciones.
Al mutar y transforman el odio de la guerras en el amor de la colaboración / relación no estoy siendo Zen, sino eligiendo ser integrado, si la única opción que tengo frente a la integración, es ser apocalíptico.
Contemplando como la Historia nos muestra que:
La tradición oral luchó contra la imprenta.
Que privilegiados trataron de denigrar a la prensa porque la podían leer las clases populares.
Que folletín o el pulp o la novela barata (de Tarzán al Coyote, pasando por Los Tres Mosqueteros) han sido juzgados exclusivamente por el medio donde se publicaban y no por sus
valores de todo tipo.

Cómo, producto de lo anterior, surgieron, con la unión de palabra e imagen, el cine y el cómic y, un poco más tarde, colándose en el sacrosanto imperio del hogar, ¡la tv!.
TODOS fueron puestos a parir. Por sólo hablar de las viñetas han gozado de ilustres enemigos de las más variadas especies: De Franco al PC francés, de Fredric Wertham a Neil Postman, de Hitler (o su versión latina: Mussoloni) a Jean-Paul Sartre, de Fraga al juez del Olmo, sin olvidarnos de las efigies de Fidel Castro y compañeros varios de dictadura.
Desde este punto de vista, no tengo nada que objetar, a la cita resumida (bastante) que haces de Postman, cita donde afirma que "vendría a significar que la información actual, más basada en el soporte de la imagen, está menos sujeta a un análisis lógico o de evidencia, lo que la hace menos refutable (y más poderosa, digo yo)".
Estoy en radical desacuerdo con tu aseveración de que "una imagen puede ser valorada emocional o estéticamente pero nunca de la forma en que puede ser analizado, y criticado, un discurso elaborado sobre una idea.". En mi opinión sobre la palabra desesperación, por poner un ejemplo, transmite (una imagen lógica, evidente y refutable) más por El grito de Munch que por el diccionario.
Evidentemente también firmo que : "La imagen parece ser un soporte informativo más primigenio y menos exigente para su receptor".
El tebeo en su concepción estadounidense nació para analfabetos, para emigrantes que no conocían el idioma ingles, pero eso fue en un plantea, muy, muy lejano... y, evidentemente, perdido.
Por eso niego -con cierta indignación- "que al contrario que la información que transmite el lenguaje escrito, que exige del lector determinadas competencias para su adecuada interpretación, lo que conlleva un largo aprendizaje previo".
TODO requiere un aprendizaje, desde convenciones como flash-back o cualquier teclado, del teatro en verso a las pelis subtituladas... y, en relación, a las tendencias de la ciencia, ese aprendizaje no sólo nos es "concedido" por el propio aprendizaje sino que, por el contrario, es, en gran parte, genético, inscrito en nuestro cerebro, heredado de nuestros
antecesores.
De la misma forma intento refutar desde Kioscopedia, día a día (lo dicho ¿o no?, soy un mártir de la causa) que "nada impide por ello asociar la comunicación más gráfica al mundo de los niños y en general al de las personas menos curtidas en el hábito de la lectura (aquí ya no es cuestión de edad -os recuerdo las ya olvidadas fotonovelas gráficas-)".
Me quedó con una sola frase (de le resto, reconozco mi impresión, me resulta difícil casar "niños" con "no es cuestión de edad"): "nada impide por ello asociar la comunicación más gráfica al mundo de los niños"
¡Si!, si lo impide, lo impide la historia, la historia que nos dice que los tebeos -españoles-, hasta poco antes de la muerte de la (gloriosa) dictadura, había tenido como progenitores a las revistas satíricas (política e imagen) y las revistas para niños (política, imagen y pedagogía), lo que ha dado origen a títulos tan diferentes -y, al tiempo, simétricos- como Pulgarcito o El Jueves, títulos a los que es difícil calificar de pertenecientes "al mundo de los niños" y que tiene poco que ver con otros orígenes donde se destinaba a adultos analfabetos.
Afirmas que "también lo gráfico es importante cuando se trata de transmitir emociones, y obviamente la combinación de texto y dibujos que proporciona el cómic es harina de otro costal".
La reducción a "transmitir emociones" es eso, reduccionista, las viñetas de las historietas no se organizan SIEMPRE para lo sentimental. Al igual que tu, con tu profesión, otros profesionales, psicólogos, escenográfos, políticos, pedagogos... saben que los libros de Scott McClud -Haciendo cómics, Para entender el cómic, etc.- ni pretenden, ni tienen nada
que ver con "transmitir emociones" sino conceptos, ideas.
Para finalizar planteas una única pregunta: "la pregunta aquí es si las circunstancias comentadas sobre lo gráfico son razón suficiente para que la información sobre los cómics adolezca de la imprecisión que comentáis".
La respuesta no puede ser más obvia: Kioscopedia... para ser más claro: ¡NO!
La datación es elemental para la historia, aunque sea tan corta (no tan corta, tiene más de un siglo) como la historia de las viñetas y se supone que en eso estamos en Kioscopedia, tu incluido, ¿o no?.

Más de niños (Antonio Salvador)

2011-06-09T13:36:00.000-07:00

Este post sigue el hilo De adultos, niños y otras zarandajas

Estoy leyendo un libro muy interesante (La desaparición de la niñez, de Neil Postman) que, entre otras cuestiones, aborda la evolución de nuestra sociedad como consecuencia del desarrollo de la comunicación eléctrica, a partir de la invención del telégrafo, y de lo que se ha denominado revolución gráfica. La hipótesis básica es que la imagen ha sustituido en gran medida a la expresión lingüística (“la cosa” que representa la imagen ha venido a sustituir al “concepto” que representa la palabra) lo que para el autor supone una regresión cognitiva. Lo anterior –dicho de forma resumidísima- vendría a significar que la información actual, más basada en el soporte de la imagen, está menos sujeta a un análisis lógico o de evidencia, lo que la hace menos refutable (y más poderosa, digo yo). Así, una imagen puede ser valorada emocional o estéticamente pero nunca de la forma en que puede ser analizado, y criticado, un discurso elaborado sobre una idea.
La imagen parece ser un soporte informativo más primigenio y menos exigente para su receptor, al contrario que la información que transmite el lenguaje escrito, que exige del lector determinadas competencias para su adecuada interpretación, lo que conlleva un largo aprendizaje previo. Nada impide por ello asociar la comunicación más gráfica al mundo de los niños y en general al de las personas menos curtidas en el hábito de la lectura (aquí ya no es cuestión de edad -os recuerdo las ya olvidadas fotonovelas gráficas-). Pero también lo gráfico es importante cuando se trata de transmitir emociones, y obviamente la combinación de texto y dibujos que proporciona el cómic es harina de otro costal. La pregunta aquí es si las circunstancias comentadas sobre lo gráfico son razón suficiente para que la información sobre los cómics adolezca de la imprecisión que comentáis.

Ultimate Loeb (Iván Rodríguez)

2011-06-08T10:36:00.000-07:00

Jeph Loeb no se encuentra entre mis guionistas favoritos, pero tengo que reconocer que sus historias casi siempre me entretienen.

Lo cierto es que su Ultimates 3 me gusto muchísimo, y que con Ultimátum lo pase muy bien, y eso que ambas obras han sido bastante criticadas, siempre partiendo de que las series de Mark Millar eran mejores. Vale, Millar sí es uno de mis guionistas favoritos pero Loeb le cogió el relevo de forma más que digna en los Ultimates.

Pues ahora volvemos a tener a ambos autores en series Ultimate. Mientras Millar se dedica a Ultimate Vengadores con su estupendo estilo, Loeb guioniza la miniserie los Nuevos Ultimates con un tono más personal que Ultimates 3 y acompañado por el espectacular Frak Cho con los lápices.

Todo indicaba que Nuevos Ultimates iba a ser una gran obra, y quizá por eso me siento un poco decepcionado tras su lectura, ya que la historia es bastante plana y cuenta más bien poco. Paso de entrar en la crítica fácil diciendo cosas como: es que los Ultimate Vengadores de Millar son mejores. Pero como consumidor compulsivo de toda la línea Ultimate y viendo como Ultimate Spider-Man sigue mejorando número a número o lo interesante que fue Ultimate Thor de Hickman y Pacheco, Nuevos Ultimates se me queda como un producto de segunda. Es posible que mi decepción venga por la idea de que cualquier historia de los Ultimates tiene que resultar apasionante y se ha quedado en un cómic entretenido sin más.

Pese a todo mantengo la confianza en Loeb y tengo ganas de ver su Ultimate X, serie que leeré con menos prejuicios, ya que su predecesora no fue lo más interesante de la primera etapa Ultimate.

Resumiendo: Nuevos Ultimates no es una obra imprescindible, pero entretiene y mantiene parte del tono más adulto que siempre a caracterizado a los Ultimates, y en lo referente al dibujo un poco de lo mismo, Cho dibuja estupendamente (sobre todo las tías) pero no aporta grandes novedades, algo con lo que suelo disfrutar en la línea Ultimate dada la libertad que tienen los autores de crear nuevos diseños.

La primera generación mutante (Iván Rodríguez)

2011-06-08T04:47:00.000-07:00

Fui a ver X-Men Primera Generación (X-Men First Class) con varios prejuicios, no sobre la calidad o lo entretenida que iba a ser, más bien en lo relativo a la intención del film. Estaba casi convencido de que la idea de los creadores era marcar un nuevo punto de partida para la franquicia, y me encontré con una precuela que encaja al cien por cien con las tres (cuatro si contamos con la peli de Lobezno) adaptaciones previas de La Patrulla-X, bueno, si nos ponemos un poco pijoteros encontraremos fallos de continuidad pero no voy a entrar en el debate de diferencias entre cine, cómic y aficionados.

El peso de la historia cae sobre los personajes de Xavier y Magneto, su amistad previa a su eterno enfrentamiento y la búsqueda de los que serían los primeros integrantes de La Patrulla-X (nada que ver con la original de los comics o los viestos en los films previos).

Entre las principales cualidades de la peli tengo que resaltar la parte en la que ambos protagonistas localizan y reclutan a los jóvenes mutantes, con cameo, de los que arrancan una sonrisa, incluido, la dignidad con la que se presentan los viejos uniformes negro y amarillo, y, por supuesto, la fabulosa intervención de Kevin Bacon como Sebastian Shaw (en una versión muy libre y novedosa).

Haciendo un breve repaso a las películas anteriores, tuvimos una presentación de lo más digna con el clásico enfrentamiento entre Xavier (Patrulla-X) y Magneto (Hermandad de Mutantes Diabólicos), una continuación con una nueva visión de “Dios Ama, El Hombre Mata” y, por último, la versión de la saga de Fénix Oscura con Morlocks incluidos. Con el film actual no podemos decir que los guionistas se basasen en un arco argumental determinado, más bien han recogido pedacitos de flash-backs vistos a lo largo de las colecciones mutantes y los han modificado a su gusto para encajarlos como origen de las historias antes mencionadas, con dinamismo y gran capacidad de entretenimiento.

Entre los puntos flacos de la peli tenemos una desafortunada (en algunos casos) elección de secundarios, tanto en personajes, Marea simplemente no mola, y actores, Emma Frost merecía una exhuberancia y sensualidad muy por encima de las posibilidades de January Jones. Pero otros personajes dan mucho juego, el ya mencionado Sebastian Shaw, Mística (y el triángulo / cuadrado amoroso que genera) y Azazel, un personaje tan prescindible en los comics como impresionante en pantalla, ya que nos da una versión malvada y retorcida de nuestro querido Rondador Nocturno.

Y volviendo a los protagonistas, tanto James McAvoy (Xavier) como Michael Fassbender (Magneto) hacen justicia a las versiones que hicieron los grandes Patrick Stewart y Sir Ian McKellen. Destacando que el primero se reconcilia con las adaptaciones comiqueras, ya que fue el protagonista de la infumable, desastrosa, y otros cientos de calificativos despectivos versión de Wanted.

Para terminar, una queja contra el cine en general y la película en particular: hubiese preferido una visión más “Ultimate” o actualizada de la historia, creo que La Segunda Guerra Mundial y La Guerra Fría son los periodos muy interesantes del siglo XX y de la historia de la humanidad, que pueden dar muchísimo juego en cualquier tipo de entretenimiento (cómic, cine, videojuegos, etc.) pero una versión más actual del origen de los personajes basada en otros acontecimientos históricos más recientes daría un toque de originalidad que echo en falta.

Encuestas y tests en Kioscopedia

2011-06-01T05:47:00.000-07:00

Hace poco menos de un mes que hemos abierto una nueva sección en Kioscopedia dedicada a las encuestas y los tests.

En el primer caso queremos saber vuestras opiniones sobre cualquier tema referido al cómic.

En el segundo sólo pretendemos pasar (y que paséis) un rato divertido poniendo a prueba vuestros conocimientos sobre el cómic y la cultura pop en general.

Kioscopedia está abierta a sugerencias y opiniones sobre esta sección.

Expomanga vs Tonterías las justas (Javo Rodríguez)

2011-05-14T04:52:00.000-07:00

Desde la Asociación Española de Amigos del Cómic queremos expresar nuestra indignación y rechazo hacia la lamentable imagen que de Expomanga se ofreció el pasado martes 10 de mayo en el programa “Tonterías las justas”, de Cuatro. En la pieza emitida, una de sus colaboradoras acudía al Salón a reírse abiertamente de los asistentes, robando cómics para comprobar la reacción de los libreros o tachando de «gilipollez» la afición al cosplay de los visitantes.

La AEAC lleva más de una década luchando por convertir Expomanga y Expocómic en eventos que otorguen al Noveno Arte la imagen que le corresponde, sana y con gran valor cultural, por encima de la visión absurda y denigrante que de sus aficionados se tiene por parte de determinados medios de comunicación, afortunadamente muy concretos y escasos. No somos un circo.

La actitud de los presentadores y el equipo de “Tonterías las justas” supone un desprecio hacia nuestro esfuerzo, pero también hacia la labor de libreros, profesionales, instituciones de apoyo, periodistas, patrocinadores, artistas y, lo más importante de todo, hacia las cerca de treinta mil personas que se acercaron a disfrutar de un fin de semana de diversión y celebración de algo que para todos nosotros supone mucho más que un hobby.

Entendemos que la visión que de Expomanga se dio en este programa no responde a ningún ánimo malintencionado por parte de sus responsables, sino a una simple estrategia comercial destinada a asegurar su futuro en la competida parrilla televisiva de sobremesa. No esperamos una disculpa, aunque nosotros queremos ofrecerla a todo el que se haya sentido ofendido. Este comunicado habla por boca de muchos. Y seguiremos creciendo y trabajando.

El equipo de la Asociación Española de Amigos del Cómic

No voy a entrar en polémica sobre el tema, básicamente apoyo el comunicado de arriba, aunque eche de menos un poco más de sentido del humor en la respuesta.

En más de una ocasión he comentado la opinión que me merecen los frikis que acuden a convenciones o salones del cómic, siempre resaltado una de sus características que me parece esencial, NO MOLESTAN A NADIE y jamás ocasionan incidente alguno por más agresiva que pueda ser su cosplay. Son buena gente, en muchas ocasiones más que tímidos, que esperan la oportunidad de lucir los trajes de sus personajes favoritos en un entorno en el que saben que no van a ser agredidos, a sabiendas de que Expomanga, o certámenes similares, son lugares donde la tolerancia sobre el aspecto es algo implícito.

Tonterías las justas es la muestra de una televisión donde la contaminación del griterío es practicada por Florentino Fernández y sus secuaces, una ejemplar televisión realizada por progres desfasados que -como Javier Sarda y Pepe Navarro, su padres fundadores- han entrado bajo la capa de esa político ejemplar que se apellida Berlusconi.
No quiero dar importancia a estos últimos majaderos, no la merecen, pero tampoco quiero dejar de decir que la irrupción de la bazofia en forma de vieja maleducada -¿no es un poco mayorcita para estas gilipolleces?- me molesta profundamente.
Aquí os dejo el gracioso vídeo para que podaís juzgar.

De adultos, niños y otras zarandajas (Javo Rodríguez)

2011-05-06T16:05:00.000-07:00

La literatura lo tiene claro, en prensa o revistas especializadas las informaciones, reseñas o críticas distinguen entre libros (para adultos) y libros para niños (infantil) o jóvenes (juvenil). No sucede lo mismo con el cómic.
De todos es sabido que los cómics, los tebeos, han sido considerados tradicionalmente un medio dirigido al lector infantil y juvenil. A esto se unen varios factores que caracterizan a los lectores de cómics y los diferencian de (casi) todos los lectores de literatura.

En primer lugar el lector de cómics ha sido desde hace mucho más un seguidor de personajes que de autores, algo que esta cambiando pero que todavía sigue funcionando. Este seguimiento provoca que se hable de muchos personajes sin entender a quién van dirigidos. No es posible hablar de un Batman monolítico, aunque sea el mismo personaje, no es lo mismo el Batman inicial que se dirigía a un publico infantil que el Batman de los 60 dirigido al público juvenil, ni mucho menos comparar a cualquiera de los dos anteriores con la pesadillade Batmanen Arkham Asylum. Es Batman, siempre Batman, pero Bob Kane, Carmine Infantino o Grant Morrison, son tres autores completamente distintos, y son los que definen el público al que debería dirigirse la historieta.

En segundo termino el cómic, sobre todo en España está profundamente lastrado por la nostalgia y, de nuevo, por ser considerado un lenguaje infantil, lo que provoca que muchos lectores que abandonaron la lectura de historietas al hacerse adultos señalen entre sus historietistas o personajes favoritos a autores o protagonistas que no se corresponden en absoluto con su edad. Muchas librerías colaboran en esta ceremonia de la confusión colocando, sin ningún tipo de selección ni aviso, historietas que se dirigen a un público completamente diferente en lo que se refiere a su fecha de nacimiento.

En el fondo esto no es más que repetir la idea de que el cómic, la historieta, es un género en lugar de un medio de expresión que se dirige a lectores diferenciados, no sólo por sus intereses sino también por sus edades.
Cierto es que el cómic, como la literatura, posee una serie de títulos que pueden interesar a cualquier edad. Pero Stevenson -en los libros- o Claremont -en la historieta- son excepciones que confirman la regla.
Esta laxitud respecto a nuestro medio es una más de esa ceremonia de la confusión que, como ha señalado Iván en su post sobre Fotogramas y se puede ver en nuestra página de Facebook, es alimentada por la mayoría de la prensa. Por razones que no vienen al caso estoy revisando la serie de documentales Los años del NO-DO y los errores de las informaciones que se refieren a los tebeos son habitualmente erróneas.
No quiero acabar sin entonar un mea culpa, en Kioscopedia también cometemos errores pero puedo asegurar que no son por laxitud respecto al medio, sino por nuestra propia incapacidad, lo lamentamos y ofrecemos, siempre, la posibilidad de rectificación.

Incompetencia de Fotogramas (Iván Rodríguez)

2011-04-29T04:01:00.000-07:00

No voy a repetir lo de que llevo un huevo de tiempo comprando fielmente la revista Fotogramas (Ouch! ya lo he vuelto a hacer) y ya estoy hasta los mismísimos de sus meteduras de pata cuando se tiran el rollo más de lo que deberían con las pelis basadas en comics.

La última a raíz de Thor, la información sobre la peli bien, pero cuando se ponen con el tema de lo que está por venir (léase la peli de los Vengadores) la pifian de mala manera.

El Nick Furia del que ponen el dibujo es el de la línea general de Marvel, mientras que el de las pelis es el Samuel L. Jackson de Brian Hitch para la línea Ultimate.

La parrafada sobre las pelis de Ojo De Halcón y el Hombre Hormiga son solo rumores y la mezclan con Los Vengadores, que es un proyecto que ya está en marcha.

Las imágenes que plantan de la Avispa y del Hombre Hormiga corresponden a nuevas versiones de los personajes y que dificilmente veremos en pantalla, ya que Marvel tirará por la estética clásica o la ultimate para representar a estos personajes.

No pido que se de una información completa sobre los comics en los que se basan las películas, pero sí que no sea errónea. Si no tienes ni pajolera idea de lo que hablas o te informas u omites, pero no te columpias y le tomas el pelo a la gente que, pese a toda la basura de propaganda prosinde que cuelas en tu revista, sigue comprando mes a mes tu producto.

Los uniformes de Lobezno (Iván Rodríguez)

2011-04-28T12:49:00.000-07:00

Creo que esto es lo más friky que se ha escrito en este blog, pero ver en el facebook un post de Julián Clemente en el que enlazaba con una retrospectiva de los uniformes de varios de los mutantes más importantes me dio la idea y puede ser divertido. Además será posible votar tu uniforme favorito del garras en la nueva sección de encuestas.

Empiezo disculpándome (sí, lo hago muchas veces) por los olvidos que pueda tener y porque algunos de los diseños seleccionados no sean uniforme propiamente dicho, sino un dibujo que me parece importante o simplemente me gusta.

El diseño original de Lobezno es de John Romita Sr, pero la primera aparición del personaje fue obra de Herb Trimpe. La diferencia entre ambos es mínima como se puede observar más arriba y su vida corta, ya que en la siguiente aparición el diseño del uniforme sufrió unos ligeros cambios.

En Giant Size X-Men #1 Dave Cockrum elimina los bigotes, aumenta las orejas (lo negro de la máscara) y cambia la salida de las garras. Los cambios son mínimos, pero aceptados y seguidos por los dibujantes que se dedicaron posteriormente al personaje.

John Byrne, en principio, mantuvo intacto el diseño de Cockrum pero a su estilo, dejando esa mítica imagen del mutante con el traje destrozado en las cloacas. Más tarde crearía dos nuevas versiones de Lobezno que para muchos serán los mejores diseños del personaje: el traje marrón, utilizado genialmente por Paul Smith, John Romita Jr y muchos más dibujantes durante años, y la versión futura de Logan para “Días Del Futuro Pasado”,

repetida y homenajeada en varias ocasiones.

El traje marrón duró mucho tiempo, pero hasta que Jim Lee recuperó el amarillo original (bueno,el de Cockrum) hubo dos imágenes de Lobezno muy destacables y una que a mi me gusta personalmente.

John Buscema se hizo cargo de los lápices para la primera serie regular de Lobezno, sorprendiendo a los lectores con un traje negro liso, con cinturón rojo y ¡UN ANTIFAZ! que podría asemejar a la tela de araña de un conocido superhéroe. Diseño flojo suele significar traje efímero, y así sucedió. Curiosamente, la otra imagen creada por Buscema para Lobezno, la de Parche, es una pasada, como se puede ver más abajo.

Una pequeña corrección: estas dos visiones de Lobezno se vieron por primera vez en Marvel Comics Presents, en un arco protagonizado por el personaje y que fueron el preludio de la serie regular.

Marc Silvestri ha dibujado a Lobezno con todos los trajes posibles, a veces con unos pelos desproporcionados y posiblemente tenga una de las mejores visiones del traje marrón. Pero me parece importante lo que explotó este dibujante la imagen de Logan en vaqueros, camiseta y/o cazadora y sombrero yanqui. La imagen elegida es una coña, ya que mi recuerdo pertenecía a los episodios previos a “La Caida De Los Mutantes”, pero ver que mucho tiempo después Silvestri sigue obsesionado con esta versión del personaje es gracioso, aunque se pasase con el estilo Brokeback Mountain.

Jim Lee comenzó con la Patrulla-X a las órdenes de Chris Claremont, para acabar destronando al escritor mediante el “golpe de estado” de los dibujantes en Marvel. Dejando aparte polémicas sobre la escoria producida durante los noventa, hay que destacar el fabuloso dibujo de Lee y sus tres impecables visiones de Lobezno, primero con la actualización del uniforme estándar de los X-Men, continuar con su visión del traje marrón y terminar con su recuperación del traje amarillo con un ligero cambio en el tamaño de las hombreras.

No voy a empezar a despotricar sobre los noventa, la pérdida del adamantium y su recuperación, la sobreexplotación del personaje (algo venía de antes), los errores de continuidad debido a los dibujantes caprichosos y los dos diseños más lamentables para Lobezno.

El Lobezno Salvaje de Adam Kubert y como Muerte (Jinete de Apocalipsis) de Brandon Peterson.

Hay que disculpar a ambos artistas, ya que intentaban, de forma equivocada, recuperar la gloria pasada de los mutantes, y que estos penosos arcos argumentales fueron producto de despropósitos anteriores (ya dejo el tema, lo juro).

Llegan Grant Morrison y Frank Quitely al rescate y con una clara influencia de Matrix y la película X-Men visten a los mutantes de cuero, recuperan el concepto de Escuela de Jóvenes talentos y nos vuelven a hacer disfrutar de los mutantes. Todos los diseños de Quitely son una pasada y los protagonistas comparten uniforme (salvo Emma Frost que tiene que enseñar más carne).

La etapa Morrison es corta, y tras su marcha parece que los mutantes vuelven a los trajes de colorines y a las peleas sin sentido, pero nace Astonishing X-Men de Josh Whedon y John Cassaday, que recupera conceptos clásicos y toma algo de Morrison.

Dos diseños simultáneos para Lobezno (no se cual es anterior), Salvador Larroca y John Cassaday recuperan el traje amarillo con ligeras modificaciones, pero el que queda como uniforme actual del Garras es el de Cassaday con las orejas más pequeñas (recordando el diseño original de Romita Sr).

El último “nuevo” diseño de uniforme para Lobezno es el de Clayton Crain para X-Force, que es una revisión oscura (en negro y gris) del traje marron.

Esto ha sido más largo de lo que pensaba, y seguro que me dejo algo, así que espero críticas.

Green Lantern en carne y hueso y empacho de Geoff Johns en Planeta (Cristian Rodríguez)

2011-04-11T10:12:00.000-07:00

Desde Planeta Agostini nos han venido bombardeando ultimamente con un montón de comics de Geoff Johns, el guionista estrella del momento (y diria que va mucho mas alla del momento) en DC.
Parece que en tiempos de crisis, acudir a las ventas seguras es lo mas apropiado, por lo que Planeta está reeditando la mayoria de comics guionizados por Geoff Johns y publicandolos en tomos.

En espacio de pocos meses se han publicado multitud de tomos de la series de Johns.
La serie de Green Lantern, que ahora mismo es la superventas de DC ha sido reeditada hasta el numero 36 (de 56 que llevan publicados en España) en 3 tomos recopilatorios, uno de ellos se titula Origen Secreto e incluye el arco argumental del mismo nombre que recopila los numeros 29 al 36 de la serie con el origen secreto del personaje.

Por otra parte se ha editado Superman: Origen Secreto, también de Geoff Johns y recopila la miniserie de Johns en la que se da un lavado de cara al origen de Superman, lo que de la mano de Johns siempre es un gustazo.

Despues la aparición de los tomos recopilatorios de Jovenes Titanes de Geoff Johns, en los que se recopila la etapa del autor en el grupo de jovenes heroes, para mi la mejor junto con la de Marv Wolfman. Y para finalizar (de momento) se ha comenzado a recopilar la etapa de Geoff Johns al frente de Superman desde el 2006 al 2008 comenzando con el arco argumental Ultimo hijo, co-guionizada por Richard Donner, el director de la primera pelicula de Superman con Christopher Reeve. Proximamente se recopilará también las aclamadas etapas del autor de Superman como: Superman y La Legion de Superheroes y Brainiac en sendos tomos.

Y para acabar con el empacho de Geoff Johns, Planeta anuncia que sacará en tomos la etapa de Johns al frente de la JSA, que son mas de 100 numeros. Asi que en la actualidad, aparte de los tomos recopilatorios, Johns guioniza la serie de Green Lantern, Flash y co-guioniza El dia mas brillante.

Como fan de Johns me parece estupendo que saquen tanto material de el, pero los empachos tampoco son buenos, pero bueno, el dinero es el dinero.

Por otra parte, la pelicula de Green Lantern en imagen real ya está mas cerca (en Junio de este año) y los trailers vistos hasta el momento dejan muy buen sabor de boca. Parece que la ambientación y los personajes están muy conseguidos. Ahora falta la historia y dirección que es lo mas importante.
La pelicula viene acompañada de un videojuego que profundiza en la historia de la pelicula pero que no repite lo mismo, con el ascenso de los Manhunters, los cyborgs creados por los Guardianes antes que los Green Lantern. Tambien el estreno de la nueva pelicula de animación despues de Green Lantern: First flight (2009) , Green Lantern: Emerald Knights (2011). La gente que la ha vista la pone como la mejor pelicula de animación de DC hasta el momento. Y esto no es todo: para el año que viene se está creando una serie de animación de Green Lantern: The series, que será en CGI. Asi que si la película responde bien el auge del personaje será mas alto de lo que es ahora si cabe. La verdad que el personaje de Green Lantern nunca fue ninguno de mis preferidos (de hecho, no me gustaba), en las historietas que habia leido el rayo del Green Lantern era inutil contra el color amarillo, esto provocaba que todos los villanos fueran de amarillo, lo que me parecia un aburrimiento. Menos mal, que esto ya no es así. Con la llegada de Geoff Johns esto se ha subsanado y ahora es un comic de verdad, completamente recomendable.

Más mutantes, más Vengadores y más Ellis (Iván Rodríguez)

2011-03-07T09:48:00.000-08:00

Ya está en las tiendas el número 0 de la nueva colección mutante: X-Men, sí, otra vez, vamos a tener un X-Men número 1 (el del mes que viene, ya he dicho que este es el 0, correspondiente al one-shot yanqui de presentación).

Voy a repasar brevemente los nombres de las colecciones mutantes, ya que alguien podría perderse:

En 1963 aparece The X-Men, que en su número 142 (de 1981) cambió oficialmente a The Uncanny X-Men, nombre que conserva (voy a pasar del tema de lo que pone en portada y tal, que para eso ya está perfectamente explicado en las fichas correspondientes de Kioscopedia). Hay que señalar que esta colección no ha sufrido cancelaciones, ni ha sido renumerada (omitiendo la época de las recopilaciones y breve cancelación previa al mítico Giant Size #1), lo que se puede considerar un logro para una

colección Marvel. Su nombre en español siempre ha sido La Patrulla-X.

En 1991 los mutantes estaban de moda y hacían falta más colecciones, así que el grupo principal se dividió en dos equipos. De esta forma nació X-Men, sin el “The”. La serie recién nacida arrasó de tal forma que se convirtió en la principal colección mutante. En 2001 llego Grant Morrison (benditos británicos), y, además de dar un nuevo enfoque y recuperar la calidad de los guiones, le cambió el nombre por New X-Men. Morrison se piró y la serie volvió a ser X-Men (2004). Pero había que seguir con los cambios de nombre, y desde 2008 hasta la actualidad la serie se llama X-Men Legacy. Los nombres en español han sido: X-Men, Nuevos X-Men, X-Men y X-Men legado.

Recopilando: teníamos The Uncanny X-Men y X-Men Legacy como series madre y ahora se suma X-Men (me niego a decir lo de volumen 4 yanqui o volumen 2 en la edición de Panini porque me pierd

o con el tema).

Con guión de Victor Gischler y dibujo de Giuseppe Camuncoli (para el one-shot de presentación, ya que será Paco Medina el encargado de los lápices en la serie regular para el primer arco y posteriormente Chris Bachalo), los X-Men, o, mejor dicho, la patrulla se enfrentarán a un viejo enemigo: los vampiros, personajes que apenas han sido explotados en las series mutantes, pero todos recordamos ese maravilloso especial obra de Claremont y Sienkiewicz, en el que la patrulla se enfrentaba a Drácula.

Pues tres series principales y una infinidad de spin-offs, entre las que siempre destaca Astonishing X-Men (aun podemos disfrutar de los guiones de Warren Ellis en esta serie). ¿Saldrán los mutantes del pozo negro creativo en el que se sumergieron durante los noventa y del que, pese a Morrison y Whedon, no han salido hasta la actualidad?

La nueva colección pinta bien, pero ya veremos.

La otra rama fuerte de Marvel (posiblemente la principal, gracias a los grandes crossovers) es la de los Vengadores. El mes pasado comenté la recuperación de viejas cabeceras y la creación de nuevos títulos, mencionando de pasada la recuperación de Los Nuevos Vengadores, estrenada este mes.

Tengo poco que decir, con Bendis dirigiendo el cotarro voy a necesitar unos cuantos números para ver como evolucionan los arcos y los inevitables cruces.

Ahora le toca el turno una curiosidad editada por Glénat. Vamos a vivir, en un plazo más breve de lo que creemos y/o queremos, un cambió radical al cómic digital (no voy a entrar al tema, porque es lo suficientemente interesante como para dedicarle un apartado más cuidado), pero ya hace tiempo que los lectores siguen series en la web. Así nació FreakAngels de Warren Ellis y Paul Duffield, en 2008 pasó a papel de la mano de Avatar, y la serie continúa en la actualidad.

Warren Ellis es un grandísimo escritor y un visionario, a veces la caga (habrá un huevo de gente que no coincida con esta opinión) como hemos podido ver en Blackgass, Black Summer, Doktor Sleepless o algunas colaboraciones alimenticias para Marvel. Pero el creador de Transmetropolitan, The Authority, Planetary, Sendero Tortuoso (novela) y un largo etcétera es un genio.

Pues FreakAngels es otra joya del británico, jóvenes con poderes (que no superhéroes) en un mundo postapocalíptico. Violencia, mala leche y chulería habitual en los guiones de Ellis, pero con un refrescante tono juvenil. Habrá división de opiniones, seguro, pero yo ya la he incluido en mi carpeta personal de Nexus 4.

Bueno, pues un buen mes para los que aun tienen esperanzas con los mutantes, para los fieles seguidores de Bendis y los Vengadores (sin olvidarse de que Brubaker es el encargado de Vengadores Secretos) y para los admiradores de Ellis que quieran algo menos heroico.

Con Emilio Gonzalo (Javo Rodríguez)

2011-03-01T03:04:00.000-08:00

Emilio Gonzalo fue uno de los primeros en conocer el proyecto de Kioscopedia, creo que en este mismo despacho donde me recibe, probablemente el despacho profesional más atípico que he visto, sus estanterías y sillas están repletas de cómics de todo tipo que contrastan con su seria profesión de asesor fiscal.
Emilio nació en 1962...

Emilio- ...el 22 de octubre de 1962.

Javo- Coño, casi con el primer disco de los Beatles...

Emilio- Casi... y casi cuando nació Spiderman -me corta Emilio y comienza a enrollarse. Y es que a Emilio no hay más que lanzarle un pequeño hilo para que inicie una disertación sobre su pasión: los tebeos. Alguien dijo que el entusiasmo es la fuerza más poderosa que existe y entusiasmo le sobra.

Emilio- Yo soy un tío muy feliz. ¡¡??. Que extraña suena esa frase en tiempos que tratan de pintarnos de negro y donde la queja se ha establecido como norma.

Acaba de regresar de París y me cuenta entusiasmado la vida de las librerías de cómics que ha visitado. De ahí surge nuestro pasado, el corte de la guerra civil y la dictadura que tanto retaso produjo, pero pronto llegamos al presente.

DISTRIBUCIÓN

Emilio- Uno de los problemas más graves es lo que esta cambiando el mundo editorial y creo que en España estamos un poco despistados. La figura del libero esta tendiendo a desparecer, se van a quedar las librerías especializadas -material antiguo, publicaciones de gran calidad...- pero el futuro esta en lo digital.

Le comento las dificultades para encontrar muchas ediciones en las librerías, en concreto Café Budapest -lo leí en una Biblioteca Municipal- y me fue casi imposible encontrarlo en una librería madrileña.

Emilio- La famosa charla que repite Carlos Giménez sobre lo que perdimos cuando nos fuimos de los kioscos tiene gran parte de razón. Las revistas las consumíamos todos, a muerte, Cimoc, Zona 84, Creepy... y los álbumes que nos interesaban también los comprábamos. Yo creo que si ahora hubiese revistas, probablemente, las compraríamos todos. Nos hemos acostumbrado al tema del álbum, pero te tienes que gastar la pasta, sin saber muy bien lo que compras. Con la revista podías leer parte de una serie y saber si te interesaba comparte el álbum. Uno de los problemas que tienen nuestras librerías es la falta de fondo editorial y, en muchas ocasiones, cuando vas buscando algo de fondo editorial no hay manera de encontradlo. Pero no es problema sólo de las librerías, si recurres a la propia editorial, muchas veces tampoco lo tienen.

Javo- Si quieres leer cualquier cómic que tenga más de 5 años, o te lo bajas "pirata" o no lo puedes leer.

Emilio- Todos los tebeos de los años, 30, 40 y 50, no los voy a poder tener y, probablemente tampoco me interesa poseerlos físicamente, los quiero como obras de consulta o para deleitarme en algún momento puntual, pero si hubiese alguna posibilidad de que alguien scanease correctamente, con una retribución justa para editores, autores... yo creo que todos estaríamos dispuestos a pagar, yo estoy totalmente en contra del pirateo salvaje, pero hace falta una retribución justa. A los chavales jóvenes, un tebeo en papel cada vez les queda más lejano y si además se lo ponemos caro ya no tiene sentido. Hay que cambiar, no se hacen trailer digitales y cosas así son básicas. Sería una gran idea crear un "canal-cómic" en que las editoriales presentasen sus novedades, pero por el momento no están por la labor. El papel no morirá pero al final todo el mundo tendrá un I-Pad o cualquier otro soporte. En el mundo del cómic parece que estamos sentados en una poltrona y no nos queremos mover.

EXPOCOMIC

Desde 2003, Emilio Gonzalo es el responsable de Expocomic, el salón madrileño que ya ha celebrado su decimotercera edición.

Emilio- Nadie sabe que ocurrirá con los salones cuando el papel comience a desaparecer. ¿Tendrá sentido que exista un salón, cuando ese salón sea virtual? ¿Cuando toda la oferta de cómics esté en Internet que sentido tendrá un salón? Probablemente le hayamos quitado la carga comercial, algo que me desagrada un poco y me preocupa. Siempre he pensado que el sentido de un salón es el encuentro de creadores y lectores. Los autores no son dioses tras una mesa y necesitan conocer a sus lectores. También que los autores se conozcan entre si, al fin y al cabo son una especia de ermitaños con problemas de muñeca o cervicales...

Javo- Nos acercaríamos más al concepto de convención, muy poco trabajado en España, que al de salón.

Emilio- Efectivamente, toda esa carga de 50 stands mostrando la misma novedad, probablemente desaparecerían. Serían las empresas de Internet la que tendría sus stands.

Javo- Habéis celebrado la XIII edición de Expocomic, no habéis sido supersticiosos...

Emilio- La doce más uno...

Javo- Bueno, un poco, pero os habéis atrevido a cambiar de sede, a hacer una oferta en el precio de la entrada y tu mismo te has mostrado muy satisfecho. Pero ¿cual sería la característica de Expocomic que te hiciera decir: tengo que acudir porque voy a encontrar algo que no hay en otros salones?

Emilio- Tal vez nos diferencia un poco el buen rollo que intentamos crear entre los autores y el público, no se si en otros salones lo consiguen, pero en Expocomic autores y lectores están muy contentos con la relación que tienen durante el salón, hablan mucho y se sienten muy arropados. Cuando terminamos Expocomic los autores se sienten contentos. Que los autores se sientan mis amigos, nos llamemos en Navidades y esas cosas me satisface mucho y pienso seguir peleando por el salón, a pesar de factores negativos, crisis, poco apoyo institucional y hasta las pequeñas refriegas que hay dentro del mundo del cómic. Pero tenemos que ir no tanto hacia nuevos espacio, sino a incluir cosas diferentes.

ASOCIACION

Desde la entrada de Emilio en la dirección de Expocomic, el salón ha sido oficialmente organizado por la Asociación de Amigos del Cómic.

Javo- ¿A quién esta abierta la asociación?

Emilio- A todo aquel que quiera participar. No pedimos nada.

Javo- ¿No ay cuotas ni...?

Emilio- Intentamos juntarnos gente a la que nos gustan los tebeos. Yo soy muy enemigo de las prohibiciones. Somos un grupo de gente, el que pueda aportar algo lo aporta... de hecho hay mucha gente que son amigos y que consideramos parte de la asociación y que ni siquiera están inscritos, las listas de asociados no están al día, tenemos una base de datos que es un poco caótica, pero no hace falta carné.

EXPOMANGA Y MANGAS

Javo- La Asociaron de Amigos del Cómic es también la responsable de Expomanga que tu diriges y que tendrá lugar a primeros de mayo en su próxima edición

Emilio- Efectivamente, en la sede nueva, pero en la planta baja sólo. El manga esta arrasando a pesar de que ahora esta un poco en baja, es un público muy joven, que depende mucho de sus padres y la crisis se nota.
Una publicación manga tocho, de estas que parecen una guía de teléfonos, en un papel horriblemente malo, con una reproducción honroso, tiene una tirada de 400.000 / 500.00 ejemplares, la edición de lujo 2.000 / 5.000 ejemplares. Lo que sucede aquí tiene poco que ver, pero hay unos lectores superactivos, aunque las editoras no se hayan enterado que una gran parte de ese cómic japonés son potenciales lectores de cualquier otro tipo de cómics.

Javo- El otro día te escuche que te calificabas como pijamero, otaku y gafapasta.

Emilio- Es absurda la lucha que se esta empezando a crear entre otakus y lectores de otro tipo. Yo soy pijamero, otaku y gafaspasta, aunque mi lectura habitual, por edad, es la crítica social, el cómic franco belga o lo que llama la novela gráfica, sin dejar algunas lecturas de superhéroes o manga, donde se siguen encontrando pequeñas joyitas. Si te gusta el cómic hay que leer de todo. Aunque el ritmo y la manera de contar en el manga es muy especial, a mi me costo mucho al principio, hay que analizar un poco más su mundo, aún así yo me quedaría con el cómic español y franco belga.
Muchos autores españoles son reconocidos en todo el mundo, siempre cito el caso de Carlos Pacheco, muy amigo mío y beneficiario de Internet, mucha gente me pregunta de su vida en Nueva York, pero el vive en Cádiz, trabajando para el mercado estadounidense sin que le moleste para nada y es aclamado sin abandonar su personalidad andaluza.

Se quedan muchos temas en el tintero -criterios para las exposiciones, precio de las entradas, ayudas institucionales, stands de la editoras...-, pero es la hora de dejar tranquilo a Emilio.
No quiere enrollarse sobre sus trabajos teóricos -eso lo dejó para los que saben, como tu- pero de cómics, de tebeos, sabe quien lee cómics y tebeos... y de eso, Emilio Gonzalo sabe mucho, muchísimo; no hay más que leer su artículo sobre Frankenstein en los cómics o la curiosidad que me muestra antes de marcharme y donde se refleja el "fusilamiento/plagio" de Mort Cinder en las páginas de una antaña revista española.

El dia mas brillante deja paso a Flashpoint (Cristian Rodríguez)

2011-02-17T10:30:00.000-08:00

Despues de La noche mas oscura, la saga en la que Geoff Johns arrasaba con todos los muertos vivientes de los heroes del universo DC, nos ha dejado paso a El dia mas brillante. Como su nombre indica es la propia continuación del lema de Green Lantern: En el dia mas brillante, en la noche mas oscura, ningun mal escapara a nuestra vigia, que los que adoran al mal teman nuestro poder, la luz de Green Lantern.

Tras el final de La noche mas oscura, han resucitado una serie de heroes que llevaban muertos, unos un largo tiempo como el Firestorm original Ronnie Raymond u otros como el Detective Marciano que llevaba poco tiempo muerto (desde Crisis Final). Esta serie de renacimientos puede parecer un cachondeo en DC porque en los ultimos tiempos ha muerto y resucitado casi la mayoria de heroes y villanos, pero Geoff Johns nos ha dado una explicación argumental para todo esto, y la promesa de que esto va a cambiar a partir de ahora, asi que vamos a tomarle la palabra.

De momento la serie está muy interesante, esta vez con los guiones de Geoff Johns y Peter J. Tomasi (Green Lantern Corps) y no sólo de Johns como en La noche mas oscura. El guionista Peter J. Tomasi me está sorprendiendo al igual que lo hace siempre el sr. Geoff, con los guiones para Green Lantern Corps. El dia mas brillante se centra en el motivo oculto por el cual han resucitado 12 heroes y villanos, que de momento (al menos en España) no se sabe. Siendo fan de heroes como el Detective Marciano, Firestorm o el villano Profesor Zoom de Flash la serie me está siendo muy interesante, mucho mas que la serie 52, que aunque esta era semanal (52), El dia mas brillante es bimensual, pero los personajes de esta (Detective Marciano, Green Lantern, Aquaman, Deadman, Firestorm, Profesor Zoom, Hawkman,...) me parecen mas atractivos que los de 52 (The Question, Starfire, Animal Man, Booster Gold, Black Adam,...)

El dia mas brillante (Brightest Day en USA) sigue saliendo ahora en USA y su fin está cerca para dar paso a la nueva saga que moverá todo el universo DC: Flashpoint.

Flashpoint pone en la cabecera de todo DC a mi superheroe favorito: Flash. Con las sagas de La noche mas oscura y El dia mas brillante finalizadas, Geoff Johns ha orquestado una saga que remueve todo el universo DC de manera que parece que alguien ha alterado el pasado para hacer que muchos heroes no existan o variar totalmente la historia. De antemano puede parecer un Elseworlds (una historia independiente que no tiene que ver con la cronologia actual del personaje y que suele alterar todo tipo de acontecimientos y/o origenes) pero como lo escribe Geoff Johns estoy seguro que será mucho mas. Todavia no me ha decepcionado Geoff Johns, todo lo contrario, no para de sorprenderme en cada comic. Tengo la gran suerte de que mi autor favorito de comics (junto con Frank Miller) tenga como superheroe favorito al mio: Flash.

Las intenciones de Johns son poner a Flash en un lugar tan alto como lo está ahora mismo Green Lantern, si es así puedo decir que podré morir tranquilo despues de esto.

En Mayo del 2011 saldrá el numero 0 de Flashpoint para salir luego el numero 1 en Julio. Aparte de la serie principal se publicarán una serie de especiales como ha pasado con La noche mas oscura centrados en los heroes y villanos. Todavia es muy pronto para hablar de Flashpoint, pero espero que ponga a Flash en un lugar muy importante dentro de DC.

Y luego vendran las peliculas de Green Lantern (2011) y de Flash (2012), asi que aun nos quedan anillos verdes y con un rayo para rato.

De ficciones, ideologías y violencias (Javo Rodríguez)

2011-02-16T04:18:00.000-08:00

Para la Real Academia Española, “ficción” es en su tercera acepción clase de obras literarias o cinematográficas, generalmente narrativas, que tratan de sucesos y personajes imaginarios.
En mi modesta opinión, la definición se queda corta.
Obviamente la ficción se da en obras literarias o cinematográficas, pero también en otros casos, por ejemplo el cómic o los videojuegos.
La parte final también me parece objetable, es indudable que la ficción trata de sucesos imaginarios, no tanto de personajes, de hecho la ficción se basa, en muchas ocasiones, en personajes reales pero introducidos en sucesos imaginarios o viceversa, de personajes ficticios en sucesos reales.

La ficción siempre comienza por una pregunta. ¿Y si...?

Esta pregunta puede ser de alta cotidianeidad, por ejemplo, ¿y si un empleado de banca se enamorase de una mujer casada?, una ficción que puede ser posible, es decir que puede ser o suceder (DRAE)
Pero la ficción también puede ser de baja o nula cotidianidad o, lo que es lo mismo, de alta fantasía, definida fantasía como grado superior de la imaginación; la imaginación en cuanto inventa o produce (DRAE), por ejemplo: ¿Y si un extraterrestre llegase a la tierra y tuviese súper poderes?
Entre ambos extremos existe un campo amplísimo, pero siempre en terreno de la ficción.

Como dije antes la ficción no siempre ha de tratar de sucesos y personajes imaginarios. Los personajes pueden ser reales pero inmersos en sucesos imaginarios. Julio César fue real, pero el Julio César de Shakespeare es una ficción; Hitler fue real, pero el puñetazo del Capitán América es ficción; Barak Obama es real, pero su encuentro con Spider-man es ficción y, así, en multitud de ocasiones. Del mismo modo, la III Guerra Mundial fue real pero las historietas de Hazañas Bélicas son ficción; la proclamación del estado de Israel fue real, pero Café Budapest es ficción.

Todo lo anterior podría ser una paja mental, pero existe una singular analogía entre los grados de ficción y el predicamento cultural.
La zona cercana a lo cotidiano, la que relata acontecimientos basados en lo ordinario, lo común, regular y que sucede habitualmente (DRAE) suele disfrutar de un mayor prestigio.
En cuanto nos vamos acercando a lo insólito, lo raro, extraño, desacostumbrado (DRAE), el prestigio disminuye; no me refiero sólo a los sucesos, también a su escenario. Una ficción enmarcada en París tiene más categoría que otra situada en una jungla africana o en la nave de unos astronautas.
Si la obra de ficción pertenece a la fantasía, a la alta fantasía, es bastante improbable que merezca el respeto de la crítica, a no ser que esta crítica considere que la fantasía es una alegoría, ficción en virtud de la cual algo representa o significa otra cosa diferente (DRAE)

De este modo, la vacua 2001, una odisea del espacio, por su carácter de alegoría, será siempre (para la crítica) una película de más alta estima que El Planeta de los Simios y en cualquier “listado serio” sobre el cine de 1968, el muermo (cosa tediosa y aburrida. DRAE) de Stanley Kubrick estará siempre entre las obras maestras, mientras que la fantástica película de Franklin J. Schaffner no será más que una obra menor.

De forma idéntica sucede con los géneros. Una novela es más respetable que un guión cinematográfico, este lo es más que un guión de cómic, este lo es más que un guión de video-juego..,. y, así, hasta el absurdo final.
Un descabellado criterio que no prima la excelencia de la narración, de la ficción, sino el prestigio del medio o el género en que se incluye esta.

Para mi la ficción es una amiga y como a cualquiera de mis amigos, les quiero porque me gustan, independientemente de su ideología. ¿O es que sólo se pueden tener amigos que piensen como tu? Vaya idiotez y aburrimiento.
A la ficción la amo porque me gusta, sin molestas interferencias censoras que pretenden "aclararme", que The Punisher, por poner un ejemplo, es fascistoide porque se sitúa "por encima de la Ley” ignorando que no solamente los personajes de los mundos de superhéroes sino TODOS los héroes de ficción están por encima de las leyes del Derecho y –en ocasiones- de la las leyes físicas.
Ahí reside su encanto, los héroes no dejan de ser justicieros y vengadores que se permiten saltarse las leyes –insisto, morales y físicas- para satisfacernos dando una buena paliza a los malos, del simpático y progresista Capitán Trueno al antipático y vengativo Punisher.
Sólo los bobos de solemnidad confunden ficción y realidad. Sólo un gilipollas integral puede afirmar que si disfrutas con los héroes que se saltan las leyes gozaras con policías o vengadores que se sitúen por encima de las leyes en el mundo real.
Este tipo de memos practica sus censuras bajo el manto de diferentes religiones. cristianismo, islamismo, judaísmo, marxismo, psicologismo, feminismo, o protección a la infancia son los paraguas (algunos) sobre los que censores de todo pelo han tratado y tratan de censurar la ficción.
Es curioso como Batman y Superman (sirvan como ejemplo los dos iconos de DC) han tratado de ser censurados, algo que en algunas ocasiones se ha conseguido, desde distintos campos ideológicos.
En USA, el psicólogo Fredric Wertham trató de acabar con los cómics al considerarlos responsables de la supuesta delincuencia juvenil y de nefastas influencias sobre la moral de los jóvenes ya que ¡Batman y Robín eran una clara pareja de homosexuales!. En España, Fraga prohibió a Batman y Superman ¡para que los jóvenes no los confundiesen con los ángeles!, por lo visto los únicos seres capaces de sus proezas. En Francia el Partido Comunista, apoyado por Jean Paul Sartre, quiso prohibir a los superhéroes como representantes de la nefasta política de los USA. Lo mismo hicieron en su momento Mussolini o Fidel Castro. Hace menos de dos años que una progre e indocumentada artista publicaba en el diario Público que [el superhéroe] “encarna la búsqueda permanente de coherencia, lo cual le convierte en un estúpido o en un fascista”. (¡?).
La sarta de tonterías y simplezas sería interminable aunque siempre con una coartada basada en que, como mentes preclaras, asumen el derecho, eso si, por nuestro propio bien, de decirnos que podemos o no podemos leer o ver, con que ficción debemos o no disfrutar. ¡Que les den!
El franquismo pretendió, como todas las dictaduras pretenden, imponer su moral –sexual, religiosa, política- como el factor fundamental de la ficción, si sale una teta, un cura pederasta o un ministro corrupto la ficción es mala y ha de ser negada a los ciudadanos. Ahora la censura es más sutil, si se traspasa el límite (cada vez más estrecho) de lo políticamente correcto (no ya sólo en los terrenos anteriores sino añadiendo la salud, la ecología, el feminismo, etc.) hay que censurar a la ficción. ¡Que les den!.

¿Estoy negando con esto que la ficción rezume ideología? Por supuesto que no. De El Guerrero del Antifaz a Paracuellos, de Superman al Mediador, los cómics están cargados de ideologías muy diferentes, como todas las ficciones ¿y qué?. Ya somos mayorcitos para saber de que pie cojean Manuel Gago, Jerry Siegel, Carlos Giménez o Joe Sacco y sus historietas y para saber que son casos muy diferentes de historietistas. Gago fue un hombre sin un gran bagaje cultural, hijo de perdedores de la guerra civil, en el asfixiante ambiente de los años 40 en España, muy influido por el folletín y de ideas más bien conservadoras, pero ¿vamos a negar por eso que fue un gran historietista?. No voy a entrar en las curiosas y bien conocidas connotaciones judías de Jerry Siegel y su Superman, creo que en este caso, el personaje es más importante que su creador porque, como también es sabido, en la industria del comic-book estadounidense los personajes son franquicias y la ideología de Siegel no es la misma que la de Mark Millar, pero Superman es uno de los grandes personajes del cómic. Carlos Giménez y Joe Sacco son un caso diferente, sus creaciones suelen tener un definido contexto político y social que las aleja de la fantasía pura, pero sus ficciones son excelentes, por encima de su ideología.
No niego las ideologías, no soy un pasota, tengo la mía que no viene al caso, pero si niego que la ideología sea el factor determinante para juzgar una ficción. No le negamos valor a Metropolis por estar escrita por una guionista tendente al nazismo, como no le negamos valor a Tiempos Modernos por estar creada por un autor tendente al progresismo. Ambas son obras maestras de la ficción de su tiempo.

Dejando de lado el (pesado) debate de las ideologías, alguno de mis amigos se ha extrañado en más de una ocasión de mi afición por los cómics (algunos) que están cargados de violencia o gore. La respuesta es siempre la misma: a ver si os enteráis de que ¡es ficción!, y en la ficción, la violencia, lo brutal, lo políticamente incorrecto, es excitante para la mente, humaniza.
Del Titus Andronico de Shakespeare, pasando por el Marques de Sade y terminado en Ranxerox o La Broma Asesina, por poner algunos ejemplos, la violencia se ha erigido como catarsis para muchos lectores que, desde luego no son (somos) sicópatas.
Sólo los memos de tomo y lomo pueden pensar que si te gusta la violencia en la ficción eres partidario de la dialéctica de los puños y las pistolas en el mundo real.
Es al reflejo del mundo real en la violencia al que tengo miedo. Me asustan la Gestapo, Guantánamo, las multitudes histéricas y manipuladas, la razón de Estado, la Semana Santa, los discursos de Mahmud Ahmadineyad... muchas cosas del pasado y del presente, pero la ¿¡la ficción!?
En alguna de las ediciones del salón del Cómic de Granada, las "autoridades" trataron de impedir la "violencia y las armas" de los asistentes. Por asistentes se referían los otakus y sus katanas de cartón y papel de plata o a cualquier otro friky portador de armas. ¿Violentos?, por favor, si constituyen el grupo más pacifico de jóvenes que te puedes encontrar. Si las autoridades quieren ver jóvenes violentos que observen el comportamiento de los piquetes informativos o de los grupos nacionalistas y de ultraderecha en fútbol.

Renumeraciones lógicas (no todas) (Iván Rodríguez)

2011-02-11T11:36:00.000-08:00

Que los números uno venden es un hecho comprobado (y sobre explotado) innegable, y Marvel lleva décadas mamando de esa teta. En ocasiones los lectores se han cansado e incluso le han dado la espalda a la editorial.

Actualmente la política de Marvel consiste en retomar las numeraciones de las primeras cabeceras, de esta forma han visto la luz el número 500 de la colección original de los Vengadores o el 600 del Capi.

Conclusión: los números redondos también tienen tirón.

Pues nada, ahora llega el tocapelotas de Bendis (con todos mis respetos) y Marvel saca el número uno de los Vengadores. Hablo por ahora de numeración yanqui, a la española le daré un repaso más tarde.

Bendis estuvo en el jaleo de volver a la numeración original de los Vengadores ¡PARA CANCELAR LA SERIE TRAS CUATRO PUÑETERAS ENTREGAS!

El resultado: comenzar una de las mejores y más vendidas series de todos los tiempos, Nuevos Vengadores.

Nuevos Vengadores ha sido la piedra angular del complejo arco que comenzó en 2004

con Desunidos y que finaliza con Asedio, pasando por las ya míticas Dinastía de M y Civil War (me perdonáis los cambios español / inglés, escribo como hablo).

Ahora Bendis nos cuenta que ha comenzado una nueva era y esto exige números uno. Hasta aquí completamente de acuerdo, pero ¿qué pasará cuando esta nueva colección de los Vengadores lleve noventaypico números? ¿retomará Marvel el 600?

Más cosas, se cancelan Poderosos y Oscuros Vengadores, pero tenemos Secretos y ¡NUEVOS! Aquí comienza la tocada de pelotas, se cancela una serie para a los dos meses retomarla con un nuevo número uno y “un nuevo planteamiento”.

Bueno, para los lectores españoles esto es nuevo (ya se que no para todos) pero en los estates pasó hace un año y parece que la maquinaria Bendis sigue funcionando, arcos larguísimos, entretenimiento sin demasiados alardes pero que engancha, y, no muy a menudo pero sí con cierta regularidad, genialidades imprescindibles (leed Oscuros).

Se que en nuestro país hay mucho lector de Previews y friky de los

spoilers en la web, pero a muchos esto les a pillado a traición, y más cuando a Panini no se le ocurre otra cosa que rerrerrerrenumerar el Capitán América y Iron Man para inflar de números uno las librerías y jodernos la vida a los que nos volvemos locos intentandorelacionar numeraciones españolas y yanquis. Al menos Panini tiene la decencia de apuntar de forma muy correcta cuales son los números yanquis que corresponden a la edición española, atrás quedaron los tiempos de Forum (Planeta), y puesto que no se suele seguir la numeración original (por incluir especiales y one-shot) no debe afectarnos más que el leve mareo.

Mesa Redonda sobre Café Budapest de Alfonso Zapico

2011-02-11T11:15:00.000-08:00

En respuesta al anterior post, Alfonso Zapico nos remite un interesante escrito que agradedemos mucho y reproducimos con su autorización.

Hola Javo,

Soy Alfonso Zapico, el autor de Café Budapest. He leído tus impresiones acerca de la mesa redonda en Casa Sefarad, a la que como habrás visto no he podido asistir. Vivo en Francia y no dispongo de mucha movilidad geográfica últimamente, por el trabajo y estas cosas. Antes que nada me gustaría darte las gracias por tu reseña del acto en internet, por tu interés y tu iniciativa, y me gustaría responderte vía mail esas dos cuestiones que me habrías planteado si hubiera estado en Madrid.

1.- El formato en B/N. Pues mira, aquí se dan un cúmulo de curiosidades. Bertenev en su origen estaba planteado como una novela gráfica en B/N, pero finalmente fue editado en Francia y este mercado demanda color y formato grande, de álbum tradiconal franco-belga, así que hubo que hacer cambios al inicio de la historia. Luego Café Budapest estaba enfocado a continuar con esa línea de álbum, pero finalmente salió en España en 2008 y lo adaptamos al formato "novela gráfica", en B/N, tamaño 17x21... Los dos álbumes han salido en el formato contrario al que estaban predestinados, pero pienso que los dos han ganado con el cambio. El último que estoy terminando saldrá en abril en aguada de grises, y el próximo ya será a todo color, así que si te animas a leer los próximos podrás valorar la variedad de estilos.

2.- La resolución truculenta del trauma de la madre: realmente no he querido recrearme con los desmanes del Holocausto. Todo tiene una parte metafórica en el álbum; por ejemplo, al final del libro Yosef da doble vuelta de llave a un candado en la puerta principal del café, pero en la última página los obuses han reducido el edificio a cenizas. ¿De qué sirve entonces cerrar con llave? Esto ilustra un poco la resistencia de la sociedad civil a abandonar su arraigo y su identidad en medio de un conflicto, aún sabiendo que un candado metálico no detendrá un torrente de violencia. Justo antes de esto la pequeña comunidad del café (bueno, lo que queda de ella), prepara un café, pero no es café, es una última taza de ese ambiente silenciosamente alegre, cálido y confiado que se percibe en las viejas cocinas de las grandes familias. Igual que el café, en tiempos de conflicto nunca se sabe cuando se podrá volver a disfrutar de una taza de nuevo.

Cuando estaba trabajando en el guión de Café Budapest (2007-2008, no recuerdo) realicé un pequeño libro ilustrado destinado como material extra-escolar a las escuelas y colegios de España con el motivo del aniversario de la Shoá. Una historia típica, una familia polaca de libreros judíos que acaban en un campo de concentración. Este libro era de tono muy näif, pero me gusta cuidar la documentación, y leí testimonios, vi fotografías y cuidé cada detalle, hasta el punto de que me afectó anímicamente la digestión de tanta tragedia.
Después de finalizar todo aquello y ya metido en faena con Café Budapest, salió esta historia de Shprintza, la madre de Yechezkel. Olvidémonos de detalles truculentos. Te invito a pensar sobre mi perspectiva de la tragedia: una parte de los protagonistas de aquella historia desaparecieron en los campos, se esfumaron. Otra parte, los que regresararon, vivieron después con el estigma de la supervivencia, divididos entre el sentimiento de culpa y la necesidad de salir adelante. Sienten que no hay futuro para ellos, pero quieren un porvenir para los suyos. Aquí está la tercera parte, la siguiente generación que representa Yechezkel. Lo que quiero decir es que Shprintza devoró a su marido de la misma forma en que se devoró a si misma. Es un sentimiento erróneo, porque la identidad de los culpables es evidente, pero es un sentimiento real y que afecta a este personaje como afectó a muchos otros más reales, sin duda.

Que hubo canibalismo en los campos de concentración es algo real y constatado, como lo son las incontables tropelías cometidas por los nazis. En esto punto mi imaginación se quedaría corta en comparación con la Historia. Personalmente no pienso que esta parte de Café Budapest dé alas al Revisionismo. Café Budapest no es una historia documental, ni siquiera va por los mismos caminos que el Maus de Spiegelman, en el sentido de que él plantea una biografía familiar con personajes reales y yo planteo un contexto histórico de fondo con personajes imaginarios. Café Budapest tiene su propio valor y su propia lectura, el novizago entre Yechezkel y Yaiza hubiera sido muy improbable en aquella época, y el propio personaje de la joven árabe es pura ficción, pero forman parte de la metáfora, del mensaje y del sentido de la historia.
Y no olvidemos que Café Budapest no habla del Holocausto, sino que habla del origen de un conflicto diferente en un lugar del mundo diferente.
De hecho, el interés que ha suscitado el álbum es tan pintoresco que a primeros de abril estaré en Polonia, en el Salón de Cómic de Varsovia presentando a su hermano gemelo traducido al polaco, Cafe Budapeszt. Es Polonia un país con un enorme poso de historia y cultura judías, y tengo una enorme curiosidad por conocer qué les ha interesado del libro.

Después de esta interminable explicación, que no sé si te habrá aclarado algo (porque a veces me explico muy mal, y gracias que lo estoy escribiendo porque me disperso aún más hablando), tengo que darte las gracias por el interés en el libro y en lo que plantea, por la reseña de la Mesa Redonda y por haberte acercado a la lectura de Café Budapest y La guerra del profesor Bertenev.
He disfrutado mucho leyendo tu post y no podía dejar de escribirte un mail para contarte mi punto de vista sobre la historia y explicarte los entresijos del formato de estos dos álbumes. Espero no haber sido demasiado pesado, y te mando un abrazo muy fuerte y te animo a que te leas el próximo, que, como te dije, verá la luz en abril, justo antes del Saló de Barcelona.
Enhorabuena por la Kioscopedia, que es una web fantástica de obligada consulta, y por el blog, más de lo mismo en versión blogspot.

Muchas gracias de nuevo por la atención, Javo, hasta pronto

Alfonso Zapico

Mesa Redonda sobre Café Budapest de Alfonso Zapico (Javo Rodríguez)

2011-02-10T17:51:00.000-08:00

Carlos García Romeral, Esther Bendahan y Emilio Gonzalo

Tras el encuentro con James O'Barr salí corriendo hacía una mesa redonda sobre Café Budapest de Alfonso Zapico que se celebraba en la Casa Sefarad, con una idea (una vez más) equivocada. Para empezar patiné en el número donde esta situado el Palacio Cañete, sede de la Casa Sefarad -pido disculpas por el error en Kioscopedia- con lo que llegue 10 minutos tarde, encontrándome con que Zapico no estaba en la mesa, compuesta por Carlos García-Romeral (bibliotecario de la CAM), Esther Bendahan (moderadora) y Emilio Gonzalo (director de Expocomic). ¿Donde estaba Zapico?: en mi imaginación.
Una vez repuesto de la carrera y de mis errores, atendí a los interesantes comentarios de los tertulianos, dado que muchos de ellos se referían a los tebeos en general, dejo mis reflexiones para la entrevista a Emilio Gonzalo que este blog publicara la semana que viene.
Tenía dos preguntas concretas para Zapico, la primera se refería al uso del blanco y negro. No sabía si era una elección del autor o una necesidad económica. Por una entrevista en Internet supe que era una opción artística. Elección que no comparto, el color de La Guerra del Profesor Bertenev me gustó y me pareció que potenciaba sus dibujos, pero es la opción del artista y poco más hay que decir.
La otra pregunta era referente al guión, dentro del tono cotidiano y realista de Café Budapest me había llamado mucho la atención (¡ojo, si no has leído el cómic es un spoiler!) la resolución truculenta del trauma de la madre de Chaskel -el protagonista- basada en el canibalismo. Así lo plantee a la mesa, siendo respondido por Esther Bendahan: "Yo creo que en este caso es una apuesta del autor por encontrar algo que suscite esa respuesta que tiene usted pero en si mismo el propio nazismo no necesita más respuesta. En este caso es una elección del autor". La moderadora me dio explicaciones de las inhumanidades nazis y el holocausto y, me pareció entender que, de alguna forma, afirmaba que era un elemento que era necesario en un época en que los lectores no tienen ideas demasiado claras a cerca del holocausto.
Aquí hay que hay que ser claro y tomar posición, la persecución, los campos, las cámaras de gas, el exterminio sistemático y cruel de un pueblo-en este caso el judío- me parece uno de los hechos más aberrantes, inhumanos y tristes cometidos en el siglo XX y me repugna el revisionismo o negacionismo de Paul Rassinier y seguidores. Pero me pregunto si licencias como la que hablamos son positivas y no dan alas a ese revisionismo.
Obviamente es una licencia "comiquera", de ficción, pero no es una ficción pura, sino rodeada de un contexto histórico.
Personalmente me produce mucho más espanto una imagen de Hitler jugando afablemente con niños que las imágenes de sus histéricos discursos. Lo que me aterra de Hitler y los nazis es que son humanos, no diablos de guardarropía. Es su humanidad lo que me causa pavor.
Café Budapest me lleva -perdón por el tópico- a la sobada y genial Maus, aunque no sea más que por su temática y contexto.
La obra de Art Spiegelman se quedó grabada en mi mente por las viñetas en que retrata a su padre, en el asfixiante vagón que le traslada al campo, allí, situado en la parte superior tiene acceso al hielo que se forma y que puede saciar la sed de sus compañeros de cautiverio. Cuando estos le piden un trozo de hielo, el padre negocia comida por los carámbanos. Son unas viñetas terribles por su humanidad y que provocan la compasión por los que sufren.

James O'Barr en El Mono Araña (Javo Rodríguez)

2011-02-08T02:20:00.000-08:00

Carlos Moreno y James O'Barr

Abierta hace poco más de un año y con una estupenda presencia en dos plantas, El Mono Araña (www.xn--elmono-araa-beb.com/tienda/catalog/) es una librería madrileña (C/ Peñuelas, 14.) donde junto a cómics se puede encontrar, ilustración, juegos, originales y que, de vez en cuando organiza algún evento.
En colaboración con el Festival Gótico y de Terror de Málaga, el Mono Araña nos ha permitido tener la suerte de poder conocer a James O'Barr, autor de The Crow entre otras cosas.
Acudí con dos ideas preconcebidas que pronto se vieron desmentidas. La primera es que pensé que tenía que llegar con tiempo pues lo aficionados se amontonarían frente a la puerta del local haciendo cola, nada más lejos de la realidad, éramos pocos, muy pocos. Debo vivir en otro mundo. La segunda era que, sabiendo la trágica historia personal del autor, de alguna forma reflejada en las negras y tenebrosas historietas de The Crow, me iba a encontrar con un O'Barr oscuro y circunspecto, de nuevo nada más lejos de la realidad, James O'Barr es un tipo cercano, abierto y simpático que rápidamente establece un contacto sincero con sus admiradores.
Confiesa que el café y el tabaco son sus únicos vicios, aunque su permiso para fumar le es denegado por la puta ley antifumadores.
Apasionado de su trabajo -"haría cómics aunque no me pagasen"- quiere mostrarnos en que está ahora, Sundown, un western gótico cuyo adelanto podéis ver en www.motionworkscomics.com/ y que tiene muy buena pinta.
O'Barr es completamente autodidacta: "Aprendía a leer con los cómics. Me gustaban Eerie, Creepy y, más tarde, los comic-books de monstruos publicados por la Marvel. No he recibido una lección de dibujo en mi vida. Intenté entrar en la Escuela de Artes de Detroit, pero me rechazaron".
Aunque el tema de The Crow ya le queda lejano y parece un tanto cansado de hablar sobre él acepta que es inevitable. Confiesa que la primera adaptación cinematográfica y la interpretación de Brandon Lee le cambiaron la visión del personaje. "El film se realizó con tan sólo 10 millones de dólares y cuando conocí a Brandom pensé que era el tío más guapo que había visto nunca. No soy gay, pero así me pareció hasta que le vi maquillado". O'Barr quedó contento con la adaptación, cosa que no sucede con las secuelas y serie de tv. "Pero tengo los derechos y me pagan, así que bien".
También se explayó sobre su visión de Batman, un tratamiento de 30 páginas, ambientado en los años 40 y bastante tenebroso, con un Bruce Wayne con un mapa de cicatrices sobre su cara y un vestuario mucho más cutre de los habitual. "A DC le pareció que era un Batman que daba miedo y el proyecto se paró, aunque algunas de mis ideas has sido plasmadas en cómics posteriores".
Mientras me firmaba un ejemplar de The Crow y un magnifico póster, tenía a su lado una edición de Jordi Bernet, "uno de los autores que más admiro".

El TBO de Salvat (Javo Rodríguez)

2011-01-25T05:43:00.000-08:00

No es habitual que compre ningún tebeo fuera de las tiendas de mis libreros, nunca lo hago en una gran superficie, primero porque no me gusta y segundo (y no menos importante) porque no quiero arriesgarme a sufrir las criticas del joven (Friky) bastardo [ver post del 28 de diciembre], pero si reconozco que, de vez en cuando, compro algún material en kioscos de prensa, una de esas excepciones han sido las primeras entregas de TBO Edición Coleccionista publicado por Salvat.
Son tomos recopilatorios de viejo material de TBO, unas historietas que no suelen ser de gran interés para mi, salvo en el terreno documental, aunque algunos autores me atraigan especialmente, Urda, Benejam y sobre todo el genial Coll. No soy nada original Benejam -familia Ulises a la cabeza- y Coll han sido los grandes reclamos de la colección de Salvat. Por otro lado alguno de los tomos que he leído hasta el momento cuentan con prólogos del siempre bien documentado Antoni Guiralt (¿de donde sacará tiempo este hombre para escribir todo lo que publica?) que siempre aporta algún dato interesante.
Como es sabido este tipo de material se pone a la venta en bolsas de plástico, por lo que tienes que fiarte de las portadas para decidir si te interesa o no y las portadas de las entregas son, como poco, engañosas.

La portada del tomo dedicado a los años 1951-1953 aparece con el título ¡LAS MEJORES PÁGINAS DE BENEJAM Y COLL! e ilustrada con una página del primero. Como ya dije ambos autores me interesan así que compre el tomo pero al desnudarlo de su funda y ojearlo me encuentro que si, hay algunas historietas -no muchas, ni especialmente significativas- de Benejam. ¿Y Coll? Tan solo ¡dos historietas!, pálido reflejo del arte de Coll. Mosqueo gordo y creo que justificado.

Tomo dedicado a los años 1976-1977 con el título ¡CON LOS INVENTOS DE TBO Y ALTAMIRO DE LA CUEVA! acompañado por la ilustración de un "invento" dibujado por Sabates. Sabates no me interesa lo más mínimo pero, por razones que no vienen al caso, Altamiro de la Cueva si. Caigo y lo compro y, al hojearlo el mosqueo se trastoca en cabreo, solo hay una, ¡una historieta de Altamiro!. Curiosamente este tomo contiene el doble de historietas (y mejores) de Coll que el anteriormente comentado. Respecto a los "inventos" otra ¡única! historieta.

Me parece una tomadura de pelo, algo que confirmo cuando me entero que el primer tomo de la colección se ha publicado mutilado como se puede comprobar en el blog Voto a Bríos.
¡Bien por Salvat!

Museo ABC (Javo Rodríguez)

2011-01-20T04:54:00.000-08:00

Aunque existen excelentes guionista españoles lo cierto es que en el mundo de las viñetas y la ilustración los dibujantes son valorados en mayor medida, tanto en nuestro país como fuera de nuestras fronteras.

Este prestigio del dibujo español no es de ahora -que también- sino que se ha cimentado a lo largo de todo el siglo pasado. Artistas de todos los estilos han creado estupendas obras en carteles e ilustraciones así como en el diseño gráfico, la animación, la creación digital y, como no, en el cómic.

Desde el 17 de noviembre el Museo ABC se ha constituido como un espacio de homenaje a muchos (más de 15000) artistas gráficos. Situado en la calle Amaniel de Madrid, en el edificio que fue la fábrica de cervezas Mahou, el Museo ABC ofrece una magnifica muestra de parte de las 200.000 ilustraciones de su fondo, integrado por las publicaciones del diario ABC, Blanco y Negro, suplemento Gente Menuda...
La exposición titulada Una colección, un iceberg, muestra una pequeña parte de los fondos divididos en cuatro bloques temáticos que abarcan del simbolismo a la Movida madrileña. Las cuatro merecen la pena aunque personalmente me inclinó por la primera de ellas, la más antigua, que ofrece la posibilidad de contemplar dibujos de pioneros de la historieta como Atiza, Salvador Bartolozzi, K-Hito, Mecachis, Apel.les Mestres o Xaudaró, entre otros.
Parte de la exposición se exhibe de forma convencional, con ilustraciones en sus correspondientes vitrinas sobre la pared, pero otra gran parte, por razones de espacio, se exhibe en cajones instalados en grandes bloques rectangulares, al abrirlos los cajones se iluminan y permiten ver una o dos obras cómodamente, un sistema original -al menos yo no lo había visto- incluido dentro del exquisito entorno de las dos salas que albergan la exposición y que se completan con cómodas mesas en las que se puede contemplar el imprescindible (30 euros) catálogo.

Una visita agradable y, sobre todo, la esperanza de futuras exposiciones donde la historieta (Blanco y Negro es un tesoro) esté más presente. Su colaboración con la última edición de Expocomic parece un buen augurio. Si pasáis por Madrid no os lo perdáis, la entrada es gratuita y sólo tomarse un café en su acogedor bar ya merece la pena si andáis callejeando por el centro.

El manifiesto del Joven (Friky) Bastardo (Iván Rodríguez)

2010-12-28T05:09:00.000-08:00

Tengo que comenzar disculpándome por el título (para variar), ya que ni soy tan joven (dependiendo de los ojos que me miren), ni, evidentemente soy Warren Ellis (si alguien no se entera de que estoy hablando, que tire para una librería especializada a leer el prólogo de “Global Frequency” o que busque en la red “El Manifiesto del Viejo Bastardo”).

En marzo de 2000 Warren Ellis escribió “El Manifiesto del Viejo Bastardo” y yo lo leí nueve o diez años después. Ese retardo me sentó mal ya que los tiempos habían cambiado y la industria del cómic puede variar mucho tras una década, pero también me permitió analizar que el tiempo no ha hecho mella en las opiniones del autor (salvo alguna contradicción perdonable) y que el texto es completamente aplicable a la actualidad.

Esperando que nadie me apedree por esta “profanación” empiezo mi decálogo homenaje / plagio / actualización / etc. de este maravilloso escrito del genial Warren Ellis.

1 Vivimos, como aficionados, un momento estupendo para la industria del cómic con una variedad que contenta a todo tipo de lectores que esperan con avidez (y preguntan, y dan el coñazo al librero) novedades. Basura siempre hay y se seguirá publicando, pero es fácil gastarse 100 € cada dos meses y, aun así, dejarse cosas interesantes. Seamos un poco optimistas.

2 Que yo esté de acuerdo con la piratería o no no viene al caso. Lo cierto es que la fauna que puebla las tiendas de comics comparte material de forma continua y que no es solo cómic. La gente comparte televisión, cine y música directamente o en forma de opiniones. Si seguimos siendo optimistas, creo que se puede decir que vivimos un auge de la cultura popular, y que los que lo han hecho posible son los autores (de cualquier medio).

3 La grapa está muerta. Me jode en el alma como consumidor habitual de este material, pero no hay duda de que, cada vez más, la gente espera la publicación de las obras mas completas en tomo.
Pero sigo manteniendo que no es lo mismo leer o haber leído el Giant Size X-Men #1 que tener el Giant Size X-Men #1. de forma que cierto afán de coleccionismo (que se perderá con el tiempo) le dará por ahora un poco de vida a mi querida grapa.

4 Hace ya muchos años perdimos las tiendas de discos y la música se compra en las grandes superficies, donde un mercenario inculto con la lista de “los mas vendidos” es incapaz de indicarnos donde podemos encontrar lo que buscamos pese a disfrutar de una base de datos informatizada de todo el material.
Os ruego, os suplico: no compréis comics en las grandes superficies. Si no conectáis con vuestro librero (yo tengo muy buena suerte) no hay que charlar con el, pero al menos no es un puto mercenario mal pagado al que han pasado desde la sección de electrodomésticos porque los jefes le vieron con una camiseta de Spider-Man.
El librero, aunque no fuese de vuestro agrado, siempre os podrá indicar donde encontrar las obras de vuestros autores o personajes favoritos.
Que se jodan las grandes superficies, no permitamos que pudran nuestro mundo simplemente porque es cómodo.

5 Los superhéroes molan, pero no os perdáis otras historias por mantener una errónea fidelidad que os puede hacer tragar basura. Muchos de vuestros autores favoritos escriben comics que no tienen que ver con los supers.

A la gente que odia a los superhéroes: enteraos de una puta vez de que este medio se aguanta en ellos y que tirarse el rollo por leer comics (vosotros diríais tebeos, que es más europeo, o la mierda que se os ocurra en el momento) de autores provenientes de países subdesarrollados o franceses con aires de filósofos de tercera os hace tragar tanta basura como a los lectores de lo “comercial”.

Hay cosas buenas por todos lados (sigamos con optimismo), despreciar porque sí solo nos convierte en descerebrados. A veces hay que rebajarse a su nivel ya que solamente entienden el lenguaje más básico y radical.

Leed los que se os salga de los huevos.

6 Las opiniones de los foros apestan y solo las leen los frikys (no bastardos) que están indignados por la “mala” representación de personajes mediocres en la gran pantalla (¿tengo que volver a despotricar de Masacre, Liefeld y la madre que los parió?).

Relacionaos de verdad, id a vuestra librería favorita y conoced gente de verdad con opiniones (buenas y malas). La red está genial para obtener todo tipo de información, pero para charlar siempre será mejor un ambiente agradable que una solitaria habitación y una pantalla.

7 El público femenino va en aumento. Por si le interesa a alguien.

Alguno dirá: “es que las chicas que van a las tiendas de comics no son guapas”. Para empezar: eso es mentira, hay de todo, y para terminar: mírate al espejo y razona. Además, solo hablaba de charlar y relacionarse con toda la especie, esto no va de lo que quiera hacer cada cual con sus genitales.

Para ser un friky bastardo hay que relacionarse. Evolucionad, joder.

8 Yo no soy Warren Ellis, ni autor, ni nada. Pero también quiero ser parte del problema. Joderos, sonreíd o sed frikys bastardos.

9 El cómic nos permite disfrutar muchísimo en la actualidad y parece que sigue por buen camino. Así que aprovechadlo.

10 Comienza.

Gracias Warren por tus palabras y tus comics. Eres uno de mis autores favoritos por tu obra pasada, presente y futura. Lo he hecho lo mejor que he podido.

Machete: Cine sin desperdicio (Cristian Rodríguez)

2010-10-22T11:00:00.000-07:00

Cuando un amigo me dijo que era el peliculón de la decada, no andaba tan desencaminado. Atención, no estoy diciendo que sea la mejor película que he visto jamás porque no es así, pero es una película que da gusto ver. Hace tiempo que el cine dejó de arriesgarse mucho: lo politicamente correcto, la violencia escasa, el humor negro,.... esto es lo que nos da Machete, la nueva pelicula dirigida a duo por Robert Rodriguez y Ethan Maniquis (editor de la mayoría de peliculas de Rodriguez).

Para quien le gusten las películas de justicieros, de venganzas, violencia brutal y frases vacilantes esta es su película. Danny Trejo borda un papel hecho a su medida (su cara no da para muchas más medidas). Además de que la película tiene un estupendo reparto: Robert de Niro, Jessica Alba, Steven Seagal, Michelle Rodriguez, Jeff Fahey,...

En principio, Machete solo era un trailer para una pelicula que no existia. En el estreno de Grindhouse (en el 2008 se iban a estrenar juntas Planet Terror y Death Proof de Rodriguez y Tarantino) Rodriguez creó un trailer de una pelicula de justicieros con Danny Trejo como protagonista. El trailer tuvo tanto éxito, que al poco tiempo después se decidió hacer una película real.

Danny Trejo ha aparecido en la mayoria de peliculas de Robert Rodriguez, casi siempre haciendo un papel similar al de la pelicula (al menos respecto a los cuchillos): en Desperado, Abierto hasta el amanecer, Spy Kids, El Mexicano,...etc... Actualmente el actor ya tiene 66 años, pero se conserva bastante bien. El sr. Trejo estuvo en la carcel 11 años por temas de drogas y robos, después se reformó y se hizo actor. Se ha estrenado hace poco un documental sobre su vida.

Personalmente yo le seguía la pista a este actor hace tiempo. Sus apariciones en las peliculas y su presencia en la pantalla es bastante imponente.

Si el cine de hoy en dia no deja satisfechas tus ansias de humor negro, violencia gratuita y frases vacilantes como las del maestro Clint Eastwood, no lo dudes: Machete es digna de ver en el cine.

75 aniversario agridulce de DC Comics en Valencia (Cristian Rodríguez)

2010-10-19T10:36:00.000-07:00

Es raro que en Valencia hagan una celebración de una editorial de comics como DC. Los valencianos no tenemos mucha suerte normalmente respecto a grandes eventos como conciertos o un aniversario como este.

Bueno, la cosa es que el aniversario de DC Comics se está celebrando ahora mismo, hasta el dia 23 de Octubre en Valencia. El ayuntamiento ha preparado una sala de exposición donde principalmente han puesto uniformes de superheroes de DC sacados de peliculas como: Superman (1978), Superman Returns, Batman vuelve, Batman Begins, V de Vendetta y poco más.

En la exposición me encontré con Javier Olivares, seguramente la persona más metida en Superman de Valencia . Javier Olivares tiene una página web sobre Superman, www.supermanjaviolivaresnews.blogspot.com/, seguramente la página más completa y actualizada de Superman en español. También hace artículos para los comics publicados por Planeta Agostini. Como no, estaba disfrutando como un niño con la exposición de los trajes y demás.

En las imágenes podemos ver: el traje original de Christopher Reeve de Superman, el de Brandon Routh de Superman Returns, el uniforme que lleva Marlon Brando en Superman (con el flash de la cámara se aprecia el efecto de brillo que causa en la película, las fotos son con flash y sin flash), el traje de de Christian Bale en Batman Begins, el traje del Pingüino y de Catwoman de Batman Vuelve, el difunto Joker de Batman The Dark Knight, los trajes del Acertijo, Hiedra venenosa y Mr. Freeze de Batman, el protagonista sonriente de V de Vendetta, el traje de Natalie Portman de la película, y artilugios como cristales de kriptonita de la pelicula Superman Returns, gafas, periodicos falsos de la pelicula Superman Returns, etc...

Lo cierto es que esta exposición está orientada hacia las peliculas de imagen real de DC que actualmente no son muchas. Es un poco triste que en un Universo amplio como es el de DC Comics, lo único que parece representarlo son las peliculas de Superman y Batman.

En esta exposición lo único que hay relacionado con los comics es un volumen que ha publicado DC sobre el 75 aniversario, haciendo un repaso por los comics a lo largo de su historia.

Se supone que hay otra exposición en Fnac con dibujos originales enmarcados, pero cuando fui no la vi por ningún lado. Se que en Madrid si que la han puesto.

En Fnac también se supone que ponen a la venta más articulos relacionados con DC, pero más o menos estaba lo de siempre. Yo iba todo ilusionado porque habia leido que ponian a la venta tazas de superheroes e iba a ver si encontraba una de Flash, pero no, de cosas nuevas sólo había unos maletines para guardar cosas de Superman y poco más.

En Fnac se están haciendo retrospectivas como: Feedback total: comic, cine y videojuegos , Tres miradas de comic: Paco Roca, Salvador Larroca y Pascual Ferry. Se ha presentado un libro muy interesante: Superheroes: de Atom a Zatara- 75 años de DC Comics, ha habido un encuentro con Dave McKean, y la firma de autores como: Salvador Larroca, Pascual Ferry, Paco Alcazar, Albert Monteys, David Sanchez,... pocos relacionados con DC, es la verdad.

También han habido unos talleres de Manga y de cómic joven.

En los cines CineCité de Valencia se están proyectando peliculas de DC. Lo más novedoso y especial se suponía que seria el pase de Superman II: El montaje de Richard Donner. Esta película nunca ha sido vista en los cines hasta este momento. La Mostra de Valencia (el ayuntamiento) anunció que se proyectaria la pelicula en versión Blu-Ray. La expectación entre los aficionados a Superman era máxima. Hubo una quedada de fans entre los que se encontraba Javier Olivares y Carlos Chardí (otro experto en Superman y Star Wars) y al empezar a ver la película se dieron cuenta de que estaban poniendo directamente la versión normal de la pelicula, y además en una calidad pésima. La organización se ha disculpado, pero lo bueno es que siguen haciendo pases de la pelicula normal anunciando que es la versión de Richard Donner. No se le puede pedir mucho al ayuntamiento de Valencia.

Por otra parte, se pueden ver: Batman de Tim Burton, Batman Begins, V de Vendetta,.... En la puerta de los cines asistí a la firma de autores: Paco Alcazar, David Sanchez y Albert Monteys (realmente el único que me interesaba, el autor del Jueves de Tato).

Y finalmente durante los dias del aniversario, del 15 al 23 han puesto un area comercial, que es algo así como una feria del libro pero de comics. Es un poco pobre, pero he descubierto cosas interesantes como más libros de zombies, un libro de Sam Raimi y alguna cosa mas.

Este es el aspecto del Paseo Ruzafa en Valencia:

El cómic ha estado presente durante casi 10 dias en el centro de Valencia, algo nada habitual, y se agradece. Pero de DC Comics no ha habido gran cosa especial, más bien ha parecido un aniversario de cómics en general. Habrá que ver como se celebra en USA, eso si que será una celebración.

El gran Vázquez (Javo Rodríguez)

2010-10-19T03:38:00.000-07:00

Reconozco que acudí a ver El gran Vázquez con la mosca detrás de la oreja. Las razones del mosqueo eran dos: una manifiesta desconfianza hacia cine español cuando realiza biografías y las imágenes de Santiago Segura que inevitablemente me retrotraían hacia su ya detrito Torrente.
Afortunadamente me equivoqué. Desde las primera imágenes me encontré con una historia divertida que, sin olvidar los aspectos más sórdidos, retrataba con cariño y respeto a un gran autor de historietas y donde Óscar Aibar conseguía una interpretación contenida de Santiago Segura quien encarnaba a Vázquez y no a Torrente.
Merecedora de un mayor presupuesto, la recreación de la Barcelona de la época, la acción comienza en 1964, logra trasladarte a aquellos tiempos en los que Vázquez creaba historietas y portadas para la contradictoria Bruguera. Contradictoria pues combinaba criminales contratos con sus artistas, basándose por el forro su derechos, con un paternalismo que salvó de la miseria a muchos de sus empleados perdedores de la Guerra Civil, no en vano Francisco Bruguera había sido oficial del ejército republicano y llegó a pasar por un campo de concentración.
La casa de Bruguera y, sobre todo, sus principales personajes cuentan con excelentes secundarios. Enrique Villén consigue una acertado retrato de González, el controvertido boss de los tebeos de Bruguera, creador de el Inspector Dan o Don Furcio Buscabollos, amén de otros muchos personajes sin acreditar. El siempre eficaz Álex Angulo borda al pesetero Peláez. Manolo Solo, el cura "renegado" de Cuéntame, ES Ibáñez, la secuencia donde se produce el reencuentro entre el creador de Mortadelo y Filemón con un Vázquez ya en decadencia es de los mejor de la peli. Todo el reparto es en general, como poco, correcto.
Aunque principalmente conocido por Las hermanas Gilda o Anacleto, agente secreto yo buscaba siempre las historietas de La familia Cebolleta, La familia Chrumbel y Ángel Siseñor, obviamente sin saber que eran de Vázquez. Sólo mucho más tarde conocí, a través de Los Cuentos de Tío Vázquez, a aquel autor capaz de pasar del DDT al Papus o a Makoki, anarquista de vocación, estafador y sinvergüenza, cualificado para hacer creer -y recibir dinero varias veces- por la muerte de su padre, para tener varias mujeres o para visitar la cárcel en más de una ocasión.
El director Óscar Aibar conoció a Vázquez cuando ambos colaboraban en Makoki, Aibar, guionista en tebeos como Zona84, Totem, El Víbora, Cimoc, Cairo... retrata a su admirado Vázquez sin caer nunca en la hagiografía pero con un cariño que logra emocionar en más de una secuencia.
Sin llegar a ser una obra redonda El gran Vázquez es una película muy estimable, honrada y que cumple sus objetivos haciendo pasar un buen rato. El retrato de un gran historietista, imprescindible para los amantes de Vázquez y del tebeo.

Nostalgia de What if? (Javo Rordíguez)

2010-10-06T13:49:00.000-07:00

En 1977 nació mi marvelita favorito, unos meses antes Marvel comenzó a publicar What If?. Ya bien entrados los 80 el marvelita me presentó la edición de Forum del What if? Por entonces yo permanecía bastante apartado de los superhéroes y aquella colección fue uno de los factores fundamentales para volverme a interesar por ellos. En aquellos lejanos años la llamada Casa de las Ideas disfrutaba de la más brillante época de Chris Claremont y sus mutantes, las ediciones de Forum, entonces bajo la brillante batuta de Antonio Martín, me reconciliaron con Marvel. La citada What if?, junto a la Patrulla X y Los Nuevos Mutantes que el marvelita traía a casa me hicieron pasar ratos excelentes.
De forma particular What if? era, aparte de divertida, muy cómoda de leer. A pesar de que Forum dividía cada historieta en dos entregas, bastaba con leerse dos tebeos y ya te habías enterado de todo, aunque no tuvieses la menor idea de la continuidad Marvel. Eran historietas sencillas pero llenas de guiones interesantes y entretenidos, al fin y al cabo respondían a la pregunta que siempre ha sido el motor de la fantasía ¿y si...? ¿Y si Conan visitase Nueva York hoy?, ¿Y si la Chica Invisible hubiera muerto?, ¿Y si Daredevil hubiera matado a Kingpin?...

Aquellos tiempos pasaron pero el rescoldo del What if? no ha desparecido y es posible rastrearlo en el siglo XXI.

Hace poco tiempo me encontré con la agradable sorpresa de Spider-man Noir, una historieta que dio origen a la línea Noir de Marvel, una línea que parte de idéntica pregunta What if, concretamente ¿Y si los héroes Marvel hubiesen vivido en los años que rondaron a la Depresión?
Inmediatamente me enganche y Noir se ha convertido en uno de mis "fijos" para la bolsa de mi librero favorito -Oscar Nexus-4.-
Con mayor o menor intensidad he disfrutado de las versiones negras de X-Men, Lobezno y Dardevil. La última entrega de Panini hasta la fecha, dedicada al fascistoide Punisher, acabo de terminarla hace pocos días y me ha parecido la mejor. El negro mundo en que el guionista Frank Tieri, presenta al protagonista, ahora Frank Castelioni, se adapta a la perfección a un Castigador rodeado por el gangsterismo de los años 30. El expresionista dibujo de Paul Azaceta, un dibujante que combina de forma excelente el clasicismo y la modernidad, casa de forma inmejorable con el guión, el trabajo del italiano Antonio Fuso, en la IV entrega, no desmerece.

Bastantes (¡muchos!) puntos más abajo se sitúa Marvel Apes, una mini serie que plantea ¿y si los superhéroes Marvel fuesen simios? y que, cosa rara, no me interesó acabar, leí unas cuantas páginas y decidí dedicarme a ver las estampitas, encontrándome con la sorpresa de un estupendo dibujante catalán Ramón F. Bachs, en mi modesta opinión mucho más dotado como portadista que como historietista, sus versiones del Capitán América como gorila o de Hulka como chimpancé son sorprendentes e impactantes. Del guión de Karl Kesel mejor no hablar.

En la Tierra tropecientos no se cuantos se plantea la historieta de Lobezno El viejo Logan. Como no entiendo lo de Tierra tropecientos no se cuantos, me limito a saber que, en la colección de Lobezno, existe un arco titulado Old Man Logan -entregas #66 a 72-, que no deja de ser, al menos hoy por hoy, otro What if que relata ¿Y si Lobezno, con la mente alterada, se hubiese cargado a la Patrulla X?.
El guión de Mark Millar, acompañado de un depurado dibujo de Steve McNiven, parte de una idea inicial radiante y que Millar desarrolla de forma deslumbrante... en las primeras entregas, luego lentamente inicia una línea que acaba desembocando en la vulgaridad, como le sucedió en Civil War -no se lo perdono- o en Kick-Ass.
Millar, se que mi marvelita favorito lo rebatirá, cada vez comienza mejor y termina peor, tanto en el mainstream como en las creaciones personales.

Para finalizar existe otra línea de What if?, la que plantea ¿y si el Universo Marvel hubiese existido desde 1939?
En esta línea me lo he pasado en grande con las entregas que ha publicado Panini de The Marvel Project con fenomenal trabajo de Ed Brubaker y Steve Epting. Por algún lado he leído que El Proyecto Marvels es una repetición sin sentido del también fenomenal Marvels de Kurt Busiek y el maravilloso Alex Ross. Para mi no es más que otra visión del mundo de fantasía que han creado la industria -Marvel- y un hombre -el hombre- que aunque nunca figure como uno de los grandes de la literatura, es el basamento de del pop y que se llama Stan Lee, sin él nada de lo escrito habría sido posible.

Adele y las casualidades (Javo Rodríguez)

2010-09-28T15:08:00.000-07:00

Por una de esas casualidades que, al parecer no existen pero haberlas ahilas, el ya lejano verano me lleve, entre otras lecturas, los 3 números publicados hasta el momento de la imprescindible Dolmen Europa. En la primera entrega se incluía un interesante artículo de Álvaro Pons sobre Adele Blanc-Sec, un personaje de Jacques Tardi que sólo había conocido a retazos, a través de viejos números de Cimoc, sin que despertase mucho interés en mi, es más, el personaje me resultaba más antipático que atractivo. El citado artículo de Álvaro Pons despertó una nueva curiosidad por la detective de comienzos del siglo XX.

Casualidad 1, julio, en un pueblo pesquero de cuyo nombre no quiero acordarme.
Como ya dije era verano y en el verano me gusta veranear, concretamente en un paradisíaco pueblo portugués cuya extensa y solitaria playa posee una pequeña biblioteca, un precioso kiosco de madera, cuyos mínimos fondos tienen una sección dedicada a los cómics, básicamente con publicaciones franco-belgas y, este año, habían traído los cuatro primeros tomos de Adele Blanc-Sec, de tal forma que me hice con el préstamo de Adele y la bestia (Adèle et la bête)... y me enganche con una historieta que combinaba la modernidad (no olvidemos que fue publicada en plena eclosión de los Humanoides Asociados y otras diarreas mentales) con los viejos folletines y que convertía una pequeña anécdota, el terror que provoca en París -ciudad que Tardi demuestra amar- el nacimiento de un pterodactilo y su paseos por la capital francesa, en un entramado de personajes y reilaciones francamente interesante, original y divertido. Conclusión: volví a la biblioteca para poder seguir con las aventuras de Adele y, aunque sigue cayéndome gorda -como su apellido, el vino blanco y seco, seco sólo me gusta el brut-, disfrute con la lectura de El demonio de la Torre Eiffel (Le démon de la tour Eiffel), El sabio loco (Le savant fou) y Momias Enloquecidas (Momies en folie).
Las cuatro aventuras integran el primer ciclo de Adele Blanc-Sec y comienzan en 1911 para acabar, con la aparente muerte de su protagonista en el momento en que Europa va a enloquecer en una ceremonia atroz de sangre y barro, la I Guerra Mundial en 1914. Tardi abandona a nuestra protagonista poco antes del inició de aquella guerra cuyas tenebrosas imágenes reflejó en La guerra de las trincheras (C'était la guerre des tranchées), una obra que, junto a la peli Senderos de gloria (Paths of Glory), muestra, mejor que los libros de historia, el horror de los jóvenes condenados a una muerte evitable por las razones más obscuras. Tras la brutal masacre Tardi resucitó a Adele... pero eso es otra historia, otras historietas, que aun no he leído.

Casualidad 2, agosto en Madrid.
La política de editoras y libreros del cómic me tiene ABSOLUTAMENTE despistado, no comprendo como funciona el juego cultural/económico de las historietas, coleccionismo, frikys, nostalgia y factores que se me escapan han propiciado, para mi gozo y el de otros muchos, que, aunque sea en pequeñas tiradas, en España su publiquen cómics de TODO tipo ¿se venden? no lo se.
Que Norma edite, en plena crisis (?) Las extraordinarias aventuras de Adèle Blanc-Sec, con sus cuatro primeros álbumes, me parece fantástico. Que unas historietas, con un comprador ¿obviamente? minoritario puede ser, en mis cortas entendederas, por dos razones: a) están dando palos de ciego o b) su visión cultural/económica responde a una visión más amplia que la de otros negocios. Particularmente prefiero quedarme con la razón b y AGRADECER a editoras y libreros tener una oferta de cómics, respecto a la temática, tan amplia como JAMAS antes he podido disfrutar.

Casualidad 3, septiembre en Madrid.
Vamos al cine, ¿que ponen?, a ver en la Guía del Ocio... ¡coño, Adele, otra vez! Hay que verla, ¿quién dirige? ¡hostias, Luc Besson! Hay que verla. ¿La ponen en los mini-cines del Plenilunio? Si.
Como mi chica me había "obligado" a ver la deleznable Canino su error me permitía ver 5 pelis a mi gusto así que a ver Adele y el misterio de la momia. La peli le gustó más a ella que a mi, pero yo también pasé un buen rato. Adele era en la pantalla mucho más guapa que en las historietas, Louise Bourgoin es una preciosidad, un poco menos borde y la adaptación es entretenida y realizada con cariño hacia el original, me jode que los personajes masculinos sean casi calcados de los dibujos de Tardi -caricaturizados y un tanto ridículos- mientras que los personajes femeninos más importantes, Adele y su hermana, auténticos bellezones pero Adele y el misterio de la momia merece, en mi opinión un notable bajo.

Los zombies viven en las viñetas (Cristian Rodríguez)

2010-07-28T11:32:00.000-07:00

. Zo

Para los amantes de los zombies, entre los que yo me incluyo, vivimos una época estupenda en la que por fin parece que llegan muchos productos de calidad relacionados con los zombies,

es decir: libros, películas y cómics.

Yo creo que el pistoletazo para la nueva moda zombie la dio la pelicula 28 dias despues, que nos daba una pelicula de calidad zombie como hacia tiempo que no pasaba, luego George A. Romero, el artífice y maestro del genero, creador de La noche de los muertos vivientes nos vino en el 2005 con La tierra de los muertos vivientes, la cuarta parte de la saga. Puede que no fuera tan buena como las anteriores pero es muy recomendable. Tambien el remake de El amanecer de los muertos del director de Watchmen, Zach Snyder, propició el resurgir del género.

Ahora podemos disfrutar de peliculas de calidad como Zombies party, Planet Terror, Zombies nazis (Dead snow), Zombieland, REC, ...

De hecho el mismisimo George A. Romero guionizó una serie de comics limitada de 6 números llamada Toe Tags, que la editorial Planeta va a sacar a la venta este mes de Septiembre.

A partir de aqui ha ido creciendo un interés por la temática zombie que nos lleva hasta la actualidad con la aparición de novelas, comics y más peliculas.

En el 2004 apareció la serie Army of Darkness, aqui en España El ejercito de las tinieblas protagonizada por el carismático Ash (Bruce Campbell). La serie está teniendo mucho éxito, y ahora se está publicando en España en tomos por Planeta. No es sólo temática zombie, pero los zombies están muy presentes en toda la serie.

La serie de hecho enlazó en un especial de Marvel Zombies/Army of Darkness, en la que los heroes zombies de la Marvel comparten protagonismo con Ash.

En Marvel, como podeis ver se hizo una serie de zombies muy exitosa (Marvel Zombies) que ha tenido tanto éxito que ya han hecho varias continuaciones.

Después parece que DC Comics se copió la idea y se creo la también saga exitosa La noche más oscura, con la aparición de todos los villanos muertos de DC convertidos en zombies.

Pero la serie más importante de cómics de zombies es indiscutiblemente Los muertos vivientes (The walking dead), que desde el año 2004 está en funcionamiento con una historia de comic en blanco y negro. El éxito de esta colección en ventas y público es enorme, y ha llegado a convertirse en la primera serie de televisión enteramente de zombies. El director de peliculas tan buenas como Cadena perpetua, La milla verde o La niebla de Stephen King, es decir Frank Darabont, se ha puesto manos a la obra para arrancar la serie de la que ya se sabe que van a hacer una segunda temporada.

La pinta de la serie no puede ser mejor, y se dice que puede que George A. Romero dirija algún episodio.

La editorial Planeta va a publicar proximamente una serie de comics de zombies como XXXombies, Vivir con los muertos y The last resort.

Tras la aparición de la serie de Los muertos vivientes, y de la miniserie Dead set (una especie de Gran Hermano de zombies), nos esperan peliculas como Resident Evil: Afterlife, World War Z (adaptación de una famosa novela de zombies con Brad Pitt en el papel principal), Orgullo y prejuicio y zombies (adaptación de otra novela protagonizada por Natalie Portman), y Zombies: Guia de supervivencia (otra adaptación de una novela del autor de World War Z).

Parece que los aficionados a este cine vivimos un buen momento, sólo hace falta que no lo fastidie una mala película y de con todo al traste.

La calidad de las imágenes de The walking dead es asombrosa, y si es tan buena como la serie en si, tenemos zombies para dar y vender.

MARY NOTICIAS, UNA REEDICIÓN FALLIDA (Javo Rodríguez)

2010-06-30T14:33:00.000-07:00

Por razones personales tengo una especial simpatía hacia Mary “Noticias”, más por razones sentimentales que por pasión hacia las historietas creadas por Ricardo Acedo y Carmen Barbará. Mary “Noticias” fue el tebeo de mi chica.
Dejando de lado ese enganche sentimental Mary “Noticias” fue un tebeo renovador de lo que fue el tebeo femenino español.
En su aún no superado “El Cómic Femenino en España” (1975), Juan Antonio Ramírez sitúa a Mary “Noticias” entre los tebeos para chicas de “personaje fijo”, una derivación de lo que Ramírez denomina tebeos de tipo “sentimental-próximo”, mucho más cercanos a la realidad de el momento que los que clasifica como “exótico sentimental”, alejados en el espacio y el tiempo, situados en la época romántica del imperio astró-húngaro, en la Rusia zarista o en el exótico Oriente. Más lejanos aún estarían los del tipo “maravilloso”, caracterizados porque en la solución de los problemas planteados intervienen de un modo decisivo personajes y sucesos’irreales’ procedentes de la tradición folklórica: hadas, genios, enanos, brujas, encantamientos, etc.
Aunque en tebeos para chicas como Florita o Sissi, por poner dos ejemplos, existieron personajes fijos, hasta la llegada de los 60 no llegaron los cuadernillos apaisados, patrimonio del tebeo para chicos, con protagonista fija y exclusiva. Este tipo de tebeos se limitó, que yo sepa, a tan sólo tres colecciones: Lilian, azafata del aire, Mary “Noticias” y Jennie Smith.
Mary “Noticias” destacó frente a Lilian, azafata del aire en que esta última no dejó de ser una adaptación –plagio dirían otros- de la serie francesa Lili Hotesse de l'Air creada por Christian Mathelot, publicada en España por Florita desde 1957. Lilian, azafata del aire también contó con guiones de Ricardo Acedo, llegando hasta el #48.
Jennie Smith, posterior a Mary y Lilian, no pasó de la docena de entregas, con dibujos de Jordi Buxadé, se distinguió de Lilian y Mary en que la aventura no estaba presente.
Con estos datos Mary “Noticias” fue el único cuadernillo apaisado del tebeo español, con personaje femenino fijo y original, que combinó los aspectos sentimentales con los aventureros, lo que le convierte, junto con su importante tirada (484 ejemplares, sólo en la colección original) en un tebeo excepcional que se merecía una reedición menos dejada que la realizada por Glénat recientemente.
Los tebeos de Mary “Noticias” contenían siempre una historieta autoconclusiva, no existía, como en los tebeos similares para chicos, el mecanismo del continuará. Por otro lado la simpatía personal por el personaje no me hace obviar que las historias de Acedo son bastante simples, repetitivas en muchas ocasiones, y desde luego están muy por debajo de otros de sus trabajos anteriores y posteriores como Tamar, por ejemplo. El dibujo de Carmen Barbará es casi siempre estático, aunque sus preciosas chicas son siempre distinguibles y tiene una particular idea de la maquetación de las páginas original e interesante en muchas ocasiones.
El reciente tomo de Glénat se ha limitado a la publicación de las 15 primeras entregas, sin que parezca que haya una idea de continuidad, en su lomo no figura numeración alguna, ni la editora ha dado muestras de tener intención de publicar la colección completa, lo que realmente sería un poco absurdo, leerse Mary “Noticias” integral sólo sería interesante para algún loco que quisiese realizar una tesis doctoral sobre un personaje que no da para tanto.
¿Por qué, entonces, no se ha realizado una selección de los números más interesantes, que existen, en lugar de publicar los primeros a capón? Esto si se lo merecía el personaje y sus autores.
Uno de los aspectos más curiosos, por su innovación dentro del tebeo femenino español, es la relación de Mary (Mary Cuper Fernández, de nombre completo) con sus dos chicos, el serio y formal abogado Max (Maximiliano del Pozo) y el aventurero y bohemio con perilla Bruma. Chicos entre los que Mary parece debatirse sentimentalmente, de alguna forma coqueteando con ambos. Esto era algo absolutamente inusual en una protagonista de la época, con unos teneos para chicas que si algo tenían era unas altas dosis de moralina cristiano/franquista.
Que esto no nos lleve a engaños, Mary era “moderna”, pero dentro de un orden. Para empezar las dudas entre Max y Bruma las tenía Mary, pero sus lectoras ya eran conscientes desde el primer número que ambos eran la misma persona. Por otro lado la moral, la visión del papel dentro de la sociedad no se puso nunca en duda. si, amigas, la mujer debe trabajar, luchar y escalar puestos... ¡Pero nunca debe olvidar que ha nacido para ser la compañera del hombre! (Mary Noticias #458, citado por Antonio Altarriba en su excelente semblanza incluida en “La España del Tebeo”).
¿Cómo acaba Mary “Noticias”? Seguro que con Max y, probablemente, en boda, como muchos de sus episodios y la mayoría del tebeo femenino de la época.
Una pista nos la puede dar el final de la ya citada Lilian, azafata del aire, insito que también con guión de Acedo. Lilian dispone un chico, en cierta forma su propio Bruma, llamado Oscar (evidentemente piloto) quién en el último número le dice: Lilian, eres una muchacha maravillosa y la única mujer de mi vida, ¿estas dispuesta a sacrificar tu profesión para casarte conmigo... obviamente Lilian acepta.
Me pregunto como acaba Mary porque, como me sucedía siempre con los cromos, a pesar de tener bastantes entregas de la colección ¡me falta la última!. Pero, fuera de bromas, siento que la reedición de Glénat ha olvidado todos estos aspectos y que no responde más que a acrecentar unas ventas que le han ido muy bien con Purita Campos, algo contra lo que no tengo nada en contra, pero ¿por qué no dar un poquito más que pura nostalgia?
La afirmación anterior no deja de ser un juicio de intenciones teñido de algo de frikismo, lo se, pero hay aspectos de la edición que son objetivos.
La datación de la aparición del primer tebeo de Mary “Noticias” baila entre 1960 y 1962.
Juan Antonio Ramírez, José María Delhom o José Antonio Ortega Anguiano lo sitúan en 1960.
Antonio Altarriba, Jesús Cuadrado y Tebeosfera, entre otros, lo sitúan en 1962, si bien Tebeosfera en su inapreciable catálogo introduce una nota que dice: Aunque los datos más contrastados llevan a la conclusión de que el arranque de esta publicación fue en 1962, existe la posibilidad de que realmente fuera el año 1960, por los créditos que figuran en el cuadernillo número cuatro (en concreto el número del Depósito Legal datado con esa fecha; aunque es un dato no determinante puesto que los depósitos legales podían mutar por descuido o errores de los editores), lo que no deja de ser otro juicio de intenciones y da como Deposito Legal B-17861-1962.
En fin un autentico lío que, ingenuo de mi, esperaba que la reedición de Glénat me aclarase. No ha sido así.
En su primera página leo: Copyright 1960, para Ricardo Acedo y Carmen Barbára, y un poco más abajo, Los personajes de la serie Mary Noticias fueron creados en 1960, sobre idea y guiones literarios de Ricardo Acedo.
La cosa parece clara, pero, en la página paralela, dentro del prólogo del habitualmente bien informado Antonio Martín se puede leer: Pero será en 1962 cuando se producirá un gran vuelco con la aparición de un nuevo tebeo para niñas que se presenta bajo el título genérico de Colección Heroínas y el más concreto de Mary “Noticias. ???¡¡¡¡

Personalmente mantengo que Mary “Noticias” apareció en 1960, las razones son las siguientes:
1) Los autores más cercanos en el tiempo al tebeo - Juan Antonio Ramírez, José María Delhom y José Antonio Ortega Anguiano- dan este año como comienzo de la serie.
2) El copyright es de 1960.
3) La afirmación de Antonio Martín, será en 1962 cuando se producirá un gran vuelco con la aparición de un nuevo tebeo para niñas que se presenta bajo el título genérico de 'Colección Heroínas', es un pequeño desliz, ya que la Colección Heroínas es de 1960, en ella apareció Lilian, algo que no parece tener dudas.
4) Con todas las dudas que pueda plantear el Depósito Legal de aquellos años, Tebeosfera muestra un documento objetivo, con imagen, que señala a 1960 como año de inicio.
5) Mary “Noticias” Extra (segunda publicación del personaje) figura con 1962 como año de aparición en Delhom, Ortega Anguiano y Tebeosfera y sería bastante inusual que Ibero Mundial, la editora del personaje, sacase al mercado el mismo año ambas publicaciones. En contradicción con esto, Jesús Cuadrado y Antonio Martín sitúan la aparición de Mary Noticias Extra en 1964.
6) La primera reedición, con cuadernillos de 25 entregas en un tomo, sólo es nombrada por Tebeosfera y datada también 1962, lo cual vuelve ser extraño, no era habitual reeditar recopilaciones el mismo año de la edición del primer número.
A pesar de esto, la categoría de los expertos que dan como fecha 1962, me hace tener dudas de la datación de la reportera televisiva.
Probablemente todo lo anterior no sea más que una absurda duda de alguien que opina que estos datos son importantes, sobre todo en un tiempo donde los datos erróneos se reproducen como las amebas a través de Internet, algo que una web como Kioscopedia no esta libre, la diferencia es Kioscopedia es la obra de un aficionado, con ayudas personales, y Glénat es una editora más o menos potente que debería haberse currado bastante más la edición en tomo de Mary “Noticias”.

Kick-Ass, cómic y peli (Javo Rodríguez)

2010-06-09T05:58:00.001-07:00

Vaya por delante que me gusta mucho Mark Millar, uno de los guionistas británicos de cómics que ha logrado la difícil tarea de renovar los cómics de superhéroes, entre otras cosas. Tiene la gran virtud, no por simple menos necesaria, de ser casi siempre muy divertido. Disfruté con The Authority, con Wanted, con Superman Red Son. Pero en Civil War me mosqueó bastante con una obra que comienza como algo apasionante y poco a poco va de más a menos finalizando de una forma decepcionante.
He leido Kick-Ass y he visto su versión cinematográfica casi al tiempo y con ambas me he sentido desengañado. Aunque hay diferencias entre las viñetas y la pelí no me parecen sustanciales, así que me referiré a Kick-Ass en general. Cuando comienzo a leer un cómic o a ver una película ya se que me meto en la ficción y lo aceptó. La ficción tiene sus normas. Si veo Condorman se que estoy en una ficción sobre el mundo real, por mucho que Woody Wilkins se disfrace de Condorman la historia se plantea siempre en el mundo real, todo lo fantástico que se quiera, pero nunca traspasa la frontera para introducirse en el irreal mundo de los superhéroes. Me he acordado de Condorman porque el comienzo de Kick-Ass, tanto en el cómic como en la película, me recordó a la vieja película de 1981, obviamente con un humor más bestia, pero ese comienzo y el posterior relato nos presenta un relato donde Dave Lizewski/Kick-Ass, como Woody Wilkins/Condorman, es un personaje de nuestra realidad, de este mundo, con sus reglas; no de ese otro mundo, también con sus reglas, que es el de los superhéroes. Como es evidente para cualquiera que me conozca -y para él que no lo sepa, lo aclaró- que me entusiasman las historias de superhéroes, entrar en ese mundo maravilloso donde la gente vuela o le salen garras de los nudillos. Lo que me jode es que me cambien las reglas a mitad del partido y esto es lo que ha hecho Millar en Kick-Ass. Lo que comienza como la posible historia de un friqui pringado, bastante normalito y poco dotado físicamente, que se pregunta por qué no hay superhéroes en la vida real, se va transformando, poco a poco, en una convencional historia de superhéroes vengadores, llegando al paroxismo tras el brutal asesinato de Big Daddy. El Dave Lizewski humano, que debe pasar una larga recuperación tras la primera paliza, se ha convertido en un autentico superhéroe, con una capacidad de recuperación mayor que la de Lobezno, capaz de realizar las hazañas de cualquier personaje de Universo Marvel o DC. Me han pasado, sin previo aviso, del humor paródico lleno de ingenio a lo de siempre, me han hecho trampas porque Mark Millar no sabe acabar la historia que inicia magníficamente.
El prologuista de la edición española del cómic, Celes J. López, se mete en un jardín, cuando comienza afirmando: "ESTE NO ES UN CÓMIC REALISTA", no se muy bien a que se refiere. Realistas son las obras artísticas o literarias basadas en la imitación fiel de la naturaleza y, según el propio López, "lo que cuenta podría pasar de verdad", afirmación que no deja de ser una contradicción, cualquier ficción relata algún hecho que "podría pasar de verdad" aunque no haya sucedido y, como de momento no soy Dave Lizewski, entre otras cosas no tengo edad para serlo, los superhéroes no pertenecen a este mundo. Continúa el prologuista "Aquí no hay poderes fantásticos, ni magia, ni maquinas futuristas..." bla, bla, bla...
Antes afirme que las diferencias entre el cómic y el film no son sustanciales, aun manteniéndome en lo dicho si señalo que en una peli que va de rompedora, se adoptan muchas de las convenciones del canon hollywoodiense, la diferencia que más canta es que el chico debe conquistar a la chica y así lo hace. También se echan de menos los divertidos diálogos fascistoides entre Bigg Dady y Hit-Girl. Big Daddy: "¿La definición de diccionario de demócrata?". Hit-Girl: "Un gilipollas trastornado capaz de manifestarse por el derecho de matar bebés y de convocar manifestaciones con velas por asesinos múltiples". La necesaria espectacularidad, caiga quien caiga, hace volar a Lizewski, ahora convertido en Red Richards, capaz de usa cualquier máquina.
El cómic y la pelí son divertidos pero francamente bastante frustrantes.

Kick-Ass (Iván Rodríguez)

2010-06-09T04:48:00.000-07:00

Me ha gustado mogollón, me lo he pasado genial y me he reído hasta que se me saltaban las lágrimas.
Contando con que mi reacción ante el cómic fue la misma creo que la adaptación al cine, lejos de ser perfecta, ha sido de lo más correcta.

Me gustaría decir que la adaptación es tan fiel como me pareció Watchmen, pero flojea en varios puntos clave, como pueden ser el dar a conocer las intenciones de Bruma Roja desde el principio (joder, y puse a parir a los de Fotogramas por spoilear. Disculpas, solo había leído el cómic), mantener el heroico origen de Hit Girl y Big Daddy (en el cómic se desmitifica a los personajes de forma más cruel) o un edulcorado final que no me termina de convencer, ya que Millar putea mucho más al protagonista devolviéndolo a su estatus de repudiado friky escolar.

Es difícil encontrar una adaptación perfecta, y la que para mi lo consigue (la mencionada Watchmen) no dejó contento ni al autor (Moore nunca está contento, así que cuenta más bien poco) ni a muchos espectadores. Pero la adaptación de Kick-Ass es correcta (no pasa de ahí) dejando una peli entretenida y no recomendable. No me voy a engañar, si le digo a algún colega que vaya a verla tengo tantas posibilidades de que salga del cine encantado como de recibir una paliza y perder una amistad, así que mantendré el aséptico “a mi me ha gustado, pero no se si es el tipo de cine que te puede gustar a ti. Es que yo me lo pasé muy bien con el cómic, etc, etc”.

En cuanto a los actores hay que destacar la mejor actuación en mucho tiempo del venido a menos Nicolas Cage, un correcto Aaron Jonson como protagonista, un estupendo Mark Strong (como siempre) y una fantástica Chloe Moretz como Hit Girl comiéndose por completo a todos sus compañeros.

Ni el cómic es lo mejor de Millar ni la peli pasará a la historia, pero a quien le importa eso cuando va al cine a pegarse un atracón de palomitas y gominolas y a pasar un rato divertido. Pues eso, no se pueden leer ni ver obras maestras todos los días, pero ver como un friky se convierte en un superhéroe cuyo mayor poder es recibir hostias, se hace famoso gracias a youtube, le salen imitadores y acaba luchando contra la mafia tampoco es algo que se vea todos los días.

Fotogramas, cinecómic y una despedida. (Iván Rodríguez)

2010-05-31T11:19:00.000-07:00

Llevo bastantes años comprando fielmente la revista Fotogramas por la simple razón de que me parece la mejor publicación sobre cine que se hace mensualmente en España. El que quiera un rollo más intelectualoide que pille Dirigido Por (menudo muermo) y los ávidos de grandes fotos y pocas letras tienen la opción que les da la revista Acción, incluso está el sucedáneo de Fotogramas conocido como Cinemanía.

Pero lo cierto es que la que da un poco de todo, críticas, novedades, entrevistas, reportajes, una racioncita de amarillismo y sobre todo una lectura ágil y entretenida, es Fotogramas. Puede que sus argumentos antipiratería, a favor de la ley del cine (el impuesto revolucionario al que se somete a las salas para que pongan la bazofia producida en nuestro país), o sus lamentos cada vez que cierran unos viejos minicines (de esos en los que generalmente no han pasado del sonido stereo, y las butacas son como sillones de tortura) saquen de quicio, pero en general la revista se puede leer sin que a uno le entren ganas de vomitar.

Pero parece que los de Fotogramas no terminan de entender que el cómic en el cine ya no es un subgénero para frikis, sino que este tipo de adaptaciones ya es tan habitual como las literarias y teatrales. Y que podemos encontrar desde grandes películas como Batman Begins, a auténticas porquerías del tipo Spider-Man 3. Y deberían a limitarse a criticar las películas sin meterse en la comparación con la obra original, ya que los comentarios son de los más desacertados y ridículos, dignos del típico progre de los ochenta, que en su momento se leyó un par de Zona 84 y El Víbora, y ahora va de entendido.

Frases como: “Si algo diferencia a Millar (Mark) de Alan Moore…)” de Jordi Costa (en su crítica sobre Kick-Ass), hacen que la sangre me hierva. ¿Que narices tienen en común estos guionistas? Vale, son británicos, pero lo difícil es encontrar una semejanza. La crítica de Kick-Ass incluye otras perlas intelectuales como la comparación del protagonista con Don Quijote. Señor Costa los lectores de comics ya hemos aceptado el hecho (hace mucho) de que esta todo inventado desde la época de Cervantes y la realidad es que Don Quijote era un pionero del frikismo.

La crítica de Jordi Costa por lo menos no suelta ningún spoiler (para eso ya están los trailers) y no deja de ser tan prescindible como cualquier otra opinión de los supuestos entendidos. Pero llegamos a la página 93 del número 2.000 de Fotogramas (felicidades) y Sergi Rodríguez (no se si es directamente responsable, pero firma el reportaje) en la presentación de los personajes destroza la mitad de la trama con su comentario sobre Bruma Roja (me lo voy a callar para no hacer eco del spoiler) y se cubre de gloria frente a la gente que no haya leído el cómic. Repito: que las películas basadas en comics no solo las van a ver los lectores del medio, que el género ya está mas que integrado. O acaso toda la gente que va a ver adaptaciones literarias lee algo que no sean los titulares del Marca. Mis disculpas a los que lean.

Para terminar quiero despedirme de Dennis Hopper, fallecido el día 29, y que pese a no haber participado en muchas adaptaciones comiqueras (The Crow: Wicked Prayer, y lo he tenido que buscar en la IMDB) se merece un recordatorio desde aquí por su aportación al cine y su punto de frikismo.

Perdidos y la m mental (Iván Rodríguez)

2010-05-25T17:00:00.000-07:00

Lo primero aclarar que la “m” del título no viene de mierda (no vaya a ser que el fandom proteste), que cada uno la interprete como quiera, yo se a que me refiero.

Aclarado el primer punto conflictivo vamos a por el segundo, procurando evitar cualquier spoiler para los retrasados (otra vez pido disculpas, pues no me refiero a la gente con cualquier tipo de discapacidad, sino a la gente que no ha visto el final de la famosa serie), el final de la serie es una mierda de un calibre grande tirando a gigantesco, pero siendo realistas, después de lo enmarañada que estaba la trama: ¡QUE C*$% ESPERABAIS¡ No había una opción mejor y si muchas mucho (pero muchísimo) peores.

No me he metido en un solo foro de esos en los que se especulaba sobre los oscuros, místicos, paranormales y/o pseudo científicos finales de la serie, pero con una buena cantidad de colegas friquis algo te acaban contando, y lo único que me quedó claro fue que hay mucha gente que se ha pasado horas analizando a cámara lenta los episodios en busca de mensajes y pistas ocultas. Eso se hace con La Guerra De Las Galaxias, que a fin de cuentas son solo dos horas, si te pones con una serie los trastornos mentales pueden ser irreversibles.

Qué es lo que pasa, pues que toda esta gente había llegado a unas conclusiones, ya a mitad de la tercera temporada, de cómo tenía que ser el final, y cuando les han dado el mazazo con los dos últimos episodios se han dado cuenta del tiempo que han perdido con pajas mentales (la “m”) y, naturalmente, se sienten estafados.

Si hubiese resultado que Cable no era el hijo de Cíclope y Madelyne Prior yo también me hubiese sentido defraudado. Cierto es que Fabian Nicieza es el rey de lo evidente y se le ve el plumero antes de escribir la primera línea de un guión, hay yo tenía cierta ventaja frente a los fans de perdidos, ya que J. J. Abrams y Damon Lindelof escriben algo mejor que Nicieza (zas! enlazado con tema comiquero).

A lo que iba, ¿que le molesta a la gente? Que el final sea flojo y fácil (repetir mierda queda feo) o que se les haya acabado su dosis de material sobre el que indagar durante largas noches oscuras. Me juego el cuello a que acierto con la segunda opción. A mi también me da penita el hecho de que una serie que he seguido con interés durante seis temporadas, que me ha tenido enganchado, que me ha hecho comerme la cabeza, y con la que he disfrutado con la mayoría de los capítulos (nos hemos comido algunos ladrillos buenos), llegue a su fin. Pero pese a la cantidad de cabos sueltos que han dejado los guionistas, espero sinceramente que no haya spin off o algún descalabro similar (léase película) que termine de enfangar el recuerdo de una gran serie con la que lo he pasado muy bien. Que me ha decepcionado su desenlace, seguro, pero cuantas series, películas o colecciones nos han tenido en vilo para, al final, no darnos exactamente lo que queríamos, realmente que no acabasen nunca.

Llega CHT (Javo Rodríguez)

2010-05-21T04:15:00.000-07:00

Es habitual escuchar que son pocos los textos teóricos sobre el cómic que se publican en España. Tal vez sea cierto, ignoro los que se editan sobre otros temas o los que aparecen en otros países. Pero no es menos cierto que cada vez son más los libros que tratan, bajo diferentes puntos de vista, el análisis de las viñetas. Diccionario de Onomatopeyas del Cómic de Luis Gasca y Román Gubern, La Arquitectura de las Viñetas de Rubén Varillas, 1001 anécdotas del Cómic (o casi) de Raúl J. Sinovas Gómez "Shogun", La Novela Gráfica de Santiago García... son algunos de los títulos más recientes.
No entro en la calidad del totum revolutum de los textos citados, hay diferencias, evidentes para cualquier lector, entre lo excelentemente escrito y documentado por Santiago García y el libro de “Shogum”, por poner un ejemplo.
Tampoco comparto algunas de las tesis mantenidas por sus autores, ni con muchos de sus criterios pero, en general me parecen obras excelentes, bien documentadas y presentadas. De todas he aprendido y la mayoría me han hecho, al menos, reflexionar.

En este panorama, donde no hay que olvidar el magnifico trabajo que coordina Antoni Guiral en Del Tebeo al Manga, la historia de los cómic cuyo sexto tomo espero ansioso, se presenta CHT, una nueva revista dedicada a los tebeos.
Hija directa del blog homónimo, Cómic, Historietas, Tebeos (http://comic-historietas.blogspot.com/) la revista fue presentada, el pasado 20 mayo, en el cuidado Espacio Sins Entido de Madrid.
Lo primero que hay que decir es que CHT es espectacular. Su formato, 30 x 23 cm., su papel, la calidad de las impresiones, la maquetación, los textos... todo brilla a gran altura.
Los contenidos se ciñen y se ceñirán al pasado, en palabras de uno de sus responsables, Carlos Uriondo: “Nuestra metodología es la lejanía en el tiempo. No queremos hablar de la actualidad. Eso no permite una mayor tranquilidad y profundidad en el análisis”.
El #0 esta compuesto por 36 páginas dedicadas básicamente a las ilustraciones de Alex Raymond y de Carlos Meglia en Tarzán.
El #1, ya con 60 páginas, tiene como tema central a Mort Cinder, la genial obra de Oesterheld y Breccia, junto a este trabajo encontramos de nuevo a Tarzán, ahora en las páginas glorias de Hogarth; una maravillosa reproducción de dibujos del gran Jesús Blasco; y espacios dedicados de Gianni de Luca, Yves Chaland o Hugo Pratt, entre otros.
CHT sólo se vende por suscripción (chtrevista@gmail.com) y ya anuncia su próximo número dedicado a Hal Foster y su Prince Valiant. Espero sinceramente larga vida a CHT, un proyecto arriesgado, muy arriesgado, que tiene muy complicada su continuidad pero que Kioscopedia apoya y recomienda.

Para finalizar no puedo dejar de comentar el placer que me produjo una breve charla con Jesús Cuadrado, encargado de introducir a los responsables de la revista y de una corta disertación sobre las revistas teóricas dedicadas al cómic. “Convivo” casi a diario con Cuadrado, De la Historieta y su uso, su monumental obra en dos tomos, son para mi libros indispensables. Cuadrado y Antonio Martín son “responsables” en gran parte de la creación de Kioscopedia. Lamentablemente, Cuadrado me comunicó que hoy por hoy no están previstas actualizaciones de De la Historieta y su uso, cuyas informaciones cubren el periodo 1873 / 2000, aunque si parece más cercana la edición de nuevos volúmenes de obra general, Atlas Español de la Cultura Popular.
El acto, como ya dije, se celebró en el agradable espacio de Sins Entido, editores, por cierto, de De la Historieta y su uso, junto a la Fundación Germán Sánchez Ruipérez. Aproveche la ocasión para comprar el libro dedicado a Chris Ware, escrito por Ana Merino, no me interesa mucho el autor, pero quería tener completa la interesante colección Sin Palabras, con la que “algo” tiene que ver también Jesús Cuadrado.

Como decían las antiguas crónicas todo acabó con un vino español, bueno, en este caso cava Carta Nevada... ¿cuando aprenderemos los madrileños a disfrutar de un buen brut nature? Es broma, la presentación fue un acto simpático y agradable, aunque con muy poca asistencia, aviso para navegantes. ¿Es que no hay más gente interesada en esto?

Un grande con cara de chungo (Iván Rodríguez)

2010-05-21T03:46:00.000-07:00

Todavía recuerdo la impresión que me causó ver a Henry Rollins por primera vez. Era el Festimad de 1997 y como estaba de prácticas me pude dar el gustazo de ver a la Rollins Band desde el escenario con el roadie de de Fear Factory preparando las guitarras para la siguiente actuación.

No había escuchado mucho de la Rollins Band y no soy un gran fan, pero cuando la mala bestia salió al escenario, acompañado de su grupo de asalvajados me quedé flipado, todos descalzos y aporreando los instrumentos como si de una batalla campal se tratase en vez de un concierto.

Años más tarde volví a flipar cuando a mitad de Johnny Mnemonic (película muy maltratada, no es para tirar cohetes, pero entretiene un montón y sale Dina Meyer) sale el Henry Rollins con unas gafitas en plan médico intelectual. Desde este momento no he parado de verle en cine y televisión. Aparece brevemente en El Cuervo, ha puesto voces para series de animación como Batman Beyond, Teen Titans o Padre Made In USA.

En la Wikipedia le caracterizan también de activista político y antimilitarista, pero no he encontrado muchas referencias salvo una frase suya (en la wiki) que mola bastante: "No dejeis que vuestro comandante os mienta, para eso está vuestro presidente". Aparte de la frase lo que está bien es el lugar donde la soltó, un concierto para las tropas desplazadas en Irak en 2003. Una patada en las pelotas a la política de Bush bien dada, no como los payasos de los artistas de nuestro país que lo único que hacen es militancia de camiseta con “no a la guerra” desde patéticas posturas proPSOE (como si hubiese diferencia entre la forma de actuar de nuestra mierda de partidos políticos). Luego nos permitimos el lujo de criticar a los yanquis por cualquier payasada que hacen sus celebridades.

Se me va la pinza. Que la última vez que he visto a Henry Rollins (al que ya he relacionado con algo de cómics) ha sido en la cojonudísima serie de televisión Sons Of Anarchy, concretamente en la segunda temporada interpretando a un cabrón neonazi, y es que ese rostro con mirada perdida y pinta de estar continuamente de mala leche funciona de forma impresionante.
No solo Henry Rollins está bien en esta serie, Ron Perlman se sale, Charlie Hunnam es capaz de hacer que le odiemos y al mismo tiempo sintamos algo de simpatía por lo complejo de su situación, Katey Sagal (quizá la mejor) da vida a una víbora de cuidado, Kim Coates, Theo Rossi, Tommy Flanagan (con cara complicada por esas cicatrices, pero que no para de comerse a sus compañeros de reparto cada vez que aparece en pantalla), Ryan Hurst, Maggie Siff, Mark Boone Junior, William Lucking, Dayton Callie y muchos más completan el reparto de una serie en la que no hay un solo personaje bueno, la violencia es mucho más cruda y real que en cualquier película o serie, todas las muertes, agresiones, amenazas tienen consecuencias (viendo la octava temporada de 24, ya en el primer episodio Jack Bauer se carga a dos tíos sin pestañear, y no pasa nada, son malos y se lo merecen. Y 24 me mola mucho).
Es posible que ninguno de los personajes merezca más que un tiro, pero el que quiera ver bondades tiene La Casa De La Pradera, Verano Azul y Autopista Hacia El Cielo, a mi me parece mucho más interesante como Sons Of Anarchy muestra el lado más humano de un grupo de auténticos hijos de puta.
Yo también me las he apañado para colar en el blog esta estupenda serie que recomiendo encarecidamente a los lectores de esta página (creo que no hace falta decir que no es apta para niños, por si acaso).

Algunas novedades del Salón de Barcelona (y otras anteriores). (Iván Rodríguez)

2010-05-21T01:24:00.000-07:00

Es evidente que mis gritos reclamando la inmediata publicación de Kick Ass llegaron a oírse en Panini, pues la obra salió a la venta como quince días antes del salón, cuando se suponía que Panini la estaba reservando para el evento.
Me jode bastante que no se publicase en grapa, pero el tomo es bastante correcto y poderme leer los estupendos desvaríos de Millar del tirón no está mal. Lo cierto es que me lo pase genial y disfrute de Kick Ass hasta la última viñeta, no es ni el más cafre ni el más inspirado trabajo de Millar pero entretiene un montón y recuerda a esa vieja propaganda en plan: “Niños, no intentéis hacer esto en casa”. Con respecto al trabajo de Romita Jr. lo de siempre, muy bueno pero sigo echando de menos su forma de dibujar en los ochenta, aunque me alegra que no repita sus cagadas de los noventa.

Otro grande (esta vez para el salón) nos ha permitido disfrutar de sus historias, Kevin Smith y su primera incursión en Batman con la miniserie Cacofonía (en tomo de tapa dura de Planeta). El Green Arrow de Smith me sorprendió gratamente el año pasado, probablemente porqué no esperaba mucho, sin embargo Cacofonía me ha dejado un poco frío (y esta vez no había oído nada sobre la obra). Tiene alguna influencia de La Broma Asesina, pero sin llegarle a la suela de los zapatos. Lo más interesante del tomo es el prólogo, del propio Smith, en el que el autor justifica la presencia, como dibujante, de su amigo Walter Flanagan (¡sííííí, el del perro!), algo bastante innecesario viendo la calidad de los lápices pero al mismo tiempo muy divertido. Tampoco está mal la posibilidad de comparar el borrador del guión del tercer número con el resultado final. ¿Decepcionante? Rotundamente sí, pero es Kevin Smith y algo de jugo se le puede sacar.

De mis dos habituales, The Boys y Los Muertos Vivientes, poco que decir salvo reivindicar que son colecciones imprescindibles para cualquiera que se considere lector de comics.
La primera (en su quinto tomo) recopila los 6 números de la miniserie Herogasm (situada entre los números 30 y 31 de la serie regular) o la forma de entender los crossovers en el mundo de The Boys. Se echa de menos a Darick Robertson, pero John McCrea cumple.
Y los muertitos de Kirkman (décimo tomo) siguen en su línea de sorprender cada vez que pasas la página. Tal vez los dos últimos tomos de la serie sean más calmados, pero es que la caña que dio Kirkman del quinto al octavo fue mucho y los protagonistas se merecen un descanso, pero que no se relajen.

Llegas a tu tienda habitual y ves No Hero de Warren Ellis echas un pequeño vistazo (que a veces se le va la pinza y se pone pesado, pocas) y lo lees del tirón porqué no tiene desperdicio. En la línea más crítica de Ellis, nos cuenta la historia de un mundo en el que los superhéroes son producto de una droga inventada por un gurú del LSD de los sesenta y solo un reducido grupo disfruta (o no) de superpoderes. El dibujo de Juan José Ryp, a lo Frank Quitely pero más estilizado, funciona muy bien aunque se pasa con la sangre, no hay tanto fluido en el cuerpo humano como el que hace sangrar a algunos personajes.

Para finalizar algo que no es tomo (por fin), Ultimate Comics Spider-Man llega a nuestro país como Ultimate Spider-Man. ¿Vol. 3 según Panini? ¡Traducid o dejad los p#%*$ nombres como son! Mi opinión con respecto a Bendis en la línea normal de Marvel está cambiando a peor a marchas forzadas, pero el tono algo ingenuo y muy entretenido del Spider-Man definitivo se mantiene. En esta nueva andadura del trepamuros, vemos que tras los sucesos de Ultimátum no es repudiado por la prensa o la policía, si no todo lo contrario, algo que no termina de convencer a Peter Parker (falta de costumbre). También tenemos nuevo dibujante, David Lafuente, que pese a ser muy diferente a sus predecesores mantiene el estilo juvenil que tanto pega con la historia.

Se me olvidaba, ha salido una edición completa de Predicador, con tres tomitos, con tapa dura, con su cajita, y con sus 100 pavazos de precio. Ennis lo vale, pero seguro que mola más patearse las tiendas y buscar ediciones anteriores, lo que probablemente saldrá más caro, pero también más cómodo de leer. Con esta causa perdida me despido.

Se ciernen buenos tiempos para DC (Cristian Rodríguez)

2010-05-20T10:36:00.000-07:00

El otro dia fui a comprar mi ración de comics mensual a Futurama, aqui en Valencia, y me encontré a Carlos D. Chardí, un conocido del trabajo que iba disfrazado de nada menos que de Superman. Se encontraba promocionando el dia del cómic gratis en la tienda, ataviado con su perfecto uniforme del hombre de acero, muy parecido al de Christopher Reeve. Por supuesto posó para una foto conmigo como podeis ver.

La verdad es que me esperaba algo un poco más de comics gratis, pero bueno, menos es nada.

Como único comic gratis sacado adrede por una editorial estaba Brit, un cómic de un héroe ya viejuno que aún no he tenido el tiempo de darle la oportunidad, pero eso si, los de Futurama se estiraron y me dieron un par de comics más por su cuenta gratuitos de los Vengadores.

Pero bueno, a lo que iba a la tienda no era a llevarme algún comic gratis, sino a comprarme los ansiosamente esperados por mi: Flash - Renacimiento y el primer cómic de La noche más oscura de mi ahora guionista favorito, Geoff Johns.

Después de mil retrasos en la edición americana de la serie de Flash - Renacimiento en USA debido a problemas de salud del dibujante, sale a la venta en un único tomo en España la serie completa de 6 números con una diferencia del último número editado en USA de poco más de un mes, algo insólito en las ediciones de Planeta que suele sacarlos con casi un año de retraso respecto a USA.

El cómic del renacimiento de Flash, es mucho más apropiado para gente que de antemano le gusta Flash, porque el autor aumenta la mitología del mundo de Flash de una manera que es todo mucho más entendible habiendo leido lo anterior, o por lo menos lo más reciente.

Las cosas han cambiado mucho, y como no, el autor ha hecho renacer a más de un personaje para la ocasión, cosa que no voy a comentar para no chafar a nadie la lectura, pero desde luego que merece la pena. La obra en si no queda tan obra maestra como pudo quedar en su dia Green Lantern - Renacimiento del mismo autor, pero abre nuevas vias para el personaje que estoy seguro darán mucho de si en un futuro no muy lejano.

Geoff Johns está triunfando ahora mismo, y mucho, en USA donde le han ascendido a Jefe creativo (Chief creative officer) en DC debido a su gran éxito como guionista por sus guiones en series como Green Lantern, que ahora está pegando muy fuerte en USA, JSA, Superman,....

Para mi esto supone una alegría porque Johns es un autor en mi opinión muy bueno, y ahora va a coordinar la mayor parte de series de DC, así como las peliculas de animación o de imagen real de DC Comics, asi que esto puede suponer lo que DC necesita: un poco de sangre joven, buenos guiones y una salida del estancamiento de algunas series.

Una gran parte del éxito de Johns ahora mismo es La noche más oscura, la nueva saga de DC que involucra a todos sus personajes como puedan haber hecho antes otras sagas como Crisis infinita, 52, ... La saga en si ha ganado muchos premios, entre ellos a mejor saga del año, mejor guionista, etc.. Es una saga que Geoff Johns quería hacer desde que entró a guionizar Green Lantern, hará unos 4 años. Narra el ascenso de los lanterns oscuros, un nuevo cuerpo de lanterns que está formado por muertos revividos, lo que da la oportunidad de aparición a personajes que habian muerto hace tiempo, ya sean héroes o villanos. Y además se puede decir que lo protagonizan zombies, lo cual me encanta. Todavía es muy pronto para hablar sobre la serie porque aquí está empezando, pero es el mayor éxito de DC en muchos años, y pinta muy bien.

Se han creado miniseries muy exitosas de casi cualquier personaje DC relacionadas con La noche más oscura atañiendo a villanos muertos o compañeros caidos. De momento van a ser 8 meses con La noche más oscura, para luego dejar paso a La noche más brillante, la nueva saga de Johns que esta vez comparte guiones con Peter Tomasi para crear una saga que según palabras de Johns, insuflará vida al mundo del Universo DC así como la saga Green Lantern - Renacimiento insufló vida a los Lantern Corps, el cuerpo de vigilantes de los Green Lantern.

Atento estaré.

Un grande con cara difícil (Javo Rodríguez)

2010-05-15T04:41:00.000-07:00

Creo que la primera vez que contemple su simiescos rasgos fue en la película En busca del fuego (Jean-Jacques Annaud, 1981), obviamente no sabía que era él, a su singular rostro se añadía un maquillaje que le convertía en Amoukar, el perfecto hombre de las cavernas.
Sus facciones se me quedaron grabadas, años después, en El nombre de la Rosa (Jean-Jacques Annaud, 1986), en la estupenda película, rodeado de un plantel de actores excelentes, con Sean Connery -otro grande- a la cabeza, lograba sobresalir interpretando a Salvatore, el monje, corto de luces, salvajemente torturado por el inquisidor Bernardo Gui brillantemente encarnado por F. Murray Abraham.
A pesar de que ya tenía su rostro grabado, no fui capaz de reconocerle en La Bella y la Bestia (1987), la serie de tv, donde, ya como protagonista, encarnaba a Vincent, la Bestia, junto a Linda "Sarah Connor" Hamilton. En mi descargo diré que aparecía cubierto por un maquillaje que casi era una máscara y que la serie, pese a ser alabada por público y crítica nunca me llegó a enganchar.
Con La ciudad de los Niños Perdidos (Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet, 1995) volví a recuperar su jeta, pero todavía no le ponía un nombre. Pensaba que era un actor francés cuyo trabajo era, al menos llamativo, pero sin nombre.
Lo mismo me seguía sucediendo dos años después con Alien: Resurrección (Jean-Pierre Jeunet, 1997).
Al poco, completando la filmografía del Príncipe Valiente, me hice con la decepciónate versión de las historietas de Hal Foster rodada por Anthony Hickox. Y entonces se hizo la luz, aquel rostro difícil tenía un nombre: Ron Perlman. En Prince Valiant (1997) destacaba interpretando al salvaje Boltar, un personaje que Victor McLaglen ya había bordado en la versión de 1954.
Luego llegarían sus dos interpretaciones de Hellboy, el personal cómic de Mike Mignola, cuyo rostro ya ha quedado asimilado al de Perlman en Hellboy (Guillermo del Toro, 2004) y Hellboy II: The Golden Army (Guillermo del Toro, 2008).
En contra de lo que pensaba, Ron Perlman no era galo, sino neoyorquino; nacido el 13 de abril de 1950, en esa isla maravillosa, patria chica de los comic-books y los superhéroes, llamada, Manhattan.
Además de los trabajos citados Perlman ha participado en una cantidad enorme de películas y series relacionadas con los cómics, la fantasía, el terror o la ciencia ficción, realmente impresionante.
En el cine hemos verle en Cronos (1993), The Island of Dr. Moreau (1996), Blade II (2002), Star Trek: Nemesis (2002), Absolon (2003)...
En la tv y los videos, en Sonámbulos (como el Capitán Soames, 1992), Los inmortales (1992), The Cisco Kid (como el Lt. Col. Delacroix, 1994)...
Su poderosa voz ha doblado a Matt Hagen / Clayface (Batman, 1992; The New Batman Adventures, 1997; Batman: Rise of Sin Tzu, 2003 y Justice League, 2003), a Hulk / Robert Bruce Banner (The Fantastic Four, 1995 y Iron Man, 1995), Kurtis Stryker (Mortal Kombat: Defenders of the Realm, 1996), Jax-Ur (Superman, 1997), Nikolas Rokoff (The Legend of Tarzan, 2001), Slade (Teen Titans, 2003), Orion (Justice League, 2003), Helboy (Hellboy Animated: Sword of Storms, 2006, Hellboy Animated: Iron Shoes, 2007, Hellboy Animated: Blood and Iron, 2007), Killer Croc (The Batman, 2008), Gha Nachkt (Star wars: The Clone Wars, 2008)...
La lista no es completa y a ella habría que añadir sus doblajes de diferentes videojuegos basados en superhéroes o sus anunciadas colaboraciones en el proximo film de Conan o la serie de dibus sobre el mismo personaje.
Pero si Ron Perlman me ha venido a la cabeza no es por obra anterior, sino por su destacable trabajo como el despiadado Clay Morrow en Sons of Anarchy.
Gracias a mi proveedor habitual, Iván, me he encontrado con las vidas de este grupo de moteros y el enganche ha sido total, algo que no me sucedía desde hace tiempo con una serie de acción. Los guiones, donde se combinan, junto a la acción -que no obvia los elementos más bestias-, el drama, la corrupción política, la mafia, son excelentes y, de momento, van a más.
El reparto, inmejorable.
Para no perdérsela.

Se acabó el Thor de Straczynski (Iván Rodríguez)

2010-05-13T09:41:00.000-07:00

En el número 26 del volumen 4 (según Panini) tenemos la última aportación del genial guionista al dios nórdico del trueno.

No se puede decir que sea un trabajo tan redondo como la etapa de Straczynski en Amazing Spider-Man, pero sí ha habido momentos de lo más interesantes y no ha sido una mala compra.

Lo cierto es que lo peor ha sido la forma de editar de Panini, para este caso en particular, que ha ido publicando una considerable cantidad de material de relleno para tapar los huecos producidos por los retrasos del escritor.

La marcha de Straczynski se ha debido a la falta de libertad para tratar al personaje como consecuencia de todo el lío de cruces (crossovers, tramas entrelazadas, etc.) que está montando Marvel (con Brian Michael Bendis a la cabeza), algo que está muy bien una vez al año, pero el encadenado continuo de tramas que está sucediendo actualmente es de lo más agotador, y yo me niego a comprar todo el material de Marvel para completar historias que, en su mayoría, son bastante insulsas.

Nada, ahora Panini se pondrá ciega a vender tomos del Thor de Straczynski (no me cabe duda de que saldrá en breve) y, al igual que Marvel, venderá un montón de cómics a costa de reventar los bolsillos de los lectores completistas. Pero si la editorial yanqui sigue con esta política de cruces continuos van a acabar cansando a los lectores, y no sería la primera vez.

Me lo pasé muy bien con Civil War, y he seguido los crossovers hasta Invasión Secreta creyendo (ingenuo de mi) que con lo de los Skrulls, la trama iniciada por Bendis (ya no me acuerdo con que empezó, si con Vengadores Desunidos o Secret War o Dinastía De M) se daba por finalizada, pero no, Reinado Oscuro, Siege (aun por llegar a nuestro país) siguen encadenándose sin dar un breve respiro.

Respeto muchísimo la habilidad de Bendis para jugar con la continuidad y su forma de escribir, pero se le está yendo la pinza a marchas forzadas y en Marvel deberían darse cuenta y no mirar solo las ventas.

La primera baja entre los autores ha sido Straczynski, responsable de reinventar Spider-Man, Doctor Extraño y Thor, y si siguen recortando la libertad de los guionistas para tratar a los personajes de forma independiente, en Marvel solo quedará Fabian Nicieza (o un chapucero similar) para acabar diciendo que todo fue un sueño u otro bolsillo de Franklyn Richards.

Mis novedades (alegrías) de abril (Iván Rodríguez)

2010-04-16T05:35:00.000-07:00

Si el mes pasado fue bastante flojo con respecto a las novedades este es todo lo contrario, podemos encontrar en nuestra librería una gran variedad de material interesante y largamente esperado.

Para empezar la segunda entrega (de tres) de Clásicos DC Batman y Los Outsiders, donde sigo flipando con las estupendas historias de Mike W. Barr y los dibujos de Jim Aparo y Alan Davis.

Con el número dos de Reinado Oscuro: Jóvenes Vengadores se termina la intervención del grupo en el crossover. La historia no ha estado al nivel de la primera miniserie del grupo, pero aun hay esperanzas de que el equipo creativo original vuelva a reunirse, ya que los jóvenes héroes siguen de actualidad.

Con el Thor Vol. 4 #25 (Thor #603 yanqui) tenemos el penúltimo número de Straczynski para la colección, y apunta a un final de lo más interesante. Lo cierto es que, la que empezó como una de las intervenciones más flojas de Straczynski en los cómics se ha convertido en una historia chulísima y que engancha hasta el final.

No soy seguidor del Capitán América ni de Ed Brubaker, pero mi opinión con respecto al segundo está cambiando bastante, han caído tres cómics del autor en mi carpeta este mes. Para empezar el #53 del Vol. 7 del Capi, que es el 600 yanqui debido a la política de recuperación de numeraciones que esta llevando a cabo Marvel. Los números que se suman para llegar a la cifra actual se explican en la contracubierta del cómic.
Aparte de la importancia del número, este cómic celebra el primer aniversario de la muerte del Capi, con la resurrección del personaje (sí, otro personaje que muere y no le dejan descansar en paz). Lo cierto es que la resurrección no sucede en este número, si no en la miniserie Captain America Reborn, que Panini ha recopilado en un solo tomo, pero el #600 es un prólogo fundamental.
Volviendo al tomo, obra de Brubaker y un genial (como siempre) Brian Hitch, nos permite disfrutar de una gran historia en la que se repasa la vida del Centinela de la ibertad. Panini ha incluido una buena cantidad de cubiertas alternativas de la serie y un texto explicativo final que permite que muchos lectores se pongan al día y no necesiten haber sido seguidores de la serie regular. Os puedo asegurar que la historia del Capi es una de las más complicadas de seguir de todo el Universo Marvel.
Para terminar con el tema del Capitán América, decir que no hay que confundir este tomo con la mierda que hizo Rob Liefeld en 1996, pues lo de “Reborn” puede llevar a confusión.

Lo retro está de moda y Brubaker es un experto, como ha demostrado en su trayectoria en la serie del Capitán América, así que se ha metido ha realizar El Proyecto Marvels (es el título de la serie). Este cómic está muy influenciado por el gran trabajo que realizaron Kurt Busiek y Alex Ross en Marvels, que recientemente tuvo una secuela titulada Marvels: Eye of the Camera, del propio Busiek.
Mientras Marvels era un “documental” que repasaba los más importantes momentos del Universo Marvel, El Proyecto Marvels pretende llenar el vacío entre el famoso Marvel cómics #1 de 1939 y el teórico nacimiento del Universo Marvel con el primer número de los 4 Fantásticos en 1961. Veremos como avanza la serie, que en EEUU va por el número 7 y sigue en curso.

Para terminar, por fin tenemos en nuestro país el primer número de la etapa de Warren Ellis y Simone Bianchi en Astonishing X-Men, que continúa la idea de Joss Whedon y John Cassaday y que comienza bastante interesante.
Esta nueva etapa solo tiene una cosa que me toca las narices, el número 1 de Panini contiene el Astonishing X-Men #25 y el Astonishing X-Men Sketchbook Special de 2008, donde el Bianchi se tira el rollo de sus nuevos diseños para los uniformes del grupo. ¿Nuevos?, y una mierda, les ha cambiado la X de sitio (joder que novedad) y ha añadido más detallitos innecesarios a los sobrios y efectivos diseños de Cassaday (y es probable que Salvador Larroca, que dibujaba X-Men en esa época, también aportase algo). Ha vuelto a ponerle el corpiño clásico a Emma Frost, pero para plantarle en el centro del pecho una X enorme, que no nos permite disfrutar de su fantástico canalillo y se ha pasado por el forro la gracia de que Coloso recuperase su primer uniforme, y le ha puesto uno nuevo con bastante poca imaginación. Con Lobezno más de lo mismo, la mínima variación del traje clásico (el amarillo) que realizó Cassaday, pero con la X sobre el corazón.
No digo que Bianchi sea malo, todo lo contrario, pero plantarse medallas de nuevos diseños, cuando los buenos son prácticamente los mismos que había y los realmente nuevos son bastante pobres le hace perder bastantes puntos.
Pese a todo, tengo muchas esperanzas puestas en esta nueva etapa de Astonishing X-Men y en que conserve el tono que tuvo la obra maestra de Whedon y Cassaday.

Quiero lectura y 2 (Iván Rodríguez)

2010-02-22T01:09:00.000-08:00

Ya he comentado que Panini (o Marvel, o lo que sea) no está en su mejor momento. De forma que mis opciones de lectura deben ampliarse a otras editoriales, en lo que a novedades se refiere, y a releer parte de mi biblioteca.

En lo relativo a novedades: cada muchos meses (que larga se hace siempre la espera) tengo a los Muertos Vivientes de Kirkman y Adlard, de Planeta, y The Boys, el cafre grupo de Ennis y Robertson, publicado por Norma. Para mi desgracia, ambas colecciones se publican en tomo de tapa blanda recopilando varias grapas americanas, pero Norma y Planeta funcionan así. Que le vamos a hacer. Prometo dejar ya el tema de tomos, grapas, etc., pero tenía que decirlo.

Lo de los Muertos Vivientes está siendo un fenómeno de ventas, ya no se la cantidad de bolsas que he visto reservadas en Nexus 4 (un saludo) con números atrasados y colecciones completas que desaparecen y son velozmente sustituidas por otras similares pero con distinto futuro propietario. A mi me paso en el número 3, pero, en este momento (con el 9 recién salido), la gente sigue pidiendo todo lo anterior.

The Boys la pillé desde el principio, pero el enganche, para mi, es el mismo. Aunque no tiene tanta aceptación como los muertitos y las opiniones de los lectores son más dispares que con esa serie. Hay incondicionales, los hay que si no tienen otra cosa la pillan, pero sin demasiado entusiasmo, e incluso un reducido grupo que te pregunta que como se la puedes haber recomendado. El otro día había una chica en Nexus 4 (sí, de verdad y no, no se había perdido) preguntando por cómic yanqui (sí, de verdad), y le había gustado Predicador (joder, que es cierto, no me lo invento), de forma que Oscar y yo le recomendamos The Boys. Mismo autor, a ella no le gustaban los superhéroes (esto ya parece más normal) y a los chicos del Carnicero tampoco, así que parecía la colección ideal. No creo que nos vuelva a pedir opinión, pero quien sabe.

Siguiendo con mis lecturas, se me olvidaba que también vivo de gorronear las colecciones de los colegas, y recientemente he podido disfrutar de Y El Último Hombre de Vaughan, y el autor no me ha decepcionado.

Al tirar de biblioteca suelo ser poco original y últimamente han caído de The Ultimates, Camelot 3000 y Watchmen. Lo de esta última, influenciado por el revisionado de la genial peli. También tengo mis tomos yanquis en blanco y negro de la primera parte de la etapa Claremont en La Patrulla-X, por si me puede la nostalgia.

Y era al rollo de la nostalgia a lo que quería llegar. Ya que actualmente Planeta está reeditando Batman Y Los Outsiders en su línea Clásicos DC. En su momento solo compré (o, más bien, me compraron) un par de números, en los que finalizaba una historia y comenzaba otra, así que me enteré de bastante poco. Lo que pasa es que un día aparece el tomito en la tienda, te pones a hojearlo y ves: Mike W. Barr. Toda la vida manteniendo que Camelot 3000 es el mejor cómic de la historia y resulta que no tengo nada más de su autor, lo que podría convertirme en uno de los mayores bocazas de la historia, si no fuese por la cantidad de gente que va por ahí diciendo que el mejor cómic de la historia es Watchmen y ni siquiera lo han leído, lo que me deja mucho margen.
Pues nada, habrá que comprar los otros dos tomitos (el diminutivo viene por el tipo de edición, reducida, tapa blanda, cuidada y sin filigranas comerciales, del tipo páginas inéditas o chorradas por el estilo) y disfrutar de la vieja ingenuidad superheroica pre-Crisis En Las Tierras De Los Cojones. Lo siento, pero no pude pasar de la página 20 del maldito crossover. Menos mal que era prestado.
Sí, soy marvelita, y no puedo entender los hechos narrados ni los motivos de tansingular obra, pero no seré yo el estúpido que le recomendase a un dcfan La Era De Apocalipsis, a no ser que me cayese muy mal.
Lo cierto es que en ambas editoriales encontramos basura y tanto crisis como Apocalipsis no sirvieron para tirarla, lo único que hicieron fue ampliar el cubo.

No echo nada de menos la vieja ingenuidad de los cómics, pero no por eso deja de haber muy buenas historias, como las que nos permiten disfrutar Clásicos DC, y aunque a mi personalmente solo me llame la atención Batman Y Los Outsiders, lo cierto es que Planeta está reeditando casi todo DC, con mucho gusto y a precios razonables. La única pega es que los tomitos suelen ser bastante gordos y algo incómodos de leer, pero si pensamos en incómodos tenemos que pensar en las ediciones Absolute, que sí que eran ladrillos y además difíciles de adaptar a las estanterías.

Se acabó, dos parrafadas de temática similar para hablar mal de Panini y Marvel, que lo hago muy poco y para alabar a Planeta y DC, que lo hago aun menos.

Quiero lectura 1 (Iván Rodríguez)

2010-02-22T00:48:00.000-08:00

Bendis sigue con sus larguísimos arcos arguméntales que acaparan multitud de colecciones, los mutantes no levantan cabeza, la línea Ultimate tardará en volver, con su renovación tras “Ultimátum”, Millar y Hitch terminan su etapa en Los Cuatro Fantásticos, ha terminado “El Viejo Logan”, a Straczynski le quedan pocos números en Thor, Runaways y Jóvenes Vengadores parecen no terminan de calar, Capitán América y Daredevil no me interesan demasiado por mucho Brubaker que esté a los guiones.

Panini está obligándome a no comprar material Marvel durante meses, bien es cierto que no son más que el espejo de la editorial yanqui en nuestro país, pero ya no se cuanto tiempo llevo esperando Kick Ass y Astonishing X-Men.

Con respecto a la primera serie, tengo muy claro que están esperando al estreno de la peli y lo más probable es que publiquen la colección en uno o dos tomos para joderme el disfrutar de la grapa mes a mes y poderle dar el nombre de “La -adjetivo pretencioso- Novela Gráfica De Millar y Romita Jr. llevada al cine por no me acuerdo del nombre”, como si llamar a un puto cómic “novela gráfica” no fuese ya bastante pretencioso y estúpido. Nota: la publicación mensual de 1985 (aunque compilando dos números yanquis en uno español) me sorprendió muy gratamente, pero dudo que pase con Kick Ass.

Lo de Astonishing X-Men tiene su explicación, coherente desde el punto de vista de Panini y entendible hasta cierto punto por los lectores: “Ellis es lento, y queremos esperar a tener suficiente material yanqui para poder publicar algo mes a mes sin que la gente desespere”. Evidentemente no es una cita literal, aunque se aproxima bastante a las palabras de los editores en España. Pero, con un simple argumento en tres pasos, esta maniobra comercial disfrazada de respeto por el lector se va al traste:
1- Cuando Whedon y Cassaday (ambos leeeeeeentos) se hacían cargo de la serie hubo algunos meses “en blanco”, y sí, da rabia que los autores no satisfagan nuestras necesidades mes a mes, pero fuimos, somos y seremos comprensivos.
2- Lo del Thor de Straczynski es un crimen. Cuando el genial escritor comienza la renovación del nórdico dios hay que empezar a publicar rápidamente, “por demanda de los lectores”, aunque sabemos que el guionista se toma su trabajo con muchísima calma. Pero como tenemos una buena cantidad de mierda inédita de esta colección (que si no fuese por Straczynski nadie leería) podemos rellenar los meses de espera, obligando a los lectores completistas a comprar algo que realmente les importa un carajo. Yo, personalmente, solo compro los de Straczynski y me da igual no tener todos lo números de una colección, sobre todo si es a costa de tragar basura.
3- Retomando el tema de los tomos. Panini está sacando rápidamente las recopilaciones de Astonishing X-Men en tapa dura, y cabe la posibilidad de que tengan la intención de hacernos tragar la etapa de Ellis en la colección con este formato. Me gustan Astonishing X-Men y Ellis, de forma que, si se publica en tomo, lo compraré. Pero el autor me da un poco de miedo cuando se dedica a los superhéroes, y la grapa me daría la opción de pasar de la serie, si tras unos números no me convenciesen las historias.

En conclusión: quiero Kick Ass antes de que se estrene la peli. Así podré realizar las actividades en orden coherente (primero leer y después visionar) sin preocuparme de lo que vaya a durar el film en cartel. Y también quiero mi ración de Astonishing X-Men.
Lo único que me mantiene ligado a los mutantes, que fueron una las razones por las que el cómic me enganchó.

Dudas (Javo Rodríguez)

2010-02-12T12:32:00.000-08:00

Luis Bermejo es uno de los grandes dibujantes del cómic. Pedro Quesada es a su vez uno de los mejores guionistas españoles del tebeo de aventuras. Ambos son los creadores de Apache, una de las colecciones de más éxito del cuadernillo español y que presenta dudas a cerca de su datación.

Vamos por partes.
Algunos especialistas afirman que la primera aparición de Apache, es decir el # 1 de su colección, se produjó en 1956. Así lo hacen José Gregorio Jiménez en los espacios dedicados a Luis Bermejo y Claudio Tinoco en su web El Coleccionista. José Manuel Rodríguez Humanes y Manuel Barrero, en el catalogo de Tebeosfera, también indican 1956 como fecha de inicio; al igual que lo hace José María Delhom en su Catálogo del Tebeo en España 1865/1980.

Por el contrario, otros especialistas dan el año de 1958 como comienzo de la serie. Es el caso de Paco Baena en La Magia de Maga, o de Jesús Cuadrado en las entradas dedicadas a Luis Bermejo y Pedro Quesada en De la Historieta y su uso 1873/2000.

Sin embargo el mismo Jesús Cuadrado, en la citada obra-en mi opinión "la Biblia" del tebeo- en su entradilla del personaje, da como fecha 1959, coincidiendo con José Antonio Ortega Anguiano en su Catálogo General del Cómic español 1865/1993.
Pedro Porcel no ofrece fecha alguna en las partes dedicadas al personaje en La Historia del tebeo Valenciano.

La confusión se repite con la fecha de la aparición de la segunda época, dibujada por Tinoco.

Entiendo que, con diferentes matices, todas la fuentes son serias y están, habitualmente, perfectamente documentadas.
El objetivo de este post no es crear una tonta polémica, sino por el contrario aclarar un dato que me parece interesante, por curiosidad propia y porqueApache y sus autores lo merecen, así que es una llamada de auxilio ¿alguien tiene algún dato que aportar?

Otro Sherlock Holmes (Javo Rodríguez)

2010-01-19T17:34:00.000-08:00

Confieso que me encantan los personajes pop, esos iconos que soportan con éxito cualquier revisión, y Holmes es uno de los más emblemáticos.

Nacido de la pluma de un señor tan ¿serio? como Sir Arthur Ignatius Conan Doyle en Estudio en escarlata (1887), el británico detective ha pasado por todos los géneros, al igual que otros inmortales del pop –léase Zorro, The Shadow, Tarzán o Batman, por nombrar algunos-y lo cierto es que fui a ver la peli con interés y una cierta prevención...

Prejuicios, salí encantado del cine. La peli de Guy Ritchie responde a las expectativas, es brillante y, sobre todo, muy divertida. El reparto -encabezado por un Robert Downey Jr., capaz de convencer encarnando tanto como Holmes como a Chaplin o a Iron man- es ajustadísimo. Los decorados y los efectos especiales, ambos magníficos, quedan oscurecidos por el estupendo guión.

Solo dos pegas: la primera habitual en el cine comercial: su duración, 128 minutos, es excesiva, con 20 minutos menos hubiese bastado; la segunda es su banda sonora, de acompañamiento en todo el film, de repente, en la secuencia de las explosiones, introduce una melodía de connotaciones árabes que a.no se entiende muy bien. Si queréis pasar un buen rato y ver una versión actual de Sherlock Holmes no dejéis de verla.

Lecturas (Javo Rodríguez)

2010-01-13T12:46:00.000-08:00

Las fiestas navideñas son un buen tiempo para la lectura. Tenía algunos títulos atrasados y por fin los he podido leer con tranquilidad.

Las serpientes ciegas ha ganado el Nacional del Cómic y con esa sola referencia lo he leído. Parece que los servidores culturales han decidido que el hecho de que un cómic español se publique antes en Francia que en nuestro país es un punto a su favor, así sucedió con Arrugas, el año pasado, y ahora con Las serpientes ciegas. ¿Un buen cómic? Por supuesto pero... en ningún caso una obra redonda. Cuenta a su favor con las, casi siempre, plúmbeas referencias a la guerra civil española, algo que parece encantar a los jurados. Si no hubiese sido publicado por Dargaud y tuviese como fondo la guerra civil ¿habría sido premiado? Creo que no, pero no es más que un juicio de intenciones. Las serpientes ciegas me plantea otra cuestión. Un cómic publicado por Marvel y más tarde por Panini, me refiero a un cómic USA guionizado y dibujado por autores españoles, ¿podría optar al Premio Nacional?. Entiendo que no, aunque no puedo asegurarlo. ¿Por qué entonces un cómic francés de Dargaud y, más tarde publicado en España, por BD Banda, puede recibir el galardón? Grandes misterios de la humanidad. Como todo en este post, subjetivamente, encuentro mucho más innovador y redondo, por citar un título del tipo político o social, La cuenta atrás.

Hace meses disfrute con la miniserie The Surrogates, poco después, pese a las diferencias para suavizar la historia, también pase un buen rato con su versión cinematográfica. Con estas referencias me puse a leer la precuela Los sustitutos: carne y hueso publicada por Glénat. No está nada mal, pero, en mi opinión no supera al primer título en lo que se refiere al guión de Robert Vendetti, una historia que planteaba, en el primer titulo, una serie de interesantes interrogantes morales, limitándose, lo que no es poco, en la precuela a una atractiva historieta de ciencia-ficción policial. Los textos incluidos al final de cada capítulo, como en su predecesora, excelentes. Por lo que se refiere al dibujo, aparentemente simple, de Brett Welele, me ha seducido, su mezcla de sencillez, en ocasiones casi bocetos, y su uso del color me parecen de lo mejor.

Hace tiempo que tenía abandonados a Los muertos vivientes y aproveche tres días en el campo para leer los tomos 6, 7 y 8 de la edición española de Planeta. ¡Que gustazo! No puedo asegurar que Robert Kirkman sea el mejor guionista de la actualidad, en primer lugar porque no es lo mismo escribir para una franquicia que para una creación propia y, en segundo lugar, porque obviamente no conozco más que una pequeña parte de la producción actual. Pero si puedo asegurar que no conozco ningún guionista que, tras leer, completamente enganchado y entregado, tres tomos me deje con una sensación de pedir más, más y más... personajes currados, planteamientos morales, emoción, violencia brutal, historias de amor y una tensión narrativa que no decae en ningún momento. El placer lo completan los dibujos de Charlie Adlard. Si bien cuando tomó la serie me hizo añorar a Tony Moore, lo cierto es que Adlard ha ido creciendo en las sucesivas entregas y su dibujo ya esta completamente integrado en una serie que ya ha marcado historia.

Grapas, tomos, personajes, autores... (Javo Rodríguez)

2009-12-02T14:52:00.000-08:00

Durante mi infancia leía grapa, a nadie se le habría ocurrido denominar así a los tebeos, pero eran grapa.
Grapa tenía que ver con cuadernillos que siempre finalizaban con el héroe al borde de la muerte, para, al cabo de una semana, salir airoso del peligro... para acabar en una nueva situación comprometida y así hasta el infinito. Me refiero, obviamente, al tebeo de aventuras, dejó de lado el humor, también grapa, pero que iba por otros caminos. La grapa tenía que ver principalmente con los mecanismos del continuará. En aquellos tebeos los guionistas estaban ceñidos a ese continuará, obligándose a incluir, semana tras semana, un clímax que diese fin al cuadernillo y excitase el deseo del lector de conocer la suerte del héroe, provocándole la necesidad de comprar el siguiente número. Todo esto, para mi muy divertido, tenía el inconveniente de lastrar los guiones al necesitar un clímax a piñón fijo. Esto no fue exclusivo del tebeo español, las daily strips estadounidenses sufren el mismo lastre. Muchas de ellas, leídas más tarde en un recopilación en tomo, parecen ir a saltos.

Con el tiempo abandoné los tebeos para engancharme al comic-book, las versiones de Novaro de la DC. Aquello también era grapa pero con una ventaja sobre los tebeos españoles, las historietas era auto conclusivas y los guionistas no necesitaban crear un clímax cada pocas páginas, disponían de un determinado espacio, 12 o más paginas, para desarrollar su historia. También tenía sus inconvenientes, todavía no existía el concepto de arco, concepto que aun, sin definir, si existía en el tebeo español. Muchas de las historias del Capitán Trueno, por citar un personaje conocido, poseían arcos, Trueno y sus amigos llegaban a un determinado paraje, donde con nuevos personajes se desarrollaba una historia a lo largo de varias entregas que finalizaban cuando “nuestros amigos” se despedían para dirigirse a un nuevo lugar.

Cuando Marvel llegó a España no le hice mucho caso, en parte porque estaba centrado en otro tipo de cómics y en parte por sus horribles ediciones españolas. Fue muy tarde, entrados los 80 cuando mi hijo me descubrió a Chris Claremont y me fascinaron La Patrulla X y Los Nuevos Mutantes. Aquellas ediciones de Forum también eran grapa, pero con dos grandes ventajas, ya existían arcos, lo que permitía a los guionistas un mayor desarrollo de historietas y personajes y, al tiempo, se había abandonado el concepto del clímax en los continuará, lo que también daba más libertad a los autores. A esto se añadía un factor inicialmente fascinante, el Universo Marvel, la interacción entre diversos personajes. Un Universo Marvel que aún era fácil de seguir, sin nada que ver con la complicación actual.

Poco después llegó otro descubrimiento, “La broma asesina”, un comic-book gordo, 48 páginas, lo que algunos denominan novela gráfica, donde se desarrollaba un estupendo guión auto conclusivo que te proporcionaba satisfacción, sin más. Me pareció el formato perfecto, para los autores y para el lector.

Con el tiempo los universos de Marvel y DC se han ido complicando hasta extremos insufribles salvo para los especialistas, cosa que evidentemente no soy, como tampoco he sido nunca un gran comprador de grapa. El sistema de cross-over ha agravado la situación, aun interesándome mucho títulos como “Civil War", por poner un ejemplo, jamás hubiese podido leerlo entero sino hubiese sido por el afán completista de Iván. Habría esperado al tomo o los tomos.

Este artículo comencé a redactarlo antes de que Iván publicase su detallado e interesante artículo sobre el mismo tema. En ocasiones veo... casualidades (¿o no?). Iván cita, como yo también tenía previsto citar el magnifico “Manifiesto del Viejo Bastardo” de Ellis, donde este se inclina por el tomo, esa recopilación de grapas en un solo volumen. Yo apuesto, no es nada original, por ese formato, sin ninguna nostalgia, porque la grapa es nostalgia y no tengo nada contra esta, me parece que la nostalgia sólo es negativa para los que se quedan anclados en ella, la nostalgia como recuerdo de los buenos ratos me parece cojonuda.

Pero, volviendo al viejo bastardo, creó que el cómic ha evolucionado lo suficiente para que tengamos una nueva tensión, la que se produce entre los aficionados a los personajes y los aficionados a los autores. Como señala Ellis nuestras tebeotecas y librerías están, generalmente, organizadas por personajes o colecciones y no por autores, entiendo que eso se ha acabado. Hace años buscaba cómics porque me interesaba tal o cual personaje, la mayoría de las ocasiones sin saber quien era su guionista o su dibujante, hoy por hoy me interesan los autores que me producen cierta garantía, los personajes, por mucho que me atraigan, son cada vez menos importantes y no existe ninguno que no contenga, en sus colecciones, mucha mierda desechable.

De tomos, grapa o una nueva forma de leer y comprar cómics (Iván Rodríguez)

2009-12-01T04:57:00.000-08:00

Ya hace mucho tiempo que pasó esa época en la que íbamos al kiosco del barrio a comprar las novedades mensuales y sufríamos durante los meses de verano porque el kiosco cerraba y teníamos que buscarnos la vida para encontrar los cómics del mes correspondiente (¿cuantas veces he escrito esto?, no es nostalgia, solo me asombra lo que podemos llegar a evolucionar).

Actualmente los lectores tienen una librería a la que acuden regularmente en la que les guardan sus colecciones. Aunque, supongo, quede un puñado de irreductibles que sigan acudiendo al kiosco.

El tomo de recopilación de varios cómics nació con las tiendas especializadas y jamás negaré que es un gran invento. Teníais que ver la cantidad de diferentes ediciones que publican los yanquis de un mismo cómic (una o varias ediciones en grapa, recopilaciones varias con tapa blanda, recopilaciones en tapa dura, etc.), lo que no ha cuajado en nuestro país. El problema de los tomos es que corremos el riesgo de que acaben con mi querida grapa, ya que cada vez son más los aficionados dispuestos a esperar la recopilación, que ha comprar mes a mes sus colecciones favoritas. Esto no es una opinión, solo hay que acercarse por una librería y escuchar los comentarios de la gente al respecto.

Hablando de cómic estadounidense, en España, tenemos tres editoriales que publican a las grandes yanquis: Panini con Marvel, Planeta Con DC y Norma con Dark Horse y WildStorm de DC (he dicho las punteras que más venden, no todas). Cada una de estas edita de una forma muy diferente, ya que Panini se dedica mucho a la grapa, pero al mismo tiempo recopila muy rápidamente en tapa dura los mayores éxitos y saca directamente en tapa blanda muchas miniseries, Planeta tiene bastante grapa (no tanta como Panini), mucha recopilación en tanto en tapa dura como blanda de material antiguo y actual, Norma, por su parte, se dedica básicamente a la recopilación en tapa blanda respetando generalmente arcos argumentales completos (no hablo del material europeo).

La más fiel al modo de publicar yanqui es Panini, aunque se adapta al vendedor y comprador español (aquí las tiendas ya no mantienen tanto material atrasado y no se venderían tantas ediciones en diferente formato), ya que la mayoría de las tapas duras corresponden a recopilaciones de grapas ya publicadas. Supongo que con su larga trayectoria, tanto Norma como Planeta, se han ido adaptando a la forma de leer y comprar de sus clientes, o, también es posible, el lector se ha tenido que adaptar para poder seguir leyendo sus series favoritas. No me atrevo a decir como funciona exactamente el mercado en este sentido.

Reconozco que soy comprador habitual de las tres editoriales, y tanto de Norma como de Planeta tengo tapas blandas, no estoy interesado en la grapa de DC (simplemente porque nunca he sido gran seguidor de sus personajes). En el caso de Panini, compro en todos los formatos, sigo mes a mes la grapa de varias colecciones, las miniseries las compro en tapa blanda (ya he dicho que no suele haber grapa de estas publicaciones, repito: no suele) y, generalmente, por despiste en su momento de publicación en grapa tiro de recopilación en tapa dura.

Siempre estoy alabando a Panini, pero lo cierto es que es la que más opciones nos da a la hora de elegir como queremos leer, hasta la llegada de “Ultimátum” (ya he hablado anteriormente del crossover en este blog) que se ha publicado directamente recopilado en tapa dura. Personalmente me jode bastante no haber podido disfrutar mes a mes de esta miniserie y me da la impresión de que se va a convertir en una técnica habitual.

Es probable que yo sea un bicho raro pero mi tendencia a la grapa se me refleja también con las series de televisión, prefiero verlas semana a semana (por supuesto descargadas)que esperar a que estén completas y recopiladas en DVD en una bonita caja (que alguien muy amable ripearía para que yo pudiese descargarla), pero es cierto que a veces la caja es muy bonita y te la acabas comprando.

Otra cosa que me gusta mucho de la grapa es la oportunidad de leer lo que antes era “el correo de los lectores” (en los tiempos de Forum, con los fabulosos Loki y Átomos) y que ahora ha sido sustituido por los diferentes a la vez que interesantes comentarios de Julián M. Clemente y que si no tienes la grapa los pierdes para siempre. Bueno, se pueden hacer trampas y descargar los comics en formato digital, pero eso está muy feo, hay que piratear a las grandes industrias de la música y del cine. Jugar con el pan de nuestros libreros no está bien. Aunque a veces no nos quede más remedio, procuremos limitar esta práctica lo más posible, además es mucho más agradable leer un cómic de verdad (tomo o grapa) que la pantalla del ordenador.

Escribiendo esta parrafada no he podido parar de pensar en “Manifiesto del Viejo Bastardo”, que Warren Ellis escribiese en el año 2000 y que yo leí recientemente como prólogo del tomo de “Global Frequency”, y que plantea una reestructuración de las tiendas especializadas, donde ya no encontraríamos una ordenación por nombres de colecciones si no por autores, en plan tienda de discos. Quizá sea el siguiente paso en la evolución (empezamos en el kiosco) y que es cierto que favorecen mucho los tomos, ya que estos suelen recopilar una etapa o un arco argumental con el mismo equipo creativo.

Lo dicho: procuraré seguir siendo fiel a la grapa y espero que jamás desaparezca, pero ya que el material atrasado, en este formato, no se trata demasiado bien en nuestro país y coincido con la visión futura de la que habla Ellis, habrá que convivir con los tomos.

Un buen mes (Iván Rodríguez)

2009-12-01T03:58:00.000-08:00

Empezando por los chicos más cafres de Dynamite. “The Boys”, la serie creada por Garth Ennis y Darick Robertson llega a su cuarto tomo en su edición española (Norma) y mantiene el nivel de frescura y salvajismo con los que se estrenó. Los chicos del carnicero siguen puteando a los “supers” de las formas más crueles que nos podamos imaginar, con unas historias relativamente autoconclusivas que siempre dejan ganas de leer más. De hecho solo hay un cómic que espere con tantas ganas como “The Boys”, QUIERO QUE SALGA EL SIGUIENTE NÚMERO DE “LOS MUERTOS VIVIENTES” (Planeta)!!!!!

También editado por Norma, acaba de aparecer el último tomo de “Buffy Cazavampiros, Octava Temporada”. Durante toda esta serie, el genial Joss Whedon ha sido apoyado en los guiones por fabulosos escritores, pero el resultado final es tirando a flojito y queda muy por debajo de la miniserie “Fray” que guionizara el propio Whedon. Aparte del hecho de que el dibujo de Karl Moline nunca me ha convencido. Pero, pese al fallido resultado, es una serie que no debe perderse ningún admirador de la Cazavampiros con la esperanza de que en el futuro disfrutemos de alguna historia más original. Todavía quedan por publicar números de esta serie en nuestro país y es muy posible que vaya a mejor o, por lo menos, eso espero.

Ahora toca Marvel (o Disney), que gracias al estupendo trabajo de Panini en España nos ha permitido disfrutar de dos grandes eventos. Para empezar, la conclusión de “Lobezno, El Viejo Logan”, un “road-cómic” ambientado cincuenta años en el futuro del actual Universo Marvel, en el que los villanos se han hecho con el poder a costa de exterminar a los héroes. La historia cuenta el viaje a través de Estados Unidos de unos ancianos Lobezno y Ojo de Halcón transportando un extraño cargamento. No cuento más de la historia para evitar “spoilers” a posibles tardíos lectores.
Con respecto al equipo creativo, no es otro que el responsable de “Civil War”, solo que esta vez sin la lastra de la dichosa continuidad Marvel, lo que no nos permitió disfrutar de la genialidad del equipo en el citado crossover.
En cuanto al tema de la continuidad, no es que la historia no tenga nada que ver con el Universo Marvel actual ni que alguien con un total desconocimiento de este Universo pueda entender todas las referencias a muchos de los personajes, pero el que haya leido un par de comics Marvel en su vida disfrutará de una historia buenísima que se convertirá en breve en un clásico y una referencia para todos los aficionados y más de un autor. Como dirían en las revistas especializadas: imprescindible. Y no creo que Panini tarde en publicarlo en un tomo único.

Vamos con el plato fuerte de Panini en este fantástico mes: “Ultimatum”, el crossover que cambia por completo el Universo Ultimate de Marvel. Solo diré que los adictos a las muertes de personajes importantes no van a quedar defraudados y que el trabajo realizado por Jeph Loeb y David Finch es impecable. Respecto de Finch tengo poco que decir, porque sigue espectacular, pero lo de Loeb no tiene nombre, se ha contagiado de la genialidad de sus contemporáneos (quizá soy yo, pero veo cosas de Millar, Bendis, Kirkman y Ellis a cada página) y mejora día tras día, por si no era ya bastante bueno, y va camino de convertirse en una pieza clave de la maquinaria Ultimate.
“Ultimatum” se ha ido gestando en las diversas colecciones Ultimate durante los meses anteriores para terminar desencadenando el crossover, que ha sido publicado en nuestro pais en un único tomo (¿esta moda va a acabar con mi querida “grapa”?), y un tomo complementario que contiene los números de “Ultimate X-Men” y “Ultimate Fantastic Four” en los que se narran acontecimientos paralelos. Este segundo tomo es más flojo, pero al mismo tiempo prescindible (perdonadme libreros). Los números paralelos de “Ultimate Spider-Man” no se han recopilado y por ahora hay que tirar de “grapa” (¡BIEN!) para poder leerlos.

Por último me gustaría dar un tirón de orejas a Panini (que no se quejen, que siempre hablo bien o muy bien de su trabajo) ya que “March On Ultimatum Saga” incluido como prólogo en el tomo del crossover tiene unos fallos de traducción y de redacción dignos de un niño de cinco años, supongo que debido a las prisas.
Lo dicho, un buen mes para dejarse mucha pasta en las librerías (os debía una libreros) y disfrutar con buena lectura.

Saint Seiya, el mundo de los Caballeros del Zodiaco (Cristian Rodríguez)

2009-11-29T07:22:00.000-08:00

En la actualidad Saint Seiya (o los Caballeros del Zodiaco como lo conocen algunos) vive una segunda resurrección con nada menos que 3 series a la vez, cosa nada normal en un Manga.

La serie original conoció su éxito en el año 1986, año en el que se empezó a publicar, y la serie duró hasta el año 91. Fue un total de 28 tomos a lo largo de 5 años en la que se adaptó casi todo el Manga a una serie de Anime que fue la que realmente encumbró a la serie, gracias a los diseños de Shingo Araki. En el año 1989 se dejó de hacer la serie del anime, justo cuando la saga más importante del Manga hacía aparición, la saga de Hades. Problemas con la productora hicieron que a pesar del éxito de la serie no se continuara haciendo, lo que dejó la saga de Hades que abarca casi 10 tomos sin adaptación al Anime.

En el año 2002, gracias a unos fans de Saint Seiya que decidieron hacer un corto de animación por internet como si fuera un trailer de la adaptación de Hades, y viendo las productoras el éxito que cosechaba, se decidió adaptar de una vez la última parte de la serie publicada entre el 89 y el 91.

Como no, tuvo gran éxito, lo que provocó que se hiciera una película de animación y se lanzaran al mercado otros 2 Mangas con guión del mismo autor, Masami Kurumada pero con dibujo a cargo de otros autores como Megumu Okada y Shiori Teshirogi.

Uno es Saint Seiya: Episodio G, que narra la acción unos 3 años antes de el inicio de la serie original y los protagonistas son los caballeros de oro y narra la lucha contra los dioses Titanes.

El otro manga es The Lost Canvas, que también es una precuela pero que narra la antigua guerra santa contra Hades (hace unos 250 años). Estos mangas están teniendo gran éxito, y Saint Seiya:Lost Canvas ya está siendo adaptado al anime.

Pero la serie más importante es Saint Seiya: Next Dimension, el nuevo manga que hace totalmente (guión y dibujo) Masami Kurumada, el autor original. Hasta ahora ha sido muy poco lo publicado (parece que el autor se lo está tomando relajadamente) pero parece que la acción abarca el pasado de la antigua guerra santa contra Hades para después enlazar con el presente y la continuación real de la serie original, con los personajes que mucha gente está esperando ver como los caballeros de bronce (los protagonistas de la serie original).

Saint Seiya vive un momento muy bueno, que muchos fans no se esperaban que llegaría, han sido 13 años sin nada nuevo, y de repente vienen un montón de cosas a la vez.

Para los que no conozcan la serie les recomiendo plenamente que le den una oportunidad ya que es una de las series más importantes de la historia del cómic, y sobretodo para los que le guste la mitología griega les encantará, ya que el autor llena de referencias todos sus Mangas, ya sean de Caballeros del Zodiaco o de boxeadores.
Esperamos una larga vida a Saint Seiya, un manga apasionante.

Sorpresas (Javo Rodríguez)

2009-11-01T13:59:00.000-08:00

Echar un vistazo a la sección de novedades de cualquier número de Dolmen constituye un autentico ejercicio para la frustración: imposible comparar todo lo que parece interesante y aunque pudieses cómprarlo, la lectura se convertiría en actividad única que imposibilitaría cualquier otra.
Los libreros podrían ser un paso que te facilitasen una selección pero, por un lado no tienen espacio ni para exhibir lo que ellos pueden considerar de interés y, por otra parte, salvo honrosas excepciones, no son más que meros vendedores, dependientes que desconocen mucho de lo que venden y, por supuesto, ignorantes de sus clientes, aunque estos sean habituales.
Las revistas especializadas como Dolmen (¿hay otra?) tienen el mismo problema que las librerías.
El lector, y aquí me pongo en primera persona, también posee sus particulares prejuicios, estando muy poco abierto a la novedad. Somos, soy, asiduos de determinados autores, personajes, editoriales...
Todo esto es bien sabido por los amantes de la viñetas y no me encuentro en condición de ofrecer soluciones, pero, en ocasiones, salta la liebre donde menos se espera,
Mi última liebre ha saltado en mi biblioteca municipal.
Muy poco o nada, me interesa el cómic de temática social, no por prejuicio alguno sino porque, habitualmente es dogmático y tendencioso. Así que si se me presenta un tebeo gallego sobre el Prestige y el chapapote, en principio, huyo de él rápidamente... y meto la pata.
Con desdén, pero en honor a una amiga gallega, Yeni, saque de la biblioteca “La cuenta atrás”... y me fue imposible soltarlo hasta el final.
Me encontré con un estupendo dibujo de Sergi San Julián y, sobre todo, con un inmenso –al menos en esta obra- guionista, llamado Carlos Portela, que alcanza cotas poco habituales en el tebeo español. Mis admirados Max o Paco Roca son merecedores de sus premios, pero, sin pretender ninguna polémica, “La cuenta atrás” se merece algo más del reconocimiento que ha tenido y, obviando subjetivos galardones, es una lectura imprescindible para los amantes del buen tebeo.